伯里曼人体绘画教程(精编版)

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乔治·伯里曼 著
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出版社: 湖南美术出版社
ISBN:9787535676306
版次:1
商品编码:11962716
包装:平装
开本:16开
出版时间:2016-05-01
用纸:胶版纸
页数:384
正文语种:中文

具体描述

产品特色

编辑推荐

  1.原汁原味。根据伯里曼出版公司1920年第一版精编而成,数代美术爱好者人手一本。
  2.经典原图。1200余幅素描解剖图,人体绘画传世之作。
  3.世纪巨作。乔治·B·伯里曼执教纽约艺术学生联盟45年之心血巨作。
  4.优质悦读。精选优质手感特种纸,直面大师原作之既视感。180度全幅打开,给你大开眼界的悦读体验。
  5.大幅高清,方便临摹,方便使用。相比同类艺用解剖图书,具有绘画性强、应用性强、实用效果好的特点。

内容简介

  伯里曼先生的绘画方法影响深远,且独特。在本书中,他不仅全面论述了人体所有的骨骼和肌肉系统,并以前视图、后视图和侧视图等形式多方位地呈现。在每一部分,作者首先从身体的骨骼结构着手,然后是肌肉,并描述了身体运动时肌肉的变化,最后展示了身体各部分在运动状态下的形态。人体是一个由许多部分组成的精巧的复合体。
  本书将给学生和严谨的艺术家们带来人体结构的概念;并将展示骨骼和肌肉分别是如何影响我们的运动以及不同时间我们所表现出来的体态。本书中伯里曼先生用非技术性的方式阐明了如何去发现人类身体结构中具活力的力量,以及如何在绘画中更好地再现它们。他首先阐释了人体结构的运动,然后解释了描绘运动的人体轮廓时所遇到的实际问题,从简单的人体描绘和构造技法,到平衡、节奏、转动、扭曲以及嵌入等画法,再到组块之间更为复杂的分布、光影、凹凸、比例、运动关系,最后转入了对解剖学具体领域的说明。
  伯里曼人体绘画教程(精编版)通过1200余幅图片,伯里曼先生展示了他对人体结构与绘画的理解。书稿经过反复的推敲,仔细的编排,去除了部分重复的内容,强化了针对实用的部分,着力提升图书的视觉舒适性和内容实用性与结构的合理性。

作者简介

  乔治·伯里曼,全名称是乔治·勃兰特·伯里曼(GeorgeBrandtBridgman1865年-1943年),是加拿大裔美国画家和人体结构方面书籍的作者,并且也是一位教授解剖和绘图方面的老师。伯里曼在纽约大学艺术学院讲授解剖学大约有45年。


目录

1 人体描绘
6 比例
9 测量
10 如何测量
12 构建简易人体模型
18 活动的组块
20 榫接、穿过和固定
26 组块的分布
28 平衡
34 旋转或扭动
39 节奏
42 光与影
46 模型
49 头部
104 颈部
116 肩部
128 骨骼
142 胸部
162 上肢
208 下肢
268 手部
338 衣褶





前言/序言


《艺术家的灵感之源:形体与动态的奥秘》 这是一部深入探索人体艺术表现力的著作,旨在为渴望提升绘画技巧、捕捉生命律动的艺术家们提供一条清晰而详实的进阶之路。本书并非简单的技法堆砌,而是着重于引导读者理解人体这一复杂而优美的载体,从结构、比例、动态到光影,全方位地解锁其内在的视觉语言。 引言:人体——永恒的艺术主题 自古以来,人体便是艺术创作中最具吸引力、也最具挑战性的主题之一。它承载着生命的美学、力量的张扬、情感的流露,以及无尽的叙事可能。从米开朗琪罗的雕塑到雷诺阿的画作,无数大师都曾以人体为画布,抒发对生命的赞叹与哲思。然而,要真正驾驭这一主题,并赋予作品以灵魂,需要远超表面描摹的理解。本书的诞生,正是为了回应这一艺术探索的内在需求,为每一位致力于人体绘画的创作者,提供一套系统、深刻且富有启发的学习体系。我们相信,通过对人体艺术本质的探究,艺术家们不仅能掌握精湛的技法,更能触及艺术创作的深层智慧。 第一章:骨骼的骨架——支撑起生命的结构 任何有生命力的形体,都离不开其内在的骨骼支撑。本章将引导您穿越人体解剖学的宏伟殿堂,以艺术的视角审视骨骼的构成与连接。我们不会陷入枯燥的医学术语,而是聚焦于那些对绘画至关重要的骨骼结构:头骨的起伏与表情的关联,脊柱的曲线与身体的柔韧性,骨盆的稳定与站姿的基石,四肢骨骼的延伸与动作的可能性。您将学会如何理解肩胛骨的运动如何影响手臂的挥洒,膝关节的弯曲如何塑造腿部的动态,以及胸廓的起伏如何赋予生命气息。通过对骨骼的深入了解,您将能构建出坚实而富有逻辑的身体框架,为后续的形体塑造奠定牢不可破的基础。我们将通过大量图例,将抽象的骨骼结构转化为直观的绘画语言,让您看到骨骼如何成为身体动态的“指挥家”。 第二章:肌肉的起伏——赋予形体的生动张力 骨骼提供了框架,而肌肉则是赋予这个框架以生命力的关键。本章将引领您探索人体肌肉系统的美妙之处,理解肌肉的起伏、收缩与舒展如何共同编织出肢体的动态美感。我们将逐一剖析主要的肌群,如胸肌的饱满与力量,背肌的宽阔与支撑,腹肌的线条与腹部的挺拔,臀肌的圆润与动感,以及四肢肌肉群的协同作用。您将学习如何观察和表现肌肉在不同姿势下的变化,理解肌肉的块状感与体积感,以及它们如何相互叠加、交织,形成复杂的表面纹理。本书将强调肌肉的“作用力”,即肌肉如何因为骨骼的运动而发生变化,从而产生更加生动、自然的视觉效果。我们将引导您理解“收缩”与“拉伸”的肌肉表现,以及它们如何影响身体的整体形态和力量感。通过细致的观察和分析,您将能准确地捕捉到肌肉的每一次脉动,让笔下的形体充满了勃勃生机。 第三章:比例的和谐——人体之美的黄金法则 古希腊人早已发现了人体比例的和谐之美,并将其上升到艺术的至高境界。本章将深入探讨人体比例的奥秘,从经典的“头身比”到更为细致的局部比例关系。我们将学习如何运用测量和比较的方法,来判断和调整身体各部分的尺寸,确保整体的协调与均衡。您将了解到不同性别、年龄、体型的人体在比例上的微妙差异,以及如何根据这些差异来塑造个性化的角色。本书将不仅仅是教您死记硬背数据,更是引导您去感受比例所带来的视觉韵律,理解何种比例组合能够引发观者的舒适感与美感。我们将通过多种辅助线和构图方法,帮助您建立起对人体比例的直观感知,让您的作品在比例上达到令人赏心悦目的高度。 第四章:动态的语言——捕捉生命的瞬间 生命在于运动。本章将聚焦于人体动态的艺术表现,教您如何摆脱僵硬的静态描绘,将运动的激情与活力注入到画面之中。我们将从重心、平衡、节奏等角度来分析人体的运动状态,学习如何观察和表现身体在行走、奔跑、跳跃、扭转等不同动作中的动态特征。您将了解到“S”形曲线在表现柔美动态中的重要性,以及“反S”形曲线如何营造出力量感与冲突感。本书将强调“动作的预示”和“动作的结束”,让您的画面不仅仅停留在某个瞬间,而是蕴含着前后的连贯性与故事性。我们将通过大量动态速写和动作分析图,帮助您掌握捕捉和表现人体运动的精髓,让您的作品充满生命力,仿佛人物即将跃然纸上。 第五章:光影的魔术——塑造体积与空间的艺术 光影是塑造形体体积与空间感的重要手段。本章将为您揭示光影的艺术魔力,教您如何通过光线来雕刻出人体饱满的体积,以及如何利用阴影来营造出深邃的空间。您将学习不同光源方向对形体的影响,理解高光、亮部、灰部、暗部和反光的规律。本书将引导您关注光影在骨骼和肌肉结构上的变化,理解体积的转折点和阴影的边缘处理。我们将深入探讨不同材质(如皮肤、衣物)对光影反应的差异,以及如何通过微妙的光影变化来暗示人物的材质和质感。通过对光影的精妙运用,您的绘画作品将不再是平面的描绘,而是充满了三维的立体感和空间的呼吸感。 第六章:不同视角下的挑战——从不同角度观察人体 同一个体,在不同的视角下会呈现出截然不同的形态。本章将带领您挑战各种人体视角,从正面、侧面、背面到仰视、俯视等,全面掌握从不同角度描绘人体的技巧。您将学习如何根据视点的变化来调整身体的比例关系,理解透视原理在人体绘画中的应用。我们将重点分析不同视角下骨骼和肌肉的显露程度,以及光影的变化规律。本书将通过大量的透视图例和视角分析,帮助您建立起立体的空间思维,让您能够自信地应对任何角度的人体描绘,创作出更具视觉冲击力和空间深度的作品。 第七章:衣物的褶皱与塑形——形体与衣着的和谐统一 衣物是人体艺术家表达的另一层语言,它既能遮蔽,也能强调。本章将深入研究衣物褶皱的规律及其与人体形体的关系。您将学习如何观察和表现不同材质(丝绸、棉麻、毛料等)的褶皱特点,理解褶皱的形成是由于衣物受到人体运动、重力以及周围环境的影响。本书将强调衣物褶皱不仅仅是表面的纹理,更是塑造人体动态和体积的有力工具。您将学会如何通过褶皱来暗示身体的曲线、肌肉的起伏,甚至人物的情绪。我们将通过细致的图例分析,教您如何将衣物的褶皱巧妙地融入到整体的造型中,实现形体与衣着的和谐统一,让画面更具质感和层次感。 第八章:情绪的传递与表情的捕捉——人性的光辉 真正触动人心的艺术,往往源于对人性的深刻洞察。本章将聚焦于人体在表达情绪和刻画表情方面的艺术表现。您将学习如何通过面部肌肉的细微变化来传递喜怒哀乐,如何通过身体的姿态和肢体语言来解读人物的内心世界。我们将探讨眼神、嘴唇、眉毛等关键部位在表情塑造中的作用,以及身体姿态如何与面部表情相互呼应,共同构成完整的情感表达。本书将引导您从观察生活中的真实人物入手,去感受和理解情绪在人体上的痕迹。通过本章的学习,您的作品将不仅仅是外形的描摹,更能触及人物的灵魂,引发观者的共鸣。 结论:艺术的永恒追寻 人体艺术的探索是一场永无止境的旅程。本书所提供的知识与方法,仅仅是您通往更高艺术境界的起点。我们鼓励您在实践中不断地观察、思考、尝试,并将所学融会贯通,形成自己独特的艺术语言。愿本书成为您艺术道路上的一盏明灯,指引您在描绘人体这一古老而又充满生命力主题的道路上,不断前行,创造出更多令人赞叹的杰作。

用户评价

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这本《伯里曼人体绘画教程(精编版)》简直是我绘画生涯中的一座灯塔,照亮了我曾经迷茫的艺术之路。在此之前,我尝试过不少人体素描的书籍,但总感觉缺了点什么,要么过于理论化,要么细节讲解不够深入,以至于我画出来的人体总显得僵硬、缺乏生命力。直到我翻开伯里曼这本精编版,我才真正体会到什么叫做“拨云见日”。我尤其欣赏它对骨骼和肌肉结构详尽而又清晰的阐释。它不是简单地罗列出名称和形状,而是深入剖析了各个骨骼关节的连接方式,以及肌肉是如何附着在骨骼上,又是如何通过收缩和舒张来产生运动的。我记得其中有一章专门讲解了肩部和手臂的结构,作者用非常直观的方式,将复杂的肌肉群分解开来,一步步展示它们是如何协同工作的。我尝试着根据书中的指导,用简单的几何体去构建人体的基本形态,然后在这个基础上逐渐添加肌肉和骨骼的细节。这个过程让我豁然开朗,我终于明白了为什么我之前画的人体手臂会显得那么“不自然”,原来是因为我忽略了肱二头肌和肱三头肌在不同姿势下的相互作用以及它们与周围骨骼的关联。书中的插图更是功不可没,它们不是那种死板的解剖图,而是融入了绘画的视角,兼具科学性和艺术性,让人一看就懂,而且非常容易记住。我常常会在画的时候,反复翻阅书中的相关章节,每看一遍,都会有新的发现和领悟。这本书让我不仅仅是“看”懂了人体,更是“感觉”到了它,这对于我这个想要画出有灵魂、有动态的人体形象的绘画爱好者来说,是无比宝贵的财富。

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在我看来,《伯里曼人体绘画教程(精编版)》不仅仅是一本绘画教程,更像是一本“人体结构图鉴”,只不过它更加生动,更加富有艺术性。我之前也看过一些解剖学的书籍,但那些书的图谱太过于写实,而且缺乏绘画的视角,让我很难将其与绘画实践结合起来。而这本书,则将严谨的解剖学知识,与绘画的表现手法巧妙地融合在一起。我尤其喜欢书中对“骨骼”的讲解,它没有仅仅停留在骨骼的名称和形状上,而是详细地讲解了骨骼的“连接方式”和“运动机制”。我记得其中一个章节,专门讲解了脊柱的结构,作者用非常形象的比喻,将脊柱比作一串灵活的珠子,然后解释了脊柱是如何通过椎骨之间的关节来产生各种弯曲和转动的。这让我一下子就理解了为什么人物的身体会有S形曲线,为什么人物可以做出如此丰富的动作。而且,书中对“肌肉”的讲解,也并非简单的堆砌,而是侧重于肌肉的“形态”和“功能”,以及它们是如何在骨骼的基础上“叠加”和“包裹”的。这让我不再是机械地记忆肌肉的形状,而是能够理解肌肉是如何“塑造”人体外形的。这本书让我对人体产生了一种全新的认识,我感觉自己不再是“画”一个人体,而是“构建”一个人体,每一个线条,每一个形状,都蕴含着深刻的解剖学逻辑。

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作为一个对人物造型艺术有着浓厚兴趣的业余爱好者,我一直在寻找一本能够真正帮助我理解人体“比例”和“黄金分割”的绘画教程。《伯里曼人体绘画教程(精编版)》在这方面,给了我极大的启发。我一直觉得,人体绘画的难点之一,就在于掌握准确的比例,一旦比例失调,整个画面就会显得非常不协调。这本书,则用非常系统和科学的方法,讲解了人体各部分的比例关系。它不仅仅是告诉你“头长等于腿长的一半”之类的简单公式,而是深入地分析了人体各骨骼和关节的相对长度,以及它们是如何在不同的体型和姿态下产生微妙的变化。我尤其喜欢书中对“黄金分割”在人体绘画中的应用的讲解。作者通过大量的实例,展示了如何将黄金分割的原理融入到人物的构图和造型中,从而创造出更加和谐、更加具有艺术美感的人物形象。这让我意识到,人体绘画不仅仅是技术层面的描绘,更是一种对“美”的追求和对“秩序”的理解。我开始尝试着去运用书中讲到的比例法则和黄金分割,去观察和描绘身边的人,我发现,我画出来的人物,不仅比例更加准确,而且整体的协调性和美感也得到了极大的提升。这本书,让我真正理解了“比例之美”,并将其融入到了我的绘画实践中。

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我一直觉得,人体绘画最难的地方,就在于它的“生命力”和“真实感”。很多时候,我们画出来的人体,虽然结构大致正确,但总显得缺乏神韵,像一个没有生命的木偶。而《伯里曼人体绘画教程(精编版)》这本书,恰恰解决了我的这个痛点。它最让我惊喜的是,它没有过于强调那些繁琐的解剖学细节,而是将重点放在了如何通过“简化的形式”来捕捉人体的“本质”。书中大量的示范图,都展示了如何用简单的线条和形状来概括出人体的动态和体积。我记得其中一个章节,讲解了如何用“线条”来表现身体的起伏和肌肉的走向,而不是用大量的明暗来堆砌。这种“提炼”和“概括”的方法,让我一下子就找到了绘画的“捷径”。我尝试着运用书中讲到的“动作线”和“节奏线”,去捕捉人物的动态,我发现画面一下子就有了“呼吸感”,不再是僵硬的静态。而且,书中对“光影”的讲解,也非常的独到。它不是告诉你“哪里有光,哪里就有阴影”,而是告诉你光影是如何“塑造”形体的,是如何通过明暗关系来表现体积和空间感的。这让我不再是盲目地添加阴影,而是能够有意识地去运用光影来增强画面的表现力。这本书让我明白,好的绘画,并非在于细节的堆砌,而在于对“本质”的把握和对“生命”的捕捉。

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对于我这样,对人体解剖学一直充满好奇,但又苦于找不到合适的入门书籍的爱好者来说,《伯里曼人体绘画教程(精编版)》无疑是一份珍贵的礼物。我一直觉得,要画好人体,就必须先了解它。而这本书,恰恰满足了我对“了解”的需求。它不是那种简单地告诉你“这里画个圈,那里画条线”的教程,而是深入浅出地讲解了人体骨骼和肌肉的构造,以及它们是如何相互作用,形成我们看到的各种形态。我尤其喜欢书中对“骨骼标记点”的讲解,比如锁骨、肩峰、肘关节等,这些关键的骨骼点,就像是人体绘画的“坐标”,掌握了它们,就能更容易地把握人物的比例和动态。我常常会结合自己的身体,去感受这些骨骼标记点的位置,然后对照书中的插图,就会有一种“豁然开朗”的感觉。而且,书中对肌肉的讲解,也并非只是罗列名称,而是侧重于肌肉的形态和在不同运动状态下的变化。这让我不再是机械地“填入”肌肉,而是能够“理解”肌肉的生长和收缩,从而让画面更加生动和真实。这本书不仅仅是绘画的教程,更像是一本“人体艺术解剖学”的入门读物,它让我从一个新的角度去审视和理解我们自己的身体,并将其转化为艺术的语言。

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不得不承认,在遇到《伯里曼人体绘画教程(精编版)》之前,我对人体绘画,尤其是人体的“表情”和“情绪”的表达,一直感到非常困惑。很多时候,我画出的人物,虽然五官大致相似,但总显得“面无表情”,或者表情显得非常“生硬”,无法传达出人物的内心世界。这本书,却为我打开了一扇新的大门。它不仅仅关注人体的结构和动态,更深入地探讨了如何通过“面部肌肉”的细微变化来表现丰富的情感。我记得书中有一章节,专门讲解了眉毛、眼睛、嘴唇等部位的肌肉运动,以及它们是如何组合起来,形成喜怒哀乐等各种表情。作者用非常细致的图示,展示了不同表情下的肌肉收缩和舒张,以及这些变化如何影响面部轮廓。这让我一下子就明白了,为什么有时候,同样是微笑,会有真诚的微笑和虚假的微笑之分。而且,书中还结合了大量的“人物写生”和“范例分析”,让我能够更直观地看到这些表情在实际绘画中的运用。我开始尝试着去捕捉人物的面部表情,不仅仅是画出眼睛和嘴巴的形状,更是去理解它们背后的肌肉运动和情感传递。这本书让我觉得,绘画不仅仅是对外形的模仿,更是对“内在灵魂”的捕捉和表达。

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我 must say,这本书,《伯里曼人体绘画教程(精编版)》,简直是给像我这样,在人体绘画道路上挣扎了很久的“新手”们量身定做的。之前看过的很多书,要么就是各种帅哥美女的完美身材图,让我觉得遥不可及,要么就是一堆专业术语,看得我头晕眼花。但伯里曼这本书,真的不一样。它最让我感动的是,它完全站在一个初学者的角度,把那些复杂的东西,分解成一个个简单易懂的步骤。我记得有个地方讲到如何画手,手部对于我来说一直是噩梦,怎么画都显得不自然。但是这本书,它没有直接告诉你怎么画出线条,而是先告诉你手的骨骼结构,然后是主要的肌肉群,最后才告诉你如何根据这些结构去画出外形。这个过程,让我一下子就理解了为什么手会有不同的形状,为什么某些关节会弯曲。而且,书中大量的示范图,都非常清晰,每一笔都好像带着教学的意图,不像有些书,图很漂亮,但就是不知道怎么画出来的。我经常会对着书上的图,一点一点地去模仿,去理解。每次模仿完,我都觉得自己又进步了一点点。这本书让我觉得,人体绘画并没有我想象的那么难,只要找到对的方法,循序渐进,每个人都能画出自己满意的人体。它给我带来的,不仅仅是绘画技巧,更是一种自信。

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从我拿到这本《伯里曼人体绘画教程(精编版)》的那一刻起,我就知道,这是一本与众不同的书籍。市面上的很多教程,往往在初期就给了你过多的信息,让你应接不暇,而这本书,却像一位循循善诱的老师,一步一步地引导你走向人体绘画的殿堂。我尤其欣赏它对“透视”的讲解。很多时候,即使我们掌握了人体结构,但如果透视运用不当,画出来的人体依然会显得别扭。而伯里曼在这方面,有着非常系统的讲解。他从最基本的消失点、视平线开始,层层深入,讲解了如何将人体放置在不同的透视空间中,如何表现人物的远近关系和形体的扭曲。我记得书中有一个章节,讲解了如何画一个“仰视”的人物,作者详细地分析了头部、躯干、四肢在仰视角度下的透视变化,以及如何通过观察透视线来准确地把握形体。这个讲解让我茅塞顿开,我之前画仰视人物,总是画不好,感觉头太大了,身体又太小了,现在我终于明白了原因。而且,书中还提供了大量的练习范例,让我可以立即将学到的知识应用到实践中。这本书不仅仅是教授绘画技巧,更重要的是培养了我的“空间感知能力”,让我能够更好地理解和表现三维空间中的人体。

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购买《伯里曼人体绘画教程(精编版)》之前,我一直认为自己已经掌握了人体绘画的基础,毕竟也画了不少时间了。然而,当我翻开这本书,我才发现自己之前的认知是多么的片面。这本书最让我印象深刻的,是它对于“体块”的强调。很多人在画人体的时候,容易陷入细节的泥沼,导致画面缺乏整体感和体积感。而伯里曼则用非常清晰的方式,将人体分解成一个个基本的几何体块,比如圆柱、球体、方形等,然后在这个基础上,逐步添加人体特有的结构。我记得书中有一个章节,专门讲解如何用体块来构建人物的躯干,然后再将手臂、腿部等部位连接上去。这个方法让我眼前一亮,我尝试着按照书中的步骤去画,我发现这样画出来的身体,无论从哪个角度看,都显得非常扎实和有体积感,不再是之前那种“扁平”的感觉。而且,这种体块的运用,也为后续的肌肉和骨骼的添加打下了坚实的基础。在理解了体块之后,再去看书中的肌肉和骨骼讲解,就变得异常容易。我不再是死记硬背肌肉的名称和位置,而是能够理解它们是如何“包裹”在体块上的,以及它们是如何影响体块的形态的。这本书让我明白,绘画的本质是对于形体和体积的把握,而细节只是在此基础上的丰富和完善。我感觉自己的绘画能力得到了质的飞跃,从一个只会画“轮廓”的初学者,迈向了一个能够理解和塑造“实体”的阶段。

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老实说,我拿到这本《伯里曼人体绘画教程(精编版)》的时候,并没有抱太大的期望,毕竟市面上人体绘画的书籍实在太多了,大部分都大同小异,很难让我眼前一亮。然而,当我真正深入阅读之后,我才意识到自己是多么的“肤浅”。这本书最让我震撼的地方在于它所呈现的“结构化思维”。它不仅仅是教你如何“描绘”人体,更是教你如何“理解”人体。作者以一种近乎于解剖学的严谨态度,但又用绘画的语言来解释,使得那些原本枯燥的解剖学知识变得生动有趣,并且与绘画实践紧密结合。我尤其喜欢书中对“动态”的讲解。很多绘画教程往往只关注静态的人体姿势,但对于如何表现人物的动态感,却语焉不详。而伯里曼在这方面却有着独到的见解,他强调了重心、平衡以及各种关节在运动中的相互关系。我记得书中有讲到如何通过画出脊柱的S形曲线来表现人物的动态,以及如何根据脚部的受力点来推导出全身的重心走向。这些讲解让我茅塞顿开,我开始意识到,我之前画的“站立”的人物,其实只是“定格”,而这本书教我的是如何让画面“动起来”。我尝试着去画一些简单的动态人物,不再只是拘泥于表面的轮廓,而是去思考人物的内在力量和运动趋势。这个过程让我觉得绘画不再是简单的模仿,而是一种对生命运动的深刻理解和表达。这本书真的改变了我对人体绘画的认知,让我从一个“模仿者”逐渐变成了一个“思考者”。

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还可以还可以还可以还可以,作者嘿厉害

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很不错的,图像也非常清楚。我觉得非常的细腻。难得的好书。

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非常厚的一本,经典的书。分为五册,质量很好,就是内容有点少,图片很多。总体来说不错,好评。。。。。。

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很不错,这个是朋友推荐的,这次活动价买的炒鸡实惠,50一共五本

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很棒非常有帮助, 持续不断的练习必会有收获! 书品质很好 谢谢快递小哥!

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还没拆封,看评价还是不错的,哈哈哈

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帮同学买的,用券很实惠

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京东做活动减300减100买的。看图,图就是评价。

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京东的购物体验非常棒!

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