中国美术史·大师原典系列 董源·夏景山口待渡图、潇湘图 中信出版社 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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• 宋代绘画
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店铺： 中信出版社官方旗舰店

出版社： 中信出版社

ISBN：9787508661780

商品编码：10388125493

品牌：中信出版（Citic Press）

开本：10开

出版时间：2016-05-01

用纸：纯质纸

页数：1

产品特色

编辑推荐

1、9米高清长卷，完整大图，用经折装的形式呈现给大家，高清复制，纤毫毕现，临摹鉴赏，诸般皆宜。

2、董源是“五代四大家”之一，“南派山水画”开山鼻祖。

疏林远树，平远幽深，皴法状如麻皮，人称“披麻皴”。

水色江天，云雾显晦，山头苔点细密，所谓“点苔法”。

米芾谓其画“平淡天真，唐无此品”。

内容简介

董源运用披麻皴和点苔法来表现江南一带的自然风貌，神妙地传写出峰峦晦明、洲渚掩映、林麓烟霏的江南景色。用笔甚为草草，近视几不类物象，远观则景物粲然，在技法上极富创造性。将夏天江南的丘陵与江湖之间，草木畅茂、云气滃郁、峰峦出没、汀渚溪桥的景色表现得淋漓尽致。

作者简介

董源（943- 约962），一作董元，字叔达，江西钟陵人，五代南唐画家。曾任北苑副使，故又称“董北苑”。擅画山水，兼工人物、禽兽。以江南真山实景入画，首创“披麻皴”和“点苔法”。与李成、范宽并称为“北宋三大家”。

内页插图

前言/序言

本丛书遴选中国美术史zui优秀的大师及其原典，完整大图呈现给读者——千百年来，这些杰作征服了无数观众，已成为华夏民族的美学基因、东方文明的背景符号！

过去，由于历史条件的限制，这些杰作往往深藏不露，普通读者难以一睹全貌，更无缘亲近赏鉴。本丛书企望“旧时王谢堂前燕”，得以“飞入寻常百姓家”。愿大师原典的灼灼华彩，成为读者的案

头锦瑟、枕边韶华。

——张子康 中国美术馆副馆长，全国美术馆专业委员会副主任

翰墨丹青话沧桑：中国古代山水画的流变与精粹 卷帙浩繁，包罗万象，一部洞察千年艺术脉络的恢弘画卷。 本书旨在系统梳理自魏晋南北朝至清代的中国山水画发展历程，深入剖析各个历史阶段的时代精神、哲学思想如何渗透于笔墨之中，最终形塑出中国山水画独特的美学体系与审美趣味。我们不局限于对单一画家的评述，而是着眼于整体的演变趋势、地域风格的差异，以及文人画与院体画之间的互动与张力。 第一编：远古之源与雏形初具（魏晋至唐初） 本部分追溯山水画的早期萌芽及其独立成科的艰难历程。 一、山水入画的哲学基础： 探讨道家“天人合一”思想和玄学思潮对早期山水图景构建的影响。介绍六朝时期，山水从作为人物画的背景，逐步脱离、独立为一种独立的艺术门类所经历的认识论转变。重点分析顾恺之“传神写照”理论在山水画初级阶段的体现，以及荆浩、关仝等“北方山水”的早期探索。 二、隋唐气象与笔墨的革新： 隋代绘画的过渡性特征，以及盛唐时期山水画所展现出的雄浑气魄。着重分析李思训、李昭道父子的“金碧山水”所代表的宫廷审美取向，及其在技法上对青绿设色的极致运用。对比分析盛唐时期，以王维、孟浩然为代表的文人对“诗中有画，画中有诗”境界的初步实践，讨论其对水墨语言的初步尝试与初步建构。 三、盛唐气象的衰变与“小李”的余绪： 考察安史之乱后，山水画在题材与风格上的微妙变化，关注唐代晚期对自然景象更细腻的观察与描绘。 第二编：五代十国：风格的定型与“南北宗”的滥觞 五代十国时期，因地域割据，南北方艺术风格分化显著，为后世“南北宗”的理论奠定了实践基础。 一、荆浩、关仝与北方山水之雄伟： 详细论述荆浩“师造化”的创作理念，分析其如何将北方山势的险峻、磅礴通过笔墨语言转化为具有精神力量的图式。关仝在“势”的把握上，如何强化了山体的厚重感与结构逻辑，为后世的巨碑式山水确立了范式。 二、江南的温润与墨法的探索： 关注南方，特别是董源、巨然等人在丹青领域的开创性贡献。 董源的“平淡天真”： 深入解析董源如何将江南丘陵的柔和、水汽的氤氲融入画中。讨论其独特的“披麻皴”，如何有效地表现出江南植被的茂盛与土石的温润质感，开创了“水墨为上”的文人山水画派的先河。 巨然的“没骨写意”： 探讨巨然在融合董源笔墨的基础上，如何进一步强调水墨的层次感与氛围的营造，其对后世江南画派的影响。 三、院体与文人画的分野： 初步界定五代院体画（如后蜀的黄筌风格对山水的间接影响）与文人画（董巨体系）在审美趣味与社会阶层上的分野。 第三编：宋代：高峰与体系的成熟 宋代是中国山水画的鼎盛时期，其成就之高，不仅在于技法的完善，更在于与理学、美学的深度结合。 一、北宋的恢弘气象与理性精神： “范宽”的崇高之美： 剖析范宽如何通过独特的“雨点皴”和“木屑皴”，表现出北方山脉的崇高感、冷峻感和无可撼动的永恒性。探讨这种审美如何契合宋代理学对“格物致知”的追求。 李成、刘松年的风格承继与变异： 分析李成的“惜墨如金”与寒林枯木的意境，以及南宋院体画家在“高、大、深、远”主题下的精细化处理。 二、南宋院体的精微与“小景”的崛起： 讨论南渡后，画家对宏大叙事的转向，对近景、小景的关注，如马远、夏圭在“边角构图”、“留白”技巧上的革命性突破。分析“一角”、“半边”的构图如何象征着南宋在政治与文化上的收缩与内敛。 三、文人画的自觉：苏轼与米芾的“意笔”探索： 重点研读苏轼提出的“论画以形似，见与鄙夫列”的理论，及其对写意精神的倡导。分析米芾的“米家云山”，如何通过层叠的墨法，彻底解放了皴法对具体山石形态的依附，使山水画成为纯粹的墨韵表现。 第四编：元代：山水画的文人化与“笔墨游戏” 元代，随着士大夫阶层政治地位的下降，山水画彻底成为文人表达个人情怀的主要载体，地域性风格进一步强化。 一、元四家：笔墨的集大成与个性化： 详细阐述“元四家”（黄公望、吴镇、倪瓒、王蒙）的艺术主张、师承关系及其独特贡献。 黄公望的“平淡自然”： 分析其对董源、巨然的继承与发展，以及“披麻皴”在晚年所达到的炉火纯青的境界。 吴镇的古拙与禅意： 考察其如何运用“阔笔”和湿墨，表现出雄浑苍劲、充满禅意的画风。 倪瓒的“旷远萧疏”： 探讨倪瓒如何通过极简的构图、稀疏的笔墨，表达对世事变迁的疏离与高洁的文人操守，其对后世写意画的决定性影响。 王蒙的繁密与“万点”： 分析其如何继承和发展了董源的画法，以复杂而严谨的笔墨结构，构建出“茂密深厚”的独特山水世界。 二、对前代的借鉴与整合： 讨论元代画家如何有意识地进行古典题材的“集古”创作，这既是致敬前人，也是确立自身风格的手段。 第五编：明清：多元并存与高峰的余韵 明清时期，山水画呈现出学院派的复古与民间艺术的勃兴，以及对前代大师的全面继承与再创造。 一、明代院体与“吴门画派”： 介绍明初“戴进”、“吴伟”等院派画家的浙派风格，及其对马夏余韵的继承。重点分析以沈周、文徵明为代表的吴门画派，如何以文徵明对董源、巨然的深入研究为基础，将传统笔墨推向精细化、典雅化的道路。唐寅、仇英在不同维度上对山水画的拓展。 二、晚明与“复古思潮”： 探讨董其昌“南北宗论”对后世画史研究和创作实践产生的深远影响。分析其如何将文人画的地位推向顶峰，并倡导“墨戏”的艺术趣味。 三、清代：四僧与“四王”的对立与融合： “四王”的集大成与程式化： 详述王时敏、王鉴、王翚、王原祁如何通过对元明诸家精研，构建了一套高度学院化、系统化的山水画“范式”，强调笔墨的“学问性”。 “四僧”的叛逆与创新： 深入分析弘仁、髡残、朱耷、石涛等人在清初的特殊历史背景下，所展现出的强烈的个性解放与对传统笔墨的颠覆性重构。石涛对“一画论”的阐述，如何挑战了僵化的程式，寻求“我自法”的自由境界。 四、晚清的地域风格与近代转型： 简述岭南画派、金陵画派等地方风格的兴起，以及西方透视学对中国山水画的初步冲击，为近现代山水画的变革埋下伏笔。 本书以严谨的学术态度，结合丰富的图例（非本书内容所涵盖的董源、夏景山口待渡图、潇湘图），全面勾勒出中国山水画这门古老艺术的生命力与不竭的创造性，帮助读者建立起完整的历史坐标和审美框架。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我购买这本书主要是冲着那位山水画巨匠的威名去的，但翻开后发现，这本书的编排逻辑实在是太巧妙了。它不仅仅是简单地罗列作品图片，而是融入了一种叙事感。我特别喜欢它在每组图画旁边附带的那些看似不经意却又精准到位的文字解读——它们不是那种枯燥的学术说教，而更像是一位资深藏家在向你娓娓道来他多年研究的心得体会，那种语气很亲切，让人愿意静下心来细细品味。比如，解读某处云雾缭绕的笔触时，文字会不自觉地带入对当时画家心境的揣摩，这种“以情悟画”的方式，对我这种非专业人士来说，比硬碰硬的技法分析要有效得多。它成功地架起了一座沟通古今的桥梁，让我仿佛能听到画中水声潺潺，感受到那份胸中的丘壑之情。这种对读者体验的重视，是很多艺术画册所欠缺的。

评分☆☆☆☆☆

最让我感到惊喜的是，这本书在提供视觉享受的同时，还非常注重知识的系统性和权威性。虽然我个人更偏爱直接看画，但穿插其中的少量背景介绍，都非常精炼且具有很强的学术支撑力。它没有大篇幅地堆砌晦涩的术语，而是以一种引导性的方式，让你在欣赏美感的同时，自然而然地吸收关于时代背景、创作观念的知识。这种“润物细无声”的教育方式，非常适合现代快节奏生活中的艺术爱好者。它让你在放松状态下，潜移默化地提升自己的鉴赏能力，而不是被动地接受灌输。可以说，这本书为我打开了一扇深入理解中国古典美学的侧门，让我对那段艺术史的理解，从表面的“好看”深入到了内在的“有意味”。

评分☆☆☆☆☆

这部画册一拿到手，我立刻被那种扑面而来的历史厚重感给震住了。封面设计得很有品味，那种淡雅的色彩和典雅的字体，仿佛瞬间就把人拉回到了那个遥远的时代。内页的纸张质感极佳，油墨的印刷水平也无可挑剔，尤其是对于古代绘画那种微妙的墨色层次，处理得非常到位，能感受到画心那份穿越千年的宁静。我特意对着光看了几处细节，那些线条的生动和山石的皴法，即便是通过现代的印刷技术重现，依然能让人清晰地感受到古人的匠心独运。这种对原作的尊重和精细的复制，对于我们这些业余爱好者来说，简直是福音，它让我们有了一扇近距离欣赏国宝的机会。我花了好长时间沉浸在那些山水之间，光是研究那些树木的形态和水流的走向，就觉得心旷神怡，真的，这套书的装帧和印刷质量，完全配得上“大师原典”这个名号，体现了出版方对艺术的敬畏之心。

评分☆☆☆☆☆

作为一名长期关注中国传统文化的朋友，我一直在寻找那种能够经得起反复推敲的作品集。这本《中国美术史·大师原典系列》的选材和收录标准，显然是经过了极其严格的筛选。它呈现出的那种气韵生动，绝非一般市场上的普及读物所能比拟。特别是那些对画幅细节的放大处理，简直是教科书级别的展示。我以前在博物馆远观时，总觉得某些区域的笔墨细节有些模糊不清，但在这本书里，那些细如发丝的线条、墨分五色的变化，都清晰可见，让我得以窥见古代画家如何在极小的范围内爆发出了如此磅礴的气势。这种高精度的再现，不仅是视觉上的享受，更是对艺术史研究的宝贵资料补充。每次翻到一幅意境深远的巨制，我都会忍不住拿起放大镜，去追踪每一笔的来龙去脉，那种探索的乐趣是无与伦比的。

评分☆☆☆☆☆

这套书的装帧设计透露出一种低调的奢华，特别是那种采用的特制书脊处理，让它在书架上显得非常醒目，却又不会过于张扬。我发现这本书在排版上很注重留白艺术，每一幅作品都有足够的空间呼吸，不会让人感到拥挤和压抑，这恰恰呼应了中国山水画“计白当黑”的审美旨趣。我注意到一个细节，不同时期的作品在版式和字体风格上都有细微的调整，这无疑增加了阅读的层次感和历史纵深感。这种对整体阅读体验的整体把控，体现了编辑团队深厚的文化底蕴和对艺术书籍制作的专业态度。它不仅仅是一本画册，更像是一件可以陈列、可以常伴左右的艺术品，拿在手里分量十足，心里的满足感也相应增加。

评分☆☆☆☆☆

非常好的画册，期待出完收集全套

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非常喜欢！准备凑集全套留着以后慢慢看

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