漫画小小钢琴演奏家—音乐的风格 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

彼得·克拉吉奥 著，彼得·克拉吉奥 编，乔恩·J·穆拉卡米 绘，刘媞媞 译

图书标签:

• 漫画
• 音乐
• 钢琴
• 儿童
• 少儿
• 艺术
• 教育
• 启蒙
• 音乐风格
• 绘画

出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787552308525

版次：1

商品编码：12393966

包装：平装

开本：16

出版时间：2015-12-01

用纸：胶版纸

编辑推荐

美国当红漫画家和音乐教育家联合创作，国内钢琴教育一线教师倾情译著、生动、爆笑的音乐漫画来袭！

内容简介

《漫画小小钢琴演奏家》是引进自美国秋思出版公司的一套音乐漫画，主要面向学习钢琴演奏的青少年儿童创作。整个系列共包含5本图书，分别从音乐风格、踏板使用、表情处理、音乐术语和演奏技法方面对孩子的钢琴学习和演奏进行了全方位指导。本书作者彼得·克拉吉奥不但是音乐教育理论研究领域的学者，更是一名活跃在国际钢琴演奏舞台上的钢琴家，他毕业于茱莉亚音乐学院，在古典音乐和当代音乐的演奏上都极具个性，因此他在漫画中对音乐知识的讲解都十分实际、形象、贴切和易于理解，不带任何"学究气"；漫画作者乔恩·J.穆拉卡米对于当代很多热衷于现代动漫文化的青少年甚至大儿童──琴童家长们来说都不是一个陌生的名字，全球各大动漫展上都不乏诞生于他笔下的卡通形象，他对文字情节独特的爆笑式表达方式在当代受到了许多漫画迷的喜爱。

《漫画小小钢琴演奏家》可以说为幼儿钢琴教学课堂的教学模式提供了一种新的思路。对于以提高综合音乐素养为学习目标的琴童而言，书中对音乐风格、音乐情绪、音乐体裁等知识的讲解可以使学生综合了解音符和钢琴背后真正的历史和艺术；对于以考级为阶段性目标或短期目标的琴童而言，本系列漫画一方面对有效的练习方法给出了详细、实用的建议，另一方面对上台演奏前的全方位准备也进行了详尽说明。整体上来看，本系列漫画既可以作为一种课外扩展阅读材料，也可以作为对课堂指导的补充说明，甚至还可以用作为音乐综合类课程的教学大纲，单独开设音乐艺术阅读课程。

内页插图

目录

深入探索音乐的广阔宇宙：一部关于古典乐派与浪漫主义交织的音乐史诗 书名：《乐章的流变：从巴洛克晚期到浪漫主义巅峰的音乐风格演进》 内容简介： 本书旨在为所有对西方古典音乐发展脉络抱有浓厚兴趣的读者，提供一份详尽而富有洞察力的导览。我们不聚焦于某一种特定乐器的技巧学习，而是将视野投向了宏大的历史背景之下，音乐语言和审美观念如何经历翻天覆地的变革。这是一场跨越两百余年，从巴洛克晚期的严谨结构到浪漫主义后期情感喷薄的史诗之旅。 我们将从约翰·塞巴斯蒂安·巴赫与乔治·弗里德里希·亨德尔的时代切入，深入剖析对位法（Counterpoint）的精妙运用如何构建起那个时代音乐的骨架。巴洛克时期的音乐，以其装饰的繁复、清晰的声部独立性以及对“狂想”（Affekt）理论的严格遵循，构筑了一个秩序井然的音乐宇宙。我们会细致考察赋格曲（Fugue）的结构逻辑，探究协奏曲（Concerto Grosso）中多声部之间的张力与平衡。我们不仅会梳理其核心作曲家的生平与代表作，更重要的是，将着重分析这种风格如何反映了启蒙运动初期对理性、清晰和普适性原则的追求。 随后，本书将笔锋转向音乐史上一次至关重要的转型——从巴洛克向古典主义的过渡。海顿与莫扎特，这两位“维也纳古典乐派”的奠基者，如何将巴洛克的复杂性简化，转而追求旋律的清晰度、乐句的平衡性以及清晰的呈示部、发展部与再现部的“奏鸣曲式”结构。我们将深入解析奏鸣曲式（Sonata Form）的内在驱动力，探究交响曲（Symphony）和弦乐四重奏（String Quartet）如何在这一时期成为音乐表达的主流形式。对位法逐渐退居二线，取而代之的是主调音乐（Homophony）的辉煌，旋律线条的歌唱性和清晰的和声进行成为时代的主旋律。我们也会讨论这一时期钢琴（Fortepiano）作为新兴乐器的崛起，如何影响了键盘音乐的创作倾向。 然而，音乐的河流从不停滞。当古典主义的完美形式达到顶峰时，一股对个人情感、主观体验和超越性体验的渴望开始酝酿。本书的重心将大量篇幅投入到浪漫主义（Romanticism）的浩瀚领域。贝多芬，作为连接古典与浪漫的桥梁，其晚期作品中蕴含的挣扎、英雄主义和对既有规则的突破，为后来的浪漫主义者开辟了道路。 浪漫主义不仅仅是一种风格的更迭，它更是一种世界观的转变。作曲家们不再满足于描绘客观的、普适的美，而是将音乐视为表达内心世界、深层情感、乃至哲学思考的载体。我们将细致考察以下几个关键发展： 一、情感的极端化与主题的拓展： 探讨李斯特（Liszt）对“交响诗”（Symphonic Poem）的革新，以及瓦格纳（Wagner）如何通过“主导动机”（Leitmotif）系统，将音乐、戏剧与哲学融为一体，模糊了歌剧与音乐会的界限。 二、民族主义的兴起： 俄罗斯的“五人强力集团”、捷克的德沃夏克与斯美塔那，如何从民间音乐、民族史诗和本土传说中汲取灵感，用音乐为民族精神发声，这标志着音乐地域性的觉醒。 三、小型体裁的繁荣与钢琴的黄金时代： 肖邦（Chopin）的夜曲（Nocturne）、圆舞曲（Waltz）和叙事曲（Ballade）如何将钢琴这种乐器推向了前所未有的情感表达极限。舒曼（Schumann）对“林中景物”（Waldszenen）和“狂欢节”中碎片化叙事的偏爱，展示了文学对音乐的深刻影响。 四、和声语言的深化与探索： 随着调性中心的松动，半音阶（Chromaticism）的使用日益频繁。布拉姆斯（Brahms）对古典结构的继承与对浪漫色彩的融合，以及马勒（Mahler）交响乐中对极致规模与深刻内省的追求，预示着调性音乐即将触及的边界。 本书的分析方法强调“语境化”，即任何音乐风格的出现，都与其所处的社会、政治和哲学环境密不可分。我们不仅会分析乐谱上的音符，更会探讨“为什么”在那个特定的历史时刻，作曲家们选择了特定的和声语言和结构布局。读者在阅读过程中，将能够建立起一个清晰的“风格链条”，理解从对位法的精确到主导动机的自由之间的内在逻辑联系。 本书适合音乐专业的学生、资深的古典音乐爱好者，以及任何渴望超越单纯欣赏层面，深入理解音乐作品背后历史驱动力的读者。通过对这几个世纪音乐巨匠的作品进行深入的风格剖析，《乐章的流变》旨在为读者打开一扇通往音乐艺术深层结构的大门。

评分☆☆☆☆☆

这本书真的太出乎我意料了！我本来以为它会是一本纯粹的乐理讲解，但没想到它竟然能用这么生动有趣的方式来阐述音乐风格。开篇就用了一个非常形象的比喻，把不同的音乐风格比作不同的人物，一下子就把我抓住了。读着读着，我仿佛看到贝多芬在挥洒激昂的交响乐，莫扎特在轻盈地跳着宫廷舞曲，而肖邦则在指尖流淌出忧伤的夜曲。书中没有那种枯燥的术语堆砌，而是通过大量的实例，比如不同时代的作品片段，甚至是一些我从未听过的作曲家的作品，来一点点地揭示风格的形成和演变。我尤其喜欢它对“巴洛克风格”的解读，不仅仅是简单的和声进行和对位技巧，还深入剖析了当时的历史背景、社会风貌，甚至宗教影响，让我明白了为什么巴洛克音乐会是那样一种宏大、华丽、充满动感的风格。它不是孤立存在的，而是与整个时代息息相关的。读完这一部分，我再听巴洛克时期的作品，感觉完全不一样了，更能体会到其中的情感和力量。而且，书中还穿插了一些关于乐器发展的介绍，让我对不同乐器的音色特性和它们在不同音乐风格中的作用有了更深的理解。比如，我一直觉得管风琴的声音很震撼，但书里解释了它在中世纪宗教音乐中的重要地位，以及在巴洛克时期如何被用来创造出那种史诗般的氛围，简直让我醍醐灌顶。这本书让我感觉自己像是在穿越时空，亲历音乐的演变过程，真是太奇妙了！

评分☆☆☆☆☆

老实说，我一开始对这本书的期望值并不高，想着可能就是一本给初学者的入门读物，讲讲古典、爵士、摇滚这些大方向。但它给我带来的惊喜绝对是巨大的！它没有停留在“这是古典”、“那是爵士”的表面，而是非常深入地探讨了“为什么”和“如何”形成这些风格。比如，书中在讲到“浪漫主义音乐”时，不仅仅是提到了情感的表达和旋律的自由，还花了相当大的篇幅来分析当时社会思潮对音乐家的影响。我想到了那些追求个人自由、反抗压迫的时代背景，难怪那个时期的音乐会如此充满激情和戏剧性。作者引用了很多具体的乐曲片段，并且非常细致地解读了这些片段是如何体现浪漫主义特征的。我印象最深刻的是关于“印象派音乐”的讲解，它把音乐和绘画的印象派联系起来，用“光影”、“色彩”来形容音乐的听感，真是太有想象力了！我以前听德彪西的曲子，总觉得有一种朦胧的美感，但这本书让我明白了这种美感是怎么来的，比如它对和弦色彩的运用，对节奏的模糊处理，都像是在用声音作画，捕捉稍纵即逝的瞬间。而且，书中还很巧妙地把中国传统音乐的某些风格也纳入了讨论范围，虽然篇幅不多，但让我看到了不同文化背景下的音乐是如何相互借鉴和影响的，也让我对我们自己的音乐有了新的认识。这本书的叙述方式非常有逻辑性，一步步引导读者去思考，去感受，而不是简单地灌输知识。

评分☆☆☆☆☆

这本书的独特之处在于，它不仅仅是关于音乐风格的介绍，更像是一场关于“音乐是什么”的哲学探讨。它并没有试图给“风格”下一个僵硬的定义，而是通过一种非常开放和包容的方式，展现了音乐风格的多元性和流动性。我尤其欣赏它对“现代音乐”的解读，它没有像很多书籍那样把现代音乐简单地归类为“难听”或“实验性”，而是用一种非常耐心和细致的态度，去分析现代音乐家是如何打破传统束缚，探索新的可能性。书中提到了一些我之前从未接触过的音乐流派，比如序列音乐、偶然音乐，甚至是一些电子音乐的早期形式。一开始听这些音乐，我确实觉得有点难以接受，但书中作者的引导让我慢慢进入了状况。它解释了这些音乐是如何从技术、哲学、甚至社会变革中诞生的，以及它们所要表达的深层含义。让我印象深刻的是关于“爵士乐”的讨论，它不仅仅是讲述了爵士乐的起源和发展，还深入分析了即兴演奏在爵士乐中的核心地位，以及它所代表的自由、创造和个体表达的精神。作者用了很多生动的例子，描述了爵士乐乐手们在演奏时那种默契的交流和即时的创作，仿佛是听一场活生生的音乐对话。这本书让我认识到，音乐风格是没有绝对的好坏之分的，只有是否适合某种表达方式，以及是否能引起听者的共鸣。它拓宽了我的音乐视野，也让我更加尊重和理解那些勇于创新和探索的音乐家。

评分☆☆☆☆☆

拿到这本书的时候，我并没有预设它会给我带来多大的启发，甚至觉得“音乐风格”这个话题可能有点陈旧。但读完之后，我发现自己对音乐的理解上升了一个新的维度！它不是简单地罗列风格名称，而是深入到每一种风格背后的精神内核和文化基因。我尤其赞赏它在探讨“摇滚乐”时，所展现出的那种批判性和反叛精神，不仅仅是停留在音乐的表面，还触及了摇滚乐作为一种社会现象，是如何反映和挑战当时的社会规范的。书中分析了摇滚乐的起源，从布鲁斯、乡村音乐的融合，到披头士、滚石乐队的崛起，再到朋克、金属等分支的演变，每一个时期都充满了故事和变革。它还很详细地解释了摇滚乐在乐器编排、节奏处理、歌词创作等方面是如何与众不同的，以及这些特点如何共同塑造了摇滚乐那种充满力量和个性的声音。我印象特别深刻的是，书中将“流行音乐”与“古典音乐”进行了巧妙的对比，它没有贬低流行音乐，而是分析了流行音乐是如何通过技术、市场和大众文化的力量，迅速传播和影响社会的，同时也指出了它与追求深刻内涵和艺术性的古典音乐在目标和表达方式上的差异。这本书让我意识到，音乐风格是一个不断变化和发展的过程，每一种风格都有其存在的理由和价值，都值得我们去探索和理解。它让我不再是简单地听音乐，而是学会了去“听懂”音乐。

评分☆☆☆☆☆

我必须承认，这本书的封面设计和书名《漫画小小钢琴演奏家—音乐的风格》让我以为它是一本给小孩子看的漫画书，没想到内容竟然如此深刻和丰富！它以一种非常“接地气”的方式，将复杂的音乐风格概念变得通俗易懂，甚至可以说是生动有趣。我特别喜欢它在讲解不同风格时，引入的那些“小故事”和“小插曲”。比如，在讲到“古典主义时期”时，书中描绘了那个时代社会阶层的划分，以及音乐在贵族沙龙中的地位，这让我明白了为什么那个时期的音乐会如此注重形式感和优雅。它还通过一些生动的漫画插图，形象地展示了不同乐器的特点，以及它们在不同音乐风格中的“角色”。我印象最深刻的是关于“民间音乐”和“民族音乐”的讨论，它没有将它们视为“低级”的音乐，而是强调了它们作为一种文化载体的价值，以及它们是如何影响和滋养主流音乐的。书中分析了不同国家和地区民间音乐的旋律、节奏和音阶特点，让我第一次意识到，原来我们习以为常的很多音乐元素，都源自于那些古老的民间歌谣和舞蹈。它还举例说明了，很多伟大的作曲家，比如贝多芬、巴托克，都从民间音乐中汲取了灵感，创作出了不朽的杰作。这本书的语言风格非常轻松活泼，读起来一点也不费力，但知识点却非常扎实。