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[美] 马克·盖特雷恩，[英] 安娜贝尔·霍华德 著，肖舒芸 译

图书标签:

• 艺术
• 梦想
• 绘画
• 设计
• 创意
• 灵感
• 成长
• 励志
• 艺术教育
• 手绘

出版社： 中国摄影出版社

ISBN：9787517907091

版次：1

商品编码：12308343

包装：平装

丛书名： 梦想家系列

开本：16开

出版时间：2018-02-01

用纸：胶版纸

页数：316

字数：450000

编辑推荐

　　◆75位艺术先锋，他们的生活、思想和作品既影响着艺术的历史。
　　◆视觉化的时间轴让艺术家的伟大成就和历史背景一目了然。
　　◆深入浅出，从新颖的角度解读艺术史，启迪更多的艺术梦想家。

内容简介

　　本书集合了 75 位为 20 世纪艺术史奠定基调和方向的艺术家，他们中有世纪开局之年涌现的革命性热血艺术家，也有世纪末年获众人推崇的创作者。本书依照他们的出生日期依次排序，通过这些艺术家的生活、作品和语录探寻他们亲手打造的这个世纪。

作者简介

　　马克·盖特雷恩是《生活的艺术》（Living with Art）一书的作者，这本介绍艺术的畅销书目前已出至第 10 版。作为一名作者和项目编辑，他在艺术和文学领域创作出了许多具有开创性意义的艺术类和文学类教材，其中包括《艺术史》（Art History）和《非洲艺术史》。

　　安娜贝尔·霍华德（Annabel Howard）在牛津大学基督教会学院（Christ Church）取得艺术史学士学位，随后在东安格利亚大学（Uni-versity?of?East?Anglia）取得传记写作硕士学位。她在英国和意大利的博物馆中负责教学并举办讲座活动，同时也是《格拉斯》（Glass）、《旁观者》（The Spectator）和《怀特评论》（The White Review）等杂志的撰稿人。

内页插图

目录

浮光掠影：探寻历史长河中的流变与沉思 一部横跨千年、聚焦于文明交汇与思想演进的恢弘著作。 本书并非聚焦于个体创造的荣耀，而是深入历史的肌理，考察那些塑造了人类社会结构、价值体系和知识范式的关键转折点。它以宏大的叙事视角，将目光投向那些宏伟的文明遗址、晦涩的典籍碎片以及被遗忘的社会运动，试图描绘出一幅关于“人类群体性心智”如何形成与演变的长卷。 第一章：文明的曙光与早期秩序的建立 本章追溯了早期农耕社会向复杂聚落过渡的艰难历程。我们详细分析了美索不达米亚、尼罗河谷及印度河流域文明的早期政治哲学。重点不在于描绘某位英明君主的功绩，而是探讨“权力中心”概念是如何从部落首领演变为抽象的、被神圣化的国家机器。 我们审视了汉谟拉比法典背后的社会契约的雏形，以及古埃及宗教宇宙观对社会稳定的作用机制。书中引入了最新的考古发现，结合人类学视角，探讨了早期文字系统的出现如何首次实现了对“时间”和“空间”的精确控制，并为后世的官僚体系奠定了技术基础。我们特别关注了早期灌溉系统和水利工程的管理模式，揭示了这些技术需求如何直接催生了早期的等级制度和知识垄断。 第二章：轴心时代的精神觉醒与形而上学的诞生 本书的第二部分将焦点转向公元前数百年，即卡尔·雅斯贝尔斯所称的“轴心时代”。然而，我们拓展了这一概念的地域范围，不仅涵盖了希腊的苏格拉底、印度的释迦牟尼、中国的孔子，还将目光投向了波斯琐罗亚斯德教义的传播，以及中美洲奥尔梅克文明中祭司阶层的崛起。 重点讨论的是：在不同的地理和政治环境下，人类社会是如何不约而同地开始探寻超越物质世界的“终极意义”的？我们对比了亚里士多德的逻辑体系与早期佛教的缘起论在认知结构上的异同，探讨了这些哲学体系如何开始系统性地指导政治伦理和个人道德实践。书中着重分析了这些“普世性”思想在传播过程中，如何被地方性的权力结构所吸收、改造乃至扭曲，为后续帝国统治提供了强大的意识形态支撑。 第三章：帝国构建的工程学：行政、法律与基础设施的韧性 本章深入剖析了罗马、汉朝等大型帝国得以维系数百年乃至上千年的“操作手册”。这并非赞美其军事力量，而是侧重于其行政管理的精妙。 我们细致考察了罗马的道路网络如何不仅仅是军事运输线，更是信息和法律辐射的载体。汉代郡县制的精细化管理，其税务、户籍登记的系统性，为后世的中央集权国家提供了无可替代的蓝本。书中引入了经济史学的观点，分析了帝国货币体系的波动如何影响边疆稳定，以及公共工程（如长城、运河）背后的资源调配逻辑和对社会劳动的组织能力。我们通过对地方志和碑文的解读，还原了帝国官僚体系在面对瘟疫、饥荒时的反应机制和效率瓶颈。 第四章：知识的断裂与重构：中世纪的知识保存与知识权的转移 本书的第四部分探讨了古典文明衰落后，知识的载体如何从世俗精英手中转移到宗教机构。我们详述了拜占庭和伊斯兰世界在“黑暗时代”所扮演的知识“中转站”角色，对亚里士多德和欧几里得的文本在阿拉伯世界中的保存、注释与最终回归西方的历程进行了细致的梳理。 我们挑战了传统上对中世纪的“停滞”的简单描述，而是强调了修道院作为早期“研究机构”的功能，以及大学（如博洛尼亚和巴黎）的建立如何标志着知识生产开始向一个半自治的专业群体集中。这一章节关注的是“知识如何被编码、被验证、被授权”的机构性变革。 第五章：印刷术与认知的“大爆炸”：信息传播的革命性冲击 古腾堡印刷术的发明，被认为是现代世界开启的关键一步。本章不再仅仅讨论书籍产量的增加，而是聚焦于信息传播模式的根本性转变对社会结构产生的深远影响。 信息获取的去中心化，如何削弱了教会和王室对“真理”的垄断？我们分析了宗教改革运动中，小册子和单页传单如何以前所未有的速度动员了大众情绪。同时，我们也探讨了早期科学革命中，学者们如何利用印刷网络构建起第一个跨国界的“科学共同体”，以及这种新的知识共享模式如何加速了经验主义和实验方法的普及。书中特别对比了东方和西方的印刷术发展路径，以凸显技术扩散的社会文化制约因素。 第六章：启蒙的阴影与现代民族国家的形成 最后一部分将目光投向18世纪的启蒙运动。我们批判性地审视了“理性”与“自由”这些概念是如何被建构和推广的。我们分析了卢梭、孟德斯鸠等思想家如何试图为一个全新的政治实体——民族国家——寻找合法性基础。 本章的重点在于探讨“国民身份”的构建过程：通过普及教育、官方历史叙事、以及统一的法律体系，社会是如何被塑造成一个具有共同情感和政治忠诚的“想象的共同体”。最后，本书以工业革命对社会分工和城市化的影响作结，指出技术的进步、知识的普及与政治形态的演变，共同编织了我们今日所处的复杂现代性的底色。全书旨在提供一个关于人类如何从部落聚集到全球互联的，关于制度、思想和技术相互作用的宏大史诗。

评分☆☆☆☆☆

这本书真正的高光时刻，体现在它对“社群与孤独的平衡”这一现代艺术家核心困境的探讨上。作者清晰地阐述了一个悖论：创作的内核是极其孤独的内省行为，但艺术的生命力却依赖于有效的外部连接与对话。他没有给出“你应该加入哪个画廊”或者“你应该刷多少社交媒体”这种庸俗的建议，而是深入剖析了如何建立一种“有质量的孤立”。他描述了建立一个“精神避难所”的重要性——一个在物理空间上可以很小，但在精神上能抵御外界噪音的区域。这种论述非常务实，尤其是在今天这个信息爆炸、注意力被无限瓜分的时代，如何保护自己的“认知带宽”以供深度思考，是比任何技巧都重要的生存法则。书中提到了一种“选择性失聪”的修炼，即有意识地屏蔽掉那些与你核心创作目标无关的赞美与批评，只保留那些真正能推动你前进的、即便刺耳的反馈。这本书像是一位高明的“精神工程师”，它提供的不是现成的蓝图，而是让你自己去设计和建造心灵堡垒的工具箱，其洞察力之深远，让我对未来几年的创作路径都重新进行了审视和规划。

评分☆☆☆☆☆

坦率地说，我一开始对这类书籍是持怀疑态度的，总觉得它们无非是收集了一些名家的励志语录，然后用一些华丽的辞藻包装一下。然而，这本书彻底颠覆了我的看法。它最成功的地方在于，它敢于直面艺术创作中那些最黑暗、最不光彩的角落——比如嫉妒、自我怀疑的黑洞，以及面对市场化诱惑时的挣扎。作者并未试图掩盖这些“负面情绪”，而是将它们视为创作过程中不可或缺的“催化剂”。他用一种近乎哲学的视角去审视“被拒绝的价值”，探讨了为什么真正有生命力的作品往往是在被主流市场冷遇之后才得以沉淀和爆发。其中关于“身份认同的流动性”那一章尤为震撼，它挑战了我们对“我是谁的艺术家”的固定标签，鼓励读者拥抱自己的多重可能性，今天可以是抽象表现主义者，明天也可以是极简主义的追随者，关键在于过程的探索，而非最终标签的固定。这种对身份焦虑的松绑，为我带来了巨大的心理释放。它不仅仅是一本关于艺术创作的书，更像是一部关于如何构建独立精神世界的行动纲领，它推崇的是一种坚韧不拔的、具有自我修正能力的内心构造。

评分☆☆☆☆☆

这本书简直是为所有内心深处渴望创造却又迷茫于如何开始的人量身定做的指南。它的叙事方式非常独特，没有那种高高在上的说教感，反而像是一位经验丰富的老朋友，坐在你对面，用最真诚、最接地气的方式，一点点剥开你对“艺术”这个宏大概念的恐惧和误解。我特别喜欢其中关于“日常观察力培养”的那一部分，作者没有鼓吹什么高深的理论，而是提供了一系列简单到令人惊讶的练习，比如如何用十分钟时间去观察并记录一个路边的行人、一片落叶的纹理，或者咖啡馆里光影的变化。这种微观的视角，让我瞬间领悟到，灵感从来不是从天而降的闪电，而是渗透在生活每一个细枝末节里的点滴积累。书里穿插了许多作者自己的失败经历和那些看似平庸却最终孕育出伟大作品的“低谷期”，这极大地抚慰了我——那些觉得自己不够天才、总是半途而废的挫败感，在这本书里得到了完全的理解和接纳。它教会我的不是如何画出完美的线条，而是如何与自己的不完美共处，并从中提炼出独一无二的“个人声音”。这本书更像是一场马拉松的开跑仪式，它给了你跑下去的理由和正确的热身方法，而不是直接把你扔到终点线上让你假装已经成功。读完后，我立刻丢下了那些陈旧的模仿品，开始真正用自己的眼睛去看世界，那种豁然开朗的感觉，是任何技巧课程都无法比拟的。

评分☆☆☆☆☆

这本作品的文字功底扎实得令人咋舌，它在探讨创作的“形而上”层面时，笔触却异常的细腻和具有画面感。我印象最深的是对“意图与媒介的辩证关系”的深入剖析。作者显然对材料的物理特性有着近乎偏执的迷恋，他没有停留在“油画颜料”和“数字软件”这种表层的区分上，而是深入挖掘了不同材料如何影响创作者的思维定势和最终的情感表达。比如，他描述粘土的触感如何迫使思考放慢节奏，转而关注体积和重力，与水彩笔触的瞬间性和不可逆转性形成了鲜明的对比。这种对“物质性”的尊重，让整本书的论述摆脱了空谈，变得有血有肉。阅读过程中，我常常需要停下来，合上书，回味那些描述，比如他对“光线如何在粗糙的画布表面捕捉不到的微小颗粒”的精准描摹，仿佛能透过文字闻到颜料混合的气味。对于那些已经有一定基础，却感觉自己陷入瓶颈的创作者来说，这本书提供了一种全新的“重新校准”工具。它不是教你如何“做得更好”，而是引导你去思考“为什么要做”，以及“用什么去做才是最诚实的”。它的结构编排也极具匠心，章节之间的跳跃看似随机，实则暗含了作者对创作心流的模拟，每一次翻页，都像是一次意识流的切换，充满了惊喜和挑战。

评分☆☆☆☆☆

从排版和装帧设计来看，这本书本身就是一件精心制作的“准艺术品”。它没有采用那种常见的、让人望而生畏的学术黑白风格，而是大量使用了温暖的、略带复古感的米黄色纸张，配以手写体的引文和一些非传统的留白处理。这种视觉上的亲和力，极大地降低了阅读的门槛。更巧妙的是，书中穿插了一些“未完成的草图”和“被裁切的局部照片”，这些“残缺”的视觉元素，恰恰呼应了书中关于“不完美是真实性的标志”的主题。我特别欣赏作者在引用他人作品时的处理方式，他很少直接展示完整的名作，而是选择那些被忽略的、边缘化的创作片段，并配以自己独到的解读。这种“以小见大”的解读策略，迫使读者必须调动自己的想象力，去填补空白，从而将阅读行为转化成一种主动的“再创造”过程。对于注重阅读体验和审美享受的读者而言，这本书在物质形态上就已经完成了一次成功的艺术体验。它让人感觉，捧读这本书的过程，本身就是一种对“慢艺术”的致敬。