打击乐（中国鼓）/中国音乐学院校外音乐考级全国通用教材 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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王以东 著

图书标签:

• 打击乐
• 中国鼓
• 中国音乐学院
• 音乐考级
• 教材
• 民族乐器
• 音乐教学
• 艺术教育
• 乐器演奏
• 中国音乐

出版社： 中国青年出版社

ISBN：9787500657453

版次：1

商品编码：12193186

包装：平装

丛书名： 中国音乐学院校外音乐考级全国通用教材

开本：16开

出版时间：2004-04-01

用纸：胶版纸

页数：163

字数：220000

正文语种：中文

内容简介

　　在各类业余音乐考级中，打击乐器的考级越来越受到人们的重视与欢迎。在打击乐专业所要求掌握的乐器中，将其中的任何一种乐器用来参加考级都是切实可行的。中国鼓考级教材的出版，相信在不久的将来，会有越来越多的打击乐考级教材相继问世，为众多的打击乐爱好者提供丰富、全面和系统的考级教材，同时为丰富群众性的业余文化生活以及提高国民综合素质尽一份微薄之力。

内页插图

目录

前言
考级与教材的说明
大堂鼓、小堂鼓演奏要领
排鼓演奏要领

第一级
一、基本练习
1．音符识别与基础节奏练习
2．基本功练习（每日必练）
二、练习曲
练习曲1
练习曲2
练习曲3
练习曲4
练习曲5《凤阳花鼓》
练习曲6《山丹丹花开红艳艳》

第二级
一、基本练习
1．基础节奏练习
2．基本功练习（每日必练）
二、练习曲
练习曲1
练习曲2《在希望的田野上》
练习曲3《凯旋进行曲》
练习曲4《解放区的天》
练习曲5《军民大生产》
练习曲6《荡秋千》

第三级
一、基本练习
1．基础节奏练习
2．基本功练习（每日必练）
二、练习曲
练习曲1《拥军秧歌》
练习曲2《五寸刀舞》（小堂鼓）
练习曲3
练习曲4《八月桂花遍地开》
练习曲5《窗花舞》

第四级
一、基本练习
1．基础节奏练习
2．基础节拍、节奏小结（一）
3．基本功练习（每日必练）
二、练习曲
练习曲1《地道战》
练习曲2《翻身道情》（小堂鼓）
练习曲3《卡门序曲》
练习曲4
练习曲5

第五级
一、基本练习
1．重音练习
2．基本功练习（每日必练）
3．两个鼓（排鼓）的基本练习
4．两个鼓（排鼓）的节奏练习
二、练习曲
练习曲1
练习曲2
练习曲3《喜讯到边寨》（两个排鼓）
练习曲4《春节序曲》（大、小堂鼓）
练习曲5《晚会》（大、小堂鼓）
三、民间锣鼓
1．《吆、二、三》（大、小堂鼓）
2．《喜庆锣鼓》
……

第六级
第七级
第八级
第九级

音乐的律动与心灵的共鸣：精选西方管弦乐、钢琴独奏及室内乐作品赏析 本书特色与内容概述 本书旨在为音乐爱好者、专业学习者以及对西方经典音乐充满好奇的读者，提供一个全面、深入且富有趣味的导览，探索自巴洛克时期至今，西方管弦乐、钢琴独奏及室内乐领域中最具代表性和影响力的一批作品。我们摒弃了生硬的学术术语堆砌，致力于以清晰、生动的语言，结合历史背景、作曲家生平、作品结构分析以及听赏技巧，带领读者走进音乐的殿堂，感受其内在的逻辑与外在的感染力。 全书共分为三大核心板块，每一板块都精心选取了不同历史时期、不同体裁下奠定西方音乐基石的作品进行剖析。 --- 第一部分：管弦乐的恢弘叙事——从协奏曲到交响诗的演变 管弦乐是西方古典音乐中最宏大、最能体现时代精神的体裁之一。本部分将聚焦于管弦乐队编制的完善与音乐表现力的拓展，特别是协奏曲和交响曲的发展脉络。 一、巴洛克至古典时期的协奏曲典范： 我们首先从巴赫的《勃兰登堡协奏曲》切入，探讨复调音乐中“独奏”与“合奏”的精妙对话，分析其协奏曲（Concerto Grosso）的结构特点。随后，我们将步入古典主义的黄金时代，重点剖析莫扎特和贝多芬的钢琴协奏曲。 莫扎特钢琴协奏曲的“对话性”： 以降E大调（K. 271）或C小调（K. 466）为例，解析莫扎特如何将管弦乐队提升到与独奏乐器平等的地位，实现歌唱性的旋律与精巧的技巧展示的完美结合。分析其奏鸣曲式结构中呈示部、再现部中乐队与独奏者的角色互换与呼应。 贝多芬的英雄气概与个性解放： 深入解读《c小调第一钢琴协奏曲》的激昂与《降E大调“皇帝”协奏曲》的磅礴气势。探讨贝多芬如何突破传统协奏曲的藩篱，赋予独奏乐器以英雄主义的色彩和近乎交响性的表现力，尤其关注华彩乐段在贝多芬手中如何从炫技工具演变为内心独白的场所。 二、浪漫主义的交响诗与交响曲的革新： 浪漫主义时期，作曲家们渴望用音乐描绘文学、历史、自然或哲学思想。本节将重点考察“标题音乐”的兴起与交响曲的结构重塑。 柏辽兹与李斯特的创新： 详细解读柏辽兹的《幻想交响曲》，分析其“主导动机”（Idée fixe）在音乐叙事中的功能，以及他如何运用前所未有的配器手法来刻画情感的波澜与梦魇般的场景。继而探讨李斯特如何通过交响诗（如《前奏曲》）确立单乐章、多段体结构，实现音乐对文学主题的直接阐释。 勃拉姆斯与德沃夏克的“回归”与“发展”： 考察勃拉姆斯如何在继承贝多芬古典结构的同时，注入深沉的德奥民族情感与复杂的对位技巧。对比德沃夏克《新世界交响曲》中对民间旋律的运用，分析民族主义在管弦乐中的体现及其与欧洲主流风格的张力。 三、二十世纪的色彩与实验： 本部分关注管弦乐配器技法的革命性突破，特别是印象主义和现代主义的影响。 德彪西的音色绘画： 以《牧神午后前奏曲》和《大海》为例，分析德彪西如何摒弃传统和声进行，转而追求音色的斑斓和光影的流动，探讨其对“全音阶”和“五声音阶”的创造性运用。 斯特拉文斯基的节奏冲击： 解析《春之祭》的结构与和声语言，重点分析其打破常规的复节奏、多重调性以及配器的原始力量，理解其如何彻底改变了西方音乐的审美方向。 --- 第二部分：钢琴的独白与炫技——键盘音乐的艺术精粹 钢琴作为西方音乐中表现力最为丰富的独奏乐器之一，其独奏作品贯穿了从赋格到印象派的多个重要阶段。 一、巴赫的严谨与赋格精神： 深入学习巴赫《平均律键盘曲集》中的前奏曲与赋格，解析复调音乐的精髓。探讨“平均律”的调性体系对后世音乐的决定性影响，以及如何从织体中辨识出清晰的主题呈示、展开与再现。 二、古典时期的奏鸣曲结构： 重点研习海顿与莫扎特的钢琴奏鸣曲，理解奏鸣曲式在这一时期的成熟。分析海顿奏鸣曲中蕴含的幽默感（Humor）和结构上的巧妙布局，以及莫扎特奏鸣曲中那份精致的平衡与歌唱性。 三、浪漫主义钢琴的抒情性与技巧巅峰： 本节是钢琴作品的重中之重，聚焦于肖邦、李斯特、舒曼等作曲家的创作。 肖邦的“诗意”与“民族性”： 详尽分析玛祖卡、波兰舞曲、夜曲和叙事曲。例如，在夜曲中，如何捕捉旋律的咏叹调特质与左手琶音的伴奏织体之间的关系。在叙事曲中，如何理解其史诗般的戏剧张力与技巧难度的融合。 李斯特的“钢琴上的交响乐”： 探讨李斯特如何通过翻奏改编曲（如《爱之梦》）和原创作品（如《钟》），将钢琴的音域、踏板和力度推向极限，实现对乐队效果的模拟。 舒曼的内心世界： 深入解析《狂欢节》或《幻想曲》，关注舒曼如何通过人物侧写（如弗洛雷斯坦与欧塞比乌斯）来展现其复杂的内心矛盾，以及运用“变奏”和“交织”手法来构建音乐的心理深度。 四、印象派与现代钢琴技巧的拓展： 考察德彪西的《前奏曲集》和拉威尔的钢琴作品，分析他们如何使用不协和音程、复杂的节奏型以及对“踏板”的精妙运用，来描绘微妙的光影变化和瞬间的听觉感受。 --- 第三部分：室内乐的亲密对话——弦乐四重奏与钢琴三重奏的艺术 室内乐是考验作曲家和演奏家之间默契与平衡感的艺术形式。本部分聚焦于对位严谨、情感细腻的室内乐体裁。 一、弦乐四重奏的“古典宣言”： 海顿——弦乐四重奏之父： 解析海顿如何确立了第一小提琴为主导、中提琴与大提琴提供稳固基础的结构范式。探讨其后期作品中（如“皇帝”四重奏）的对位趣味与幽默处理。 贝多芬的“精神对话”： 重点分析其晚期弦乐四重奏（如《大赋格》），理解这些作品如何超越当时的音乐语言，成为对位法和情感探索的巅峰之作。分析奏鸣曲式在四件乐器间的复杂交织与张力。 二、浪漫主义的色彩与歌唱性： 考察勃拉姆斯的弦乐四重奏或钢琴五重奏，分析他如何将管弦乐的饱满度和厚重感融入到有限的乐器编制中，并大量使用德奥民间旋律的痕迹。 三、室内乐的“钢琴领衔”： 专注于钢琴三重奏的典范作品，如门德尔松或德沃夏克的钢琴三重奏。分析在三件乐器中，如何保持音量、音色和动机的有机统一，避免钢琴过于强势而压倒弦乐。特别关注奏鸣曲式在三重奏中的平衡处理。 --- 学习方法与目标 本书的结构设计旨在引导读者进行主动式的“深度聆听”。每章后附有针对该体裁和时代作品的“聆听焦点”提示，鼓励读者在聆听具体录音时，注意识别我们分析的结构要点、色彩变化和动机发展。通过对这些西方音乐巨匠的深入研究，读者不仅能提高音乐鉴赏能力，更能体会到音乐作为人类共通情感载体的强大生命力。本书力求成为连接历史知识与现场体验的桥梁。

评分☆☆☆☆☆

我最近刚开始系统学习中国鼓，市面上那些五花八门的教材看得我眼花缭乱，很多要么过于理论化，充斥着我看不懂的术语，要么就是练习曲目太简单，几周就练完了，后续找不到衔接的内容。直到我拿到这本教材，感觉就像找到了一个可靠的向导。它不像传统教材那样冰冷，更像是一位循序渐进的师傅在手把手教你。我特别喜欢它对基础功的深度挖掘，比如对于“实音”和“虚音”的区分，不仅仅是概念上的解释，而是通过一系列精心设计的练习小品来让你真正用“手感”去体会这种区别。更让我惊喜的是，它没有完全局限于传统的敲击方法，还适当地引入了一些现代的演奏技巧和乐理知识，但这些新知点的融入非常巧妙，是建立在扎实的传统功底之上的，完全不会显得突兀或者本末倒置。读着读着，我感觉自己对中国鼓的理解不再是单纯的“敲打”，而是对声音、节奏和文化内涵有了更深层次的体悟，这套教材真正做到了“教人以渔”，培养我们举一反三的能力。

评分☆☆☆☆☆

从教学工具的角度来看，这套教材的设计理念非常现代化，它充分考虑到了当前音乐教育评估体系的需求，尤其是“考级”这个明确的目标导向。教材结构与现行考级大纲的对应关系做得非常紧密，让人心中有数，知道每学完一个阶段，自己在哪个方面得到了提升，哪些能力已经达到了评委的要求。它提供的不仅仅是曲谱，更像是一份完整的“能力自测报告”。此外，在一些高难度的技巧环节，教材还贴心地提供了“替代性练习方案”，这对于某些身体条件或技术基础暂时跟不上进度的学习者来说，是一个很好的缓冲和过渡，避免了因挫败感而放弃学习。这种兼顾“高标准”与“普适性”的平衡拿捏，体现了编者深厚的教育智慧和对广大音乐爱好者的深切关怀。它真正做到了让学习路径清晰可见，每一步都有迹可循，极大地增强了学习的信心和持续性。

评分☆☆☆☆☆

作为一个已经学习过一些基础乐器的旁观者，我对这本教材在“音乐性”上的强调印象深刻。很多打击乐教材过于侧重机械性的节奏训练，导致弹奏出来的音乐听起来干巴巴的，缺乏灵魂。但这本书似乎深谙此道，它非常注重对“力度”和“速度变化”的细致描绘。在乐谱上，那些密密麻麻的强弱记号和渐强渐弱的处理，绝不是摆设，而是引导你如何塑造音乐形象的关键。通过遵循这些标记进行练习，我发现自己对“音乐的呼吸感”有了初步的认识——鼓点不再是平铺直叙的，而是可以抑扬顿挫，可以讲述故事的。它鼓励学习者在严格遵循节奏规范的前提下，去注入个人的情感表达，这对于培养一个真正的音乐家至关重要。我甚至觉得，即使不用于考级，单凭这些曲目的艺术性和演奏指导的深度，它也完全可以作为一部优秀的中国打击乐演奏技巧参考书来珍藏。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计很扎实，封面和封底的用料都透着一股专业感，不是那种拿起来就觉得要散架的廉价教材。内页的纸张选择也挺讲究，在光线下阅读时，既不会反光得让人头晕，也不会因为太暗淡而费眼，这对于长时间练习乐谱的我们来说，简直是福音。我尤其欣赏它在版式布局上的用心，曲目的排布逻辑清晰流畅，从基础的节奏型到复杂的复节奏练习，过渡得非常自然，不至于让初学者感到无从下手，也不会让进阶者觉得内容重复乏味。尤其是那些配图，线条清晰，动作要领标注得十分到位，即使没有老师在旁边实时指导，我对着图示也能大致领会到手型和击打位置的细微差别，这对于自学或者课后巩固练习的帮助太大了。而且，整本书的字体选用也考虑到了阅读的舒适度，主次分明，重点信息（比如速度标记、力度记号）加粗或使用不同字号，让人一目了然，极大地提高了看谱的效率。总而言之，从硬件到软件的每一个细节，都能感受到编者对使用者体验的尊重和对音乐教育的严谨态度。

评分☆☆☆☆☆

说实话，这本教材在曲目的选择上展现了极高的专业水准和广阔的视野。我发现它并非简单地罗列了一些耳熟能详的传统曲目，而是经过了精心的筛选和改编，使其更适合作为考级和系统学习的阶梯教材。它巧妙地将不同流派、不同地域的鼓技融入到各个级别的练习中，这意味着学习者可以接触到中国鼓艺术的丰富多样性，而不是被局限在某一种风格里。比如，在某一章节，我能体会到北方鼓的雄浑力量感，而在下一章，又接触到了南方鼓细腻婉转的节奏变化。这种跨地域、跨风格的融合，让学习过程充满了探索的乐趣。而且，每一首曲子后面，通常都会附有针对性的技术难点解析，指出这首曲子主要考察的是哪方面的能力，比如手腕的控制、爆发力的瞬间释放，或是对复杂切分音的处理。这种明确的学习目标设定，让我的练习不再是漫无目的的重复，而是带着明确的目的去攻克难点，效率自然提升了好几个档次。