西方名导演论导演与表演 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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杜定宇 编

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出版社： 中国戏剧出版社

ISBN：9787104002451

版次：1

商品编码：10679286

包装：平装

开本：32开

出版时间：1992-01-01

用纸：胶版纸

页数：537

字数：390000

内容简介

　　《西方名导演论导演与表演》选编了梅宁根以来西方著名导演一些有代表性的导表演论文。全书约分三部分。上编是主体，选入20位著名导演的36篇文章，以介绍这些名家的导演构思和方法。下编有14篇文章，其中5篇是从不同戏剧样式的角度来说明不同的导演手法。鉴于莎士比亚戏剧是西方演剧艺术的重点，这里选收英美8位著名导演或演员的9篇短文，就莎剧演出中如何保持剧本的完整性、体现诗韵和音乐性，以及如何使用写实方法和现代服装等问题发表他们的体会和心得；这些人中大都是具有实践经验的世界莎剧演出大师，他们的经验之谈对我们会有启示作用。

目录

前言
上编 导演的构思与方法
舞台画面的运动
在第四堵墙后面
自由剧院的新演技
风格与内容
捍卫自然主义
创造气氛
表演是一种科学
照明与空间
现代剧场艺术的某些不良倾向
写实主义与演员
露天剧场
象征手法
戏的魅力感
排演的艺术
剧作家的观点
一出戏演出中多种因素的统一
演员的传统
抓住观众
戏剧的导演过程
导演者的职业
多能演员和一专演员
残酷戏剧（第一宣言）
名著可以休矣
东方戏剧与西方戏剧
多种力量的协调
导演体现原则
角色分派小议
演出的形式
论情绪记忆
论哑剧
没有矫饰的戏剧
“戏剧实验室”演出方法谈
下编 导演不同剧作的特殊手法
导演社会剧
旧剧的“再生”
喜剧导演技巧
导演新老诗剧
导演音乐喜剧和时事讽刺剧
论导演莎士比亚戏剧
上演莎士比亚戏剧
莎士比亚戏剧的体现
莎剧演出谈
莎剧演出的舞台形式
导演方法谈
不同剧团莎剧演出的差异
莎剧演出风格
关于莎剧的演出
附录 西方导演小史
译者序言
一、导演的起源
二、导演的演变与发展
三、左拉、安托万与布拉姆以及他们的自然主义
四、斯坦尼斯拉夫斯基及其现实主义
五、美国第一位重要导演——大维？贝拉斯科
六、阿庇亚与戈登？克雷格及其戏剧综合
七、法国导演雅克？柯泼及其反自然主义反商业化的老鸽巢剧院
八、德国导演莱因哈特及其表现主义和印象主义风格
九、苏联导演梅耶荷德的导演风格和遭遇
十、苏联现代著名导演
十一、德国现代著名导演
十二、法国现代著名导演
十三、英国现代著名导演
十四、美国现代著名导演

精彩书摘

　　这件事很简单，不是吗？不过我们并非总是按照那种方法行事，要么由于疏忽或缺乏时间，要么因为要利用在其他戏里已经使用过的旧布景。然而，千真万确的倒是，你不可能使用旧布景演好一出戏。 　　一旦按照上面列出的方法绘出四边布局草图之后，那么整个住宅房间对于戏剧行动就不一定绝对必要了。在现代生活中，在我们的起居室、卧室和书房里，地板图案风格或我们的职业性质会使我们无意识地喜欢在某个特定部位而不是在别的部位生活和工作。冬天，我们习惯聚集在壁炉旁或火炉旁；夏天则相反，我们会被吸引到阳光照耀的窗户旁，并且会出自本能地到那儿去看书或呼吸。 　　当你不得不建造布景时，就会理解到这些考虑将逐渐变得多么重要。德国人和英国人对此从不犹豫，他们会组合、切割并巧妙地打破空间，以便在舞台画面中央部分仅仅放置上他们需要的壁炉、窗户、桌子或角落。 　　这些布景景色优美，富于生活，具有十分新奇和亲切的魅力，然而在法国却被叫悲地忽视了，因为我国的布景设计家仍然不顾一切地接受古典戏剧传统遗产的影响。他们认为观众的眼睛将无法容忍缺乏匀称的状况。我们的建筑家，在他们可以自由使用的狭小地域里，用非同寻常的设计和不连续的线条建造起现代化房屋；这些对于布景设计家来说可能成为一种生动的、多样化的和取之不竭的源泉，但相比之下，他们的冥顽偏狭更加显得无法原谅。 　　……

前言/序言

《光影的炼金术：二十世纪电影的艺术与革新》 一部深度剖析电影艺术发展脉络、技术演进与美学探索的宏大叙事。 本书并非聚焦于特定导演的个人思想或表演理论的构建，而是将目光投向整个二十世纪电影工业的磅礴变革。我们旨在描绘一幅波澜壮阔的画面：从默片时代的视觉冲击，到有声电影的叙事革命；从好莱坞黄金时代的类型固化与工业流水线，到欧洲艺术电影对电影本体的深刻反思；再到战后新浪潮的解构主义浪潮，直至数字时代的影像重塑。 第一部分：工业的诞生与默片的黄金时代（约1900-1927） 本部分详细考察了电影作为一种新兴媒介的初期形态与商业运作模式的建立。我们首先审视了爱迪生信托基金、卢米埃尔兄弟的“活动影戏机”等关键技术的发轫，以及梅里爱如何将镜头转化为魔术棒，确立了叙事电影的可能性。重点分析了美国电影工业在东海岸向西海岸的迁移过程，以及派拉蒙、福克斯等早期制片厂如何形成垄断格局，标准化了电影制作流程。 在艺术层面，我们将深入研究D.W.格里菲斯在蒙太奇手法上的突破性贡献，探讨《一个国家的诞生》和《腐败的国家》如何通过复杂的场面调度和景别运用，将电影提升为一种严肃的叙事工具，即便是在缺乏对白的情况下。同时，我们不忽略欧洲的探索，如德国表现主义的舞台化布景对光影心理学的影响（以卡尔·迈耶和弗里茨·朗早期作品为例），以及苏联蒙太奇学派（爱森斯坦、普多夫金）对“镜头碰撞”理论的严谨论证，这些理论奠定了现代电影剪辑的基石。 第二部分：声音的入侵与好莱坞的类型化（约1927-1945） 有声电影的出现被视为一次剧烈的技术颠覆，本章探讨了这一转变对电影语言和演员表演实践的结构性影响。声音的引入如何暂时削弱了早期导演对纯粹视觉叙事的依赖？我们分析了华纳兄弟如何利用“有声片”的噱头在市场竞争中脱颖而出，以及环球影业如何通过怪物电影确立了类型片的早期范式。 随后，我们将焦点转向好莱坞的“制片厂制度”的鼎盛时期。探讨了米高梅、华纳兄弟、二十世纪福斯等“五大”制片厂如何通过垂直整合，从制作、发行到院线控制，形成了一个高效且高度模式化的工业体系。类型片（如西部片、黑色电影的先声、歌舞片）的成熟，并非偶然，而是基于市场调研和严格的剧本规范之上的产物。本部分也研究了审查制度（海斯法典）对内容表达的约束，以及这种约束如何在创作者的限制中催生出微妙的、潜文本式的表达技巧。 第三部分：战后反思与欧洲艺术电影的觉醒（约1945-1960） 二战的创伤催生了对既有叙事模式的深刻质疑。意大利新现实主义的兴起，标志着对制片厂精致布景的反叛。本章详述了罗西里尼、德西卡等导演如何将摄影机搬上街头，运用非职业演员，捕捉日常生活的粗粝质感，重新定义了“真实感”在电影中的位置。 紧接着，我们将目光转向法国的“左岸”与“右岸”群体。我们细致考察了“电影手册”时期知识分子对美国类型片（如黑色电影）的迷恋与解构，以及他们如何从理论上为日后的“作者论”（Auteur Theory）奠定基础——尽管本书并非直接探讨导演的个人宇宙，但该理论对电影史的理解至关重要。重点分析了对叙事结构的主动破坏、时间的非线性处理，以及对传统道德观的审视如何成为战后欧洲电影的核心命题。 第四部分：新浪潮的冲击与电影本体论的探索（约1960-1975） 这一阶段是电影语言的剧烈实验期。以法国新浪潮为代表，年轻的电影人开始系统性地挑战古典电影的“语法”。本章关注的是电影形式本身的自觉性：跳切、掌机镜头（Handheld Camera）的广泛应用、即兴表演的引入，以及对传统因果逻辑的刻意中断。 同时，我们考察了其他地区的类似运动，如日本的“新浪潮”对人物心理状态的深度挖掘，以及捷克电影对政治寓言的运用。重点分析了电影在处理历史叙事时，如何从讲述“发生了什么”转向探讨“我们如何知道我们所知道的”，即对媒介本身的媒介性进行反思。这股浪潮不仅影响了电影的叙事，也重塑了观众对银幕现实的认知边界。 第五部分：全球化、技术迭代与电影语言的融合（约1975至今） 本部分探讨了电影工业如何应对电视的普及、录像带（VHS）的出现，以及最终的数字革命。我们审视了好莱坞如何通过“大片制作”（Blockbuster）策略，结合先进的特效技术，重建其市场统治地位，同时也关注独立电影在这一模式化趋势中的生存空间。 最后，我们探讨了数字摄影和CGI技术对电影美学和制作实践带来的深远影响。电影不再仅仅是光影的化学记录，而是可以被彻底重塑的像素集合。这种技术转变如何改变了场景设计、表演的“捕捉”方式，以及电影叙事的想象边界，是本章的核心议题。本书的收尾部分，将对二十世纪的电影遗产进行一次综合性的回顾，强调技术、商业、社会思潮三者交织如何共同塑造了我们今天所见的影像世界。 本书的特点在于其宏观的历史视野和对电影技术与美学实践的细致梳理，旨在为读者提供一个理解电影艺术复杂性的坚实框架，而非局限于个别艺术家的思想体系。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我买这本书之前有些担心内容会过于学术化，毕竟涉及“西方名导演”这个宏大的主题，很容易流于表面或陷入枯燥的理论堆砌。出乎意料的是，作者的叙事节奏感极强，阅读体验非常流畅。它巧妙地将历史背景、艺术思潮与具体的影片案例结合起来，使得每一位导演的风格演变都有迹可循。举个例子，当讨论到某个导演从早期的新现实主义转向后现代解构时，作者引用的那个跨时代的场景对比，简直是神来之笔，一下子就把风格的巨大转变可视化了。这本书的结构设计非常人性化，即便你对某个特定导演不熟悉，也能通过上下文理解其贡献。它成功地将枯燥的理论包装成引人入胜的“导演传记式分析”，让人忍不住一口气读完，并且迫不及待地想去重温那些被深入剖析的作品。

评分☆☆☆☆☆

这本书最让我感到震撼的，是它对“意图”与“呈现”之间鸿沟的探讨。很多时候，我们看一部电影，觉得某个片段很打动人，但说不清为什么。这本书就像是为我们提供了一副“X光眼镜”，能够穿透表面的情节，直达创作者埋下的意图。它不满足于表扬伟大，而是深入挖掘那些“不完美”和“争议性”的决策背后隐藏的艺术权衡。比如，对于某部公认的杰作中那个被批评为“过于煽情”的结局，作者提供了一种完全不同的解读角度——那是导演在特定历史语境下，对观众情感预期的一种主动挑战。这种批判性思维的引导，远比简单的赞美更有价值。它鼓励读者跳出固有的审美框架，去理解电影艺术的复杂性和多义性，让人在合上书本后，依然在脑海中不断地进行着自我辩论和反思。

评分☆☆☆☆☆

这本书的价值，在于它系统性地梳理了二十世纪以来，导演权力是如何从制片厂手中解放出来，并最终确立其为电影艺术核心主导地位的过程。它不仅仅是关于“怎么拍”，更是关于“谁来决定怎么拍”的权力更迭史。我尤其欣赏作者在论述中，如何将不同国籍和文化背景的导演放在一起进行横向比较。例如，对欧洲作者论的经典阐述，结合了美国独立电影运动后期的影子，这种跨越地域的比较视野，极大地拓宽了我的国际视野。它提供了一种宏观的视角来审视电影史，让人意识到，每一个伟大的导演作品，都不是孤立的，它们是时代精神、技术进步和个人天才相互作用的产物。读完后，我感觉自己对整个西方电影工业的脉络都有了更清晰的把握，这对于任何想要深入研究电影产业的人来说，都是一份无可替代的参考资料。

评分☆☆☆☆☆

这部书简直是电影发烧友的福音！我原本对导演的理解还停留在“拍片的人”这个层面，这本书彻底颠覆了我的认知。它深入浅出地剖析了每一位西方大师的创作哲学，那种对镜头语言的极致追求，那种如何调动演员情感的细腻手法，读起来真是让人手心冒汗。尤其对某个特定导演在处理战争场面时，如何运用光影来营造心理压迫感的分析，简直是教科书级别的拆解。我甚至开始回看那些经典老片，试图在画面中捕捉作者提到的那些微妙的“潜台词”。这本书的好处在于，它不仅仅是罗列事实，更像是带你走进导演的内心世界，理解他们每一次镜头选择背后的深层动机。看完后，我再看电影，视角完全变了，从一个被动接受故事的观众，变成了一个主动解读艺术品的鉴赏家。那种豁然开朗的感觉，是任何其他影评书籍都无法给予的。它让我明白，电影的伟大，往往藏在那些看似不经意的一瞥之中。

评分☆☆☆☆☆

我一直觉得，表演这门艺术太过玄妙，难以捉摸，但这本书提供了一套极其扎实的分析框架。它没有用太多晦涩的术语，而是大量引用了不同流派大师对“真实感”的界定和实现路径。比如，它对比了方法派演员和布莱希特式疏离表演在处理同一情感强度时的技术差异，这对我理解角色的层次感帮助极大。我特别喜欢其中关于“非语言交流”的那一章，作者详细描述了导演如何通过精确的场面调度来引导演员的肢体语言，从而在不增加台词的情况下，将人物的内心挣扎完全呈现出来。这种对细节的苛求和精准的控制，让我对幕后的工作有了全新的敬畏。这本书更像是一份深度访谈录的精粹，让那些荧幕上光芒四射的瞬间，找到了清晰的、可追溯的源头。对于想要提升自己观察力的非专业人士来说，它提供了绝佳的工具。

评分☆☆☆☆☆

好

评分☆☆☆☆☆

可以~

评分☆☆☆☆☆

很好，书很新呢！有点小灰尘，擦下就行。挺满意的。

评分☆☆☆☆☆

可以~

评分☆☆☆☆☆

可以~

评分☆☆☆☆☆

装帧不是最老的那一版。书到后发现不是很干净，就这样吧。

评分☆☆☆☆☆

不错哦，没有推荐错！

评分☆☆☆☆☆

这书是很老的书了，一直没有买。图书馆里也有。因为要写论文，就买一本吧。

评分☆☆☆☆☆

不錯