墨点 优画教学 色彩静物入门基础 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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魏文立，冯斌 著

图书标签:

• 色彩
• 静物
• 绘画
• 入门
• 基础
• 优画教学
• 墨点
• 美术
• 绘画技巧
• 素描

出版社： 浙江人民美术出版社

ISBN：9787534045738

版次：1

商品编码：11834311

品牌：墨点

包装：平装

开本：8开

出版时间：2015-12-01

用纸：铜版纸

编辑推荐

　　1.这是一套有视频辅助学习的绘画基础教程书。《优画教学》顺应时代发展的趋势，把书本绘画知识同网络视频相结合，免费赠送重要知识点的视频，真正的帮助初学者快速上手，达到静态与动态的知识传授。有视频，扫码就可以看，如同老师在做示范一样，先看后画，学习变简单。2.本套丛书，在知识点上总结归纳，帮助学生理清绘画思路，真正做到优化的目的。内页配有精美的作品，学习、临摹快速提升自己的绘画水平。

内容简介

　　色彩静物的入门基础篇，色彩知识的讲解，单体的分析，色调练习，示范临摹，历年试题解读，初学者按部就班的学习，很有必要。这本书将静物分为果蔬类、器皿类，组合静物分为水果主题、蔬菜主题、文具主题和花卉主题四大类，大量视频，色彩起步很简单！

作者简介

　　魏文立，湖北人，大冶市美术家协会会员，长期从事高中美术培训工作，多次荣获省、市级辅导金奖，获得“市科技人才创新奖”。多年的艺术教育工作，积累了丰富的教学经验，为各大艺术院校输送了很多优秀人才。

内页插图

目录

Part1 绘画工具
Part2 色彩基础知识
Part3 色彩单体
Part4 色稿训练
Part5 色彩步骤讲解
Part6 色彩欣赏
Part7 考题案例

前言/序言

《墨点·优画教学：色彩静物入门基础》 精炼笔触，捕捉光影，绽放色彩的生命力 本书并非一本单纯的绘画技法教程，它是一次关于如何“看见”色彩，如何与色彩建立深刻对话的艺术探索之旅。我们相信，每一件静物都蕴藏着其独特的生命故事，而色彩，便是讲述这些故事最生动、最直接的语言。本书旨在引导您穿越繁杂的绘画步骤，直抵色彩的本质，让您的画笔不再只是机械的工具，而是您表达内心世界、捕捉客观真实的灵魂伴侣。 核心理念：从“画”到“观”的转变 在许多入门教程中，我们常常看到的是一步一步的“怎么画”。然而，真正的色彩静物绘画，始于“如何看”。色彩并非孤立存在，它们相互影响、相互映衬，在光影的舞蹈中呈现出千变万化的姿态。本书将引导您培养一双能够洞察细微色彩变化的眼睛，理解色彩的冷暖、明暗、饱和度如何交织，共同构建起物体的体积、质感和空间。我们不教您套路，我们教您理解。理解了色彩的规律，您就能触类旁通，无论是水果、花卉，还是器皿，都能在您的笔下焕发出生动的美。 内容亮点： 1. 色彩感知力训练： 色彩心理学基础： 简单易懂地介绍色彩在人类感知中的基本作用，例如暖色调带来的温馨感，冷色调带来的宁静感，以及不同颜色组合可能引发的情绪联想。这能帮助您在下笔前，对画面整体的情绪基调有一个初步的把握。 光与色的关系深度剖析： 深入浅出地讲解光源的性质（例如，暖黄的灯光、明亮的日光、柔和的阴天光）如何直接影响物体的色彩呈现。我们将详细解析高光、亮部、反光、暗部、投影等各个区域的色彩变化，让您理解为什么同一物体在不同光线下会展现出截然不同的色彩面貌。 色彩的相互作用： 重点讲解色彩的对比关系（如互补色、对比色）和调和关系（如邻近色、同类色），以及它们如何影响我们对画面色彩的感知。您将学会如何利用色彩的对比来突出主体，如何运用色彩的调和来营造统一和谐的画面。 环境色的影响： 强调物体色彩并非独立存在，它会受到周围环境颜色的“染色”。例如，一个白色的球体放在红色的桌面上，其白色部分会带有一丝红色调。理解这一点，是塑造真实感和空间感的关键。 2. 静物构成与元素解读： 主体选择与构图原则： 引导您思考如何选择具有表现力的静物组合，以及如何运用经典的构图法则（如黄金分割、三分法、对称构图、对角线构图等）来营造有吸引力且富有故事性的画面。我们不会提供固定的构图模板，而是提供构图的思维框架，让您能够根据自己的创意灵活运用。 不同材质的表现： 针对不同材质的静物，例如光滑的玻璃器皿、细腻的陶瓷、粗糙的布料、饱满的水果、柔软的花瓣，我们将提供独特的色彩表现建议。重点讲解如何运用色彩的冷暖、明暗变化以及笔触的差异来模拟和凸显它们的质感。例如，金属的冷峻光泽、丝绸的柔滑反光、水果的饱满水润，都将通过色彩语言得以淋漓尽致地展现。 空间感的营造： 探讨如何通过色彩的远近变化、明暗对比以及空气透视等手法，在二维平面上创造出丰富的空间层次感。例如，前景物体色彩饱和度更高、对比度更强，后景物体色彩相对柔和、对比度减弱，形成视觉上的进深效果。 3. 色彩语言的运用与表达： 色彩“情绪板”的构建： 鼓励您为不同的静物组合构建属于自己的“色彩情绪板”，思考您希望通过这幅画传达怎样的情绪和氛围，然后选择与之匹配的色彩方案。是温馨恬静，还是热情奔放？是神秘深邃，还是轻快明亮？ 笔触与色彩的协同： 探讨不同的笔触（如厚涂、薄涂、点触、刮擦）如何与色彩相互配合，共同塑造形体和质感。例如，用粗犷的笔触表现布料的褶皱，用细腻的笔触描绘花瓣的边缘。 观察力训练与写生技巧： 强调反复写生的重要性，并通过一系列循序渐进的练习，帮助您提高对色彩细微变化的敏锐度。从单色写生到有限色彩写生，再到全色彩写生，逐步解锁色彩的奥秘。 从写实到写意： 在掌握基础色彩规律后，引导您思考如何在写实的基础上，融入个人对色彩的主观感受，赋予作品独特的个性和艺术风格。 本书特点： 强调“理解”而非“模仿”： 我们不提供“照猫画猫”式的教程，而是着重于培养读者的色彩理解能力和分析能力，让您能够独立思考和解决色彩问题。 注重实践与反馈： 书中穿插了大量启发性的练习题和思考题，鼓励您动手实践，并将所学知识融会贯通。我们鼓励您带着自己的作品与自己对话，反思每一次落笔的色彩选择。 语言生动，图文并茂： 复杂的色彩理论将以通俗易懂的语言呈现，配合精美的范例作品和示意图，让您在轻松愉快的氛围中掌握绘画技巧。 引导独立思考： 我们希望这本书能够成为您艺术道路上的引路人，而非拐杖。您将学会如何提问，如何寻找答案，如何用自己的方式解读色彩，创造属于自己的艺术语言。 谁适合阅读本书？ 绘画初学者： 想要打下扎实的色彩基础，掌握静物写生的核心要领。 色彩困惑者： 感觉自己在色彩运用上遇到了瓶颈，希望找到突破口。 想要提升画面表现力的爱好者： 希望让自己的作品在色彩上更加生动、有感染力。 对艺术充满好奇的每一个人： 愿意通过色彩来探索世界，表达自我。 结语： 色彩是情绪的载体，是光影的语言，更是艺术家内心世界的延伸。《墨点·优画教学：色彩静物入门基础》希望成为您开启这段精彩旅程的起点。我们不求您画出“完美”的作品，我们只求您在色彩的世界里，找到属于自己的乐趣，发现物象的真实之美，并用您的画笔，将这份美好一一呈现。让我们一起，用眼睛去感受，用心灵去描绘，让每一抹色彩，都绽放出属于它的生命光辉。

评分☆☆☆☆☆

这本《墨点 优画教学 色彩静物入门基础》就像是一扇为我敞开的色彩世界的大门。在此之前，我一直觉得绘画，尤其是色彩静物，是遥不可及的技能，仿佛需要天赋和多年的磨练。但这本书的出现，彻底颠覆了我的看法。它并非上来就灌输复杂的理论，而是从最最基础的“观察”入手。我记得其中一个章节，详细讲解了如何去“看”一个苹果，不仅仅是看它的形状，更重要的是看它表面的光影变化，看它不同角度下呈现出的微妙色彩。作者用非常生活化的语言，配以大量的实例图片，让我第一次意识到，原来一个普通的静物，背后隐藏着如此丰富的光影层次和色彩关系。书中对于色彩混合的讲解也十分透彻，不再是简单的“红加黄等于橙”，而是深入到不同色相、明度、纯度之间的微妙变化，以及如何通过调色来表现物体的质感。我印象最深刻的是关于“冷暖对比”的运用，作者通过几个简单的静物组合，生动地展示了如何利用冷暖色的巧妙搭配，让画面产生空间感和呼吸感，甚至赋予了静物生命。这本书的优点在于它的循序渐进，不会让你觉得枯燥乏味，而是让你在实践中不断获得成就感。从最初的寥寥几笔勾勒轮廓，到后来能够自信地运用色彩去塑造形体，这个过程是令人欣喜的。我尤其喜欢它在讲解中提到的“留白”的艺术，以及如何通过“点”和“线”来丰富画面细节，这些小小的技巧，却能让我的作品瞬间提升一个档次。这本书更像是一位耐心循导的老师，它不会告诉你“你应该怎么画”，而是引导你去“发现”该怎么画，这种启发式的教学方式，让我受益匪浅。

评分☆☆☆☆☆

这本书的色彩理论讲解，真的非常接地气。我以前学画画，最怕的就是那些晦涩难懂的色彩理论，什么“三原色”、“互补色”、“补色关系”等等，听得我云里雾里。但是，这本书用非常形象的比喻，把这些理论讲得明明白白。比如，它用“红花配绿叶”来解释互补色的和谐搭配，用“冷暖对比”来增强画面的视觉冲击力。我印象最深刻的是关于“色彩的面积”的讲解，以前我总觉得，只要颜色对了，画面就好看了，但其实，颜色的面积大小也非常重要。这本书告诉我，大面积的色彩应该以“倾向色”为主，而小面积的色彩可以用来点缀，增加画面的趣味性。我尝试着去画一束花，我不再仅仅关注花瓣本身的颜色，而是开始思考，如何利用背景的颜色，以及花叶的颜色，来衬托花朵的鲜艳。当我把背景的颜色处理得偏冷一些，花朵的红色就显得更加鲜艳夺目。这本书让我意识到，色彩不仅仅是表面的颜色，更是画面整体感觉的营造者。我以前画画，总是在色彩上“用力过猛”，用太多鲜艳的颜色，反而让画面显得杂乱。这本书教会了我如何“克制”和“平衡”，如何运用色彩来引导观众的视线，让画面更有层次感。

评分☆☆☆☆☆

对于我这种零基础的初学者来说，这本书简直就是福音。我之前尝试过一些绘画教程，但很多都直接跳到了复杂的技法，让我望而却步。这本书的开头，从最简单的“构图”讲起，它并没有讲什么黄金分割，什么三分法，而是用非常直观的方式，告诉我如何把静物摆放在画面中，才能让画面显得和谐、稳定。作者通过展示一些经典的静物构图案例，让我明白，原来一个简单的静物组合，也可以有这么多的变化和讲究。然后，它再循序渐进地讲解“线条”的运用，我以前以为画画就是画出物体的形状，但这本书告诉我，线条本身也可以带有情感，可以表现物体的质感和方向。例如，柔和的曲线可以表现丝绸的柔软，刚硬的直线可以表现金属的坚硬。我尝试着去画一个水果篮，我不再只是用一条线勾勒出篮子的形状，而是开始注意篮子编织的纹理，用不同的线条来表现它的粗糙和纹理感。而且，书中关于“透视”的讲解，也让我豁然开朗，我以前总是觉得透视很难，画出来的东西总是不对劲。这本书用非常简化的方法，让我理解了近大远小的基本原理，并且通过一些简单的练习，让我能够掌握基本的透视运用。

评分☆☆☆☆☆

这本书的版式设计非常舒服，每一页都充满了艺术气息，不会像一些教材那样死板。翻开书页，我首先被那些精美的静物插画所吸引，它们真实又富有诗意，仿佛能闻到水果的清香，感受到瓷器的温润。接着，我开始阅读文字部分，作者的笔触非常细腻，就像在娓娓道来一个关于色彩的故事。他并没有直接抛出大量的术语，而是通过一个个生动有趣的例子，来阐述色彩的原理。例如，在讲解“色彩的对比”时，作者没有泛泛而谈，而是拿出了一个橙子和一块蓝布的对比，让我们直观地感受到色彩的碰撞所产生的视觉冲击力。我特别欣赏书中对于“色彩的固有色”、“环境色”以及“光源色”的区分和讲解，这让我对物体表面的色彩有了更深层次的理解。我以前画静物，总觉得颜色灰蒙蒙的，缺乏生机，读完这一部分，我才明白，原来是忽略了这些重要的色彩因素。书中还有大量关于“明度”的讲解，我以前对明度只是模糊的概念，读了之后才理解，明度的变化是塑造体积感和空间感的核心。作者通过对比不同明度的色块，让我们清晰地看到，即使是同一种颜色，在不同的明度下，所呈现出的视觉效果也大相径庭。而且，这本书的排版也非常人性化，大量的留白，让眼睛得到充分的休息，也更容易将注意力集中在图像和文字上。我尝试着按照书中的步骤，去画一个简单的玻璃杯，从最初的简单素描，到一点一点地叠加色彩，去表现玻璃杯的透明感和折射的光线，这个过程让我沉浸其中，仿佛时间都静止了。

评分☆☆☆☆☆

这本书对于“写实表现”的讲解，也让我受益匪浅。我以前总觉得，画得越像越好，但其实，写实也讲究“取舍”和“提炼”。作者在讲解如何表现物体的“质感”时，并不是要求我们把每一个细节都画得一模一样，而是教我们抓住物体的“特征性”质感。比如，对于光滑的金属，我们要注意表现它的“反光”和“镜面效果”；对于粗糙的木头，我们要注意表现它的“纹理”和“毛刺感”。我尝试着去画一把旧椅子，我不再只是一个劲地去画木头的纹理，而是开始观察椅子表面的磨损，以及在光线照射下，木头纹理所产生的微妙变化。作者甚至还讲到了如何利用“色彩的微妙变化”来表现质感，比如，即使是同一种颜色的木头，在不同的光线下，也会呈现出不同的冷暖倾向。我感觉，通过这本书，我对“写实”的理解，从“形似”提升到了“神似”。我不再仅仅满足于画出物体的外形，而是开始追求捕捉物体内在的“生命力”。

评分☆☆☆☆☆

我一直很喜欢收集画册，但很多画册的讲解都过于理论化，让我觉得距离实操很远。而这本书，则更像是一本“实用手册”。它的讲解非常注重“动手实践”，每一个理论点，几乎都有配套的练习。我最喜欢的是它关于“笔触”的讲解，作者通过不同的画笔、不同的运笔方式，演示了如何表现不同物体的质感。例如，用粗糙的笔触来表现毛绒绒的玩具，用细腻的笔触来表现光滑的皮肤。我记得其中一个章节，教我们如何用“干笔触”来表现陶器的粗糙感，我当时就拿了一个素描本，尝试着用不同的力度和方向去涂抹，真的能感觉到那种粗糙的质感。这本书也提到了“肌理”的重要性，我以前只是听说过，但不知道该如何运用。作者通过一些案例，让我明白，通过笔触和颜色的叠加，可以在画面中创造出丰富的肌理，让画面更具表现力。我尝试着去画一束鲜花，我不再仅仅追求颜色上的准确，而是开始思考，花瓣的质感是什么样的？是光滑的，还是带有绒毛的？我用不同的笔触去表现，感觉整个画面都活了起来。

评分☆☆☆☆☆

这本书在处理“色彩的情感表达”方面，给我带来了很多启发。我以前觉得绘画就是模仿，就是把眼前的东西画出来。但是，这本书告诉我，色彩本身是有情感的，是可以传达情绪的。作者用“冷暖色”来表现不同的氛围，比如，冷色调可以营造宁静、忧郁的氛围，暖色调可以营造温暖、热烈的氛围。我记得书中有一个章节，是关于如何利用色彩来表现“孤独感”，作者用大面积的冷色调，搭配少量暗淡的暖色点缀，营造出一种孤寂而又充满希望的感觉。我尝试着去画一个雨天的窗户，我不再仅仅关注雨滴的形状，而是开始思考，雨天给我的感觉是什么？是忧郁？还是宁静？我用蓝灰色调来表现窗外的雨景，用一点点温暖的黄色来表现窗户内侧的光线，整个画面瞬间就有了故事感。这本书让我明白，绘画不仅仅是技巧的展示，更是情感的抒发。我以前的画，总是显得“死气沉沉”，读完这本书，我开始尝试着在色彩中注入情感，让我的画更有生命力。

评分☆☆☆☆☆

我一直对如何处理画面中的“体积感”感到困惑，总觉得我的静物画缺乏立体感，扁平的像一张纸。但是，这本书中的一些讲解，简直是给我打开了新世界的大门。作者在讲解“光影”的部分，不是简单地告诉你哪里有阴影，哪里有亮部，而是深入剖析了光线是如何作用于物体表面，又是如何产生不同的明暗变化。他用大量的图示，展示了同一个物体在不同光源下的表现，比如顶光、侧光、逆光等等，每一种光线都会带来完全不同的视觉效果。我最喜欢的是关于“边缘的虚实”的处理，我以前画东西，总是把轮廓线画得死死的，显得很不自然。而这本书告诉我，在实际观察中，物体的边缘并不是那么清晰锐利的，尤其是在光影交界处，边缘会根据光线的强弱和物体表面的材质产生虚实变化。作者甚至还讲解了如何运用“笔触”来表现这种虚实感，比如用干笔触来表现粗糙的物体表面，用湿润的笔触来表现光滑的表面。我按照书中的方法，去尝试画一个木质的盒子，我开始注意观察盒子的棱角处，在光线的照射下，并不是一道生硬的直线，而是会有一点点微妙的弧度，并且颜色也会有细微的变化。这些细节的处理，让我第一次体会到了，原来绘画的魅力就在于对这些细微之处的捕捉。

评分☆☆☆☆☆

这本书的讲解方式真的非常“人性化”。我特别喜欢它在讲解过程中，经常会穿插一些“小贴士”或者“注意事项”，这些零散的提示，往往能解决我画画过程中遇到的很多实际问题。比如，在讲解如何画出透明的玻璃杯时，作者会提醒我们要注意“反光”和“折射”，并且会给出一些具体的画法。我记得书中有一个关于“如何表现布料的褶皱”的章节，作者不仅仅是告诉我们如何画出褶皱的形状，还强调了要根据布料的材质和光源来调整褶皱的明暗关系。我尝试着去画一条丝巾，我不再是随意地画出一些弯曲的线条，而是开始观察丝巾在光线下的褶皱，哪里是受光面，哪里是背光面，以及褶皱的边缘是如何被光线勾勒出来的。这些细小的提示，就像是路边的指路牌，在我迷茫的时候，给我指明了方向。而且，这本书的语言风格非常轻松活泼，没有那种高高在上的说教感，读起来就像和一位经验丰富的画友在交流。

评分☆☆☆☆☆

这本书在“构图创新”方面，也给了我很多新的思路。我以前画静物，总是喜欢把东西摆得满满当当，画面显得很拥挤。但是，这本书鼓励我去尝试“留白”的艺术。作者通过一些成功的案例，让我明白，适当的留白，不仅可以让画面更有呼吸感，还能更好地突出主体。我记得其中有一个章节，是关于如何利用“负空间”来增强画面的表现力。我以前从来没有考虑过负空间，只觉得空白就是空白。但是，读了之后，我才意识到，空白的空间也可以成为画面的一部分，可以与主体形成有趣的对比和呼应。我尝试着去画一个简单的花瓶，我不再是把花瓶画得很大，而是让花瓶在画面中占据一个相对较小的位置，并且让周围留出大量的空白。这样一来，花瓶的形状和色彩反而显得更加突出，整个画面也显得更加简洁而有力。这本书让我明白，构图不仅仅是元素的排列组合，更是一种“意境”的营造。