熊飞说素描风景-名师课堂 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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熊飞 著

图书标签:

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• 熊飞
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店铺： 北京图书大厦旗舰店

出版社： 湖北美术出版社

ISBN：9787539496374

商品编码：29564687491

出版时间：2018-05-01

基本信息

商品名称： 熊飞说素描风景-名师课堂	出版社： 湖北美术出版社	出版时间：2018-05-01
作者：熊飞	译者：	开本： 8开
定价： 78.00	页数：	印次： 1
ISBN号：9787539496375	商品类型：图书	版次： 1

漫步于光影的诗篇：中国山水画的千年意境 一卷丹青，万千气象。 本书旨在深入探寻中国山水画——这一植根于中华五千年文明土壤的独特艺术门类——的审美内核、技法精髓及其深厚的哲学内涵。我们并非聚焦于具体的绘画步骤教学，而是力求构建一座通往古代文人精神世界的桥梁，让读者得以领略“可行、可望、可游、可居”的立体空间感，理解“以形写神”的艺术追求。 第一部：群山之魂——山水画的哲学根基与美学溯源 山水画，在中国艺术体系中，绝非简单的风景写生，它承载了中国传统文化中“天人合一”的宇宙观。本部分将从源头追溯，剖析道家思想（如“道法自然”、“虚实相生”）与儒家情怀（如“立德、立言、立功”后的隐逸情结）如何共同塑造了山水画的精神气质。 1. 从“画山水”到“言志”：萌芽与确立 探讨魏晋南北朝时期，宗炳提出的“卧游”思想，以及顾恺之对“气韵生动”的初步阐释。这不是对自然景物的机械模仿，而是借山水之形，寄托个人情操与抱负的开端。我们将分析早期山水画在壁画和扇面上的早期形态，及其作为独立画科的艰难起步。 2. 唐代的壮丽与初变：气势磅礴的时代印记 唐代是中国封建社会的鼎盛时期，山水画也呈现出恢弘的气象。重点剖析李思训、李昭道的“青绿山水”的富丽堂皇，体现了宫廷审美的华贵；随后，我们将深入探讨王维对水墨的开创性贡献，如何将禅宗的空寂与淡泊引入笔端，完成了从“着色山水”到“水墨山水”的关键转折点。王维的实践，标志着山水画正式确立了其抒情言志的审美取向。 3. 五代十国的恢弘格局：巨碑式的写实与意境的融合 这一时期是山水画技法成熟的关键阶段。我们将详细解读荆浩、关仝的北方山水，其“斧劈皴”所展现的北方山脉的雄强与险峻；以及董源、巨然开创的江南“披麻皴”，所描绘的温润、平缓的“可行”之景。这不仅是地域风格的差异，更是对不同自然形态的深刻体悟。重点分析“尺幅千里”的构图法则，以及如何通过高远、平远、深远三种经典视点，将无限的自然纳入有限的画幅之中。 第二部：笔墨的语言——传统山水画的技法精要与文人情怀 山水画的魅力，很大程度上建立在笔墨自身的表现力之上。本部分将超越具体的“如何画”，转向“为何如此画”，探究笔墨在不同层面上所蕴含的意义。 1. “笔墨当随时代”：皴法的演变与精神象征 皴法，是塑造山石肌理、表现地域特征的核心手段。我们将系统梳理中国山水画中主要的皴法体系： 披麻皴、乱麻皴： 表现江南岩石的松动与湿润感。 斧劈皴、荷叶皴： 勾勒北方山石的坚硬与力量。 折带皴、牛毛皴： 表现不同层次的岩层结构。 每一笔皴擦，都是对自然形态的抽象概括和情感注入，是画家“胸中有丘壑”的体现。 2. 水墨的韵律：墨色的层次与“计白当黑”的智慧 水墨，是山水画的灵魂。探讨墨分五色（焦、浓、重、淡、清）的运用，如何通过水分的控制，创造出烟岚的迷蒙、云雾的流动和山体的厚重感。特别聚焦于“计白当黑”的留白艺术，这不是空间的遗漏，而是有意识地创造“气”与“虚”，是传统哲学中“有”与“无”辩证关系的视觉化表达。留白之处，即是观者想象力驰骋之地。 3. 树法与点苔：点景中的生命力 树木和点苔，是山水画的点睛之笔。分析“折枝法”、“点叶法”等树法，如古树的虬枝如何体现“遒劲”，新枝的嫩叶如何体现“生机”。点苔则不仅是增加画面的肌理，更重要的是为山石增添湿润感和生长的气息，是画家对自然生命力的细微观察与提炼。 第三部：宋元的转折——学院派的精微与文人的自娱 宋代，山水画发展达到一个高峰，其精细入微的观察和严谨的结构奠定了后世山水画的典范。元代，则迎来了一次重大的思想转向。 1. 北宋的集大成：全景式构图与“格物致知” 详述范宽的《溪山行旅图》，如何以其“雨后复 ঝুঁ坐”的观察方式，创造出高耸入云、气势摄人的全景式山水。分析郭熙的“论画”理论，特别是“可行、可望、可游、可居”的美学标准，它将山水画的欣赏，从纯粹的视觉体验，提升至一种可以融入其中的生活理想。我们还会探讨李唐、刘松年的“院体”画风，对细节的精准捕捉。 2. 元四家的“士气”：从师古到抒写胸臆 元代，文人阶层对山水画的定义进行了颠覆性的改造。重点剖析黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙四家的艺术主张。他们将绘画视为“胸中逸气”的宣泄，不再苛求对自然景物的精确描摹，而是强调“以书入画”，用书法的笔法来表现山石树木，形成了注重笔墨情趣和个人性情的“文人画”主流。倪瓒的“疏简”，王蒙的“郁茂”，共同构成了元代山水画的精神双峰。 第四部：明清的融汇与探索——地域风格的再创造 明清两代，山水画在继承前人精髓的基础上，不断探索新的表现形式，形成了流派纷呈的局面。 1. 吴门画派的雅致与文气 以沈周、文徵明为代表的吴门画派，继承了元代文人画的衣钵，但更注重线条的温润和意境的典雅。分析他们如何将笔墨的笔法提升到近乎于书法的独立地位，使画作更具文人书房案头的审美价值。 2. 浙派的力健与晚明的新变 探讨以戴进、吴伟为代表的浙派，其画风继承了宋院体遗风，笔法雄劲、气势奔放，代表了对雄浑气势的再次强调。随后，我们将简要提及晚明董其昌提出的“南北宗论”，这一理论对后世中国画的发展产生了深远影响，它将山水画的精神脉络进行了系统化的梳理与定位。 3. 清代的传承与革新：金陵与四王 清初，以“四王”（王时敏、王鉴、王翚、王原祁）为代表的摹古派，将对前代经典的“集大成”推向极致，他们通过对传统笔墨的系统性学习与融汇，构建了一个庞大而精密的学院体系。同时，探讨石涛等“渐江”画家的反叛精神，他们倡导“我自发抒”，在继承中寻求个性解放，为清代山水画注入了新的活力。 结语：永恒的“游心” 中国山水画，是古人对世界秩序和个人精神安顿的终极解答。它不是关于“看”风景，而是关于“成为”风景的一部分。本书期望引导读者，在对传统山水画技法、历史与哲学的深入了解后，能够以一种更为开阔、更富诗意的眼光，重新审视我们身边的山川河流，体会那份“咫尺之内再造乾坤”的东方艺术奇迹。

评分☆☆☆☆☆

最近在考虑是否要系统地学习一下素描，因为我一直觉得自己的观察力不够敏锐，抓不住事物的本质。偶然看到一本介绍素描的书，它里面的图片色彩搭配异常丰富，而且对人物的描绘极其生动，特别是眼睛的部分，简直炯炯有神。我对绘画一直有浓厚的兴趣，但总觉得自己动手能力不够强，画出来的东西总是差强人意。这本书让我眼前一亮，它没有上来就讲复杂的理论，而是从最基础的线条练习开始，循序渐进，而且有很多有趣的练习方法，比如让你去观察身边的小物件，然后尝试用不同的线条去描绘它们。我最喜欢的是书中关于“形体塑造”的讲解，作者用非常形象的比喻，把复杂的形体分解成简单的几何体，然后再一步步地还原成真实的物体，这种方法让我茅塞顿开，觉得画画原来可以这么有逻辑性。而且，书中的范例选择也非常贴近生活，很多都是我们日常生活中常见的景物，这让我觉得学习起来更有亲切感，也更有成就感，很期待能跟着这本书，慢慢提升自己的绘画能力。

评分☆☆☆☆☆

作为一个已经摸索素描多年，却始终停留在“能画出来”但“不好看”阶段的爱好者，我一直在寻找能真正提升我画面表现力的指导。市面上很多素描教程，要么过于枯燥，要么内容重复，要么就是针对性不强，看完后总感觉隔靴搔痒。这本书的出现，可以说是给我带来了一缕曙光。它的讲解方式非常独特，不是那种干巴巴的理论灌输，而是通过大量的范例和细节的剖析，让读者在潜移默化中领悟到精髓。我特别欣赏作者对“光”的理解和运用，他不仅仅是告诉我们如何画出明暗，更强调光线是如何塑造物体形态、营造空间感以及烘托气氛的。书中有不少关于不同天气、不同时间的光影表现的案例，比如清晨柔和的阳光如何洒在山坡上，傍晚夕阳下的剪影又是如何形成的，这些都给了我全新的启发。我一直以为素描只能画出黑白灰，但这本书让我看到了素描的无限可能，原来简单的线条和明暗，也能传递出如此丰富的情感和氛围。我现在非常有信心，通过这本书的学习，我能突破瓶颈，让我的素描作品更具生命力和感染力。

评分☆☆☆☆☆

我是一名美术院校的学生，在学习过程中，对于风景素描一直有些力不从心。虽然老师讲了很多理论，但实际操作起来总感觉抓不住重点，画出来的东西总是显得平面化，缺少那种空间感和质感。在一次偶然的机会，我接触到了这本书，当时就被它细腻的笔触和精湛的写实功力所吸引。翻开之后，我发现作者的讲解非常深入，他不仅讲解了基本的构图和透视原理，更重要的是，他分享了如何去观察和理解自然界中复杂的形体和光影变化。尤其让我印象深刻的是，书中对不同材质的表现方法有详细的阐述，比如如何通过线条的粗细、疏密以及明暗的过渡来表现岩石的坚硬、树叶的柔软，以及水面的波光粼粼。这些细节的处理，是很多入门书籍所忽略的，但恰恰是决定作品成败的关键。作者还强调了“意境”的重要性，他认为风景素描不仅仅是写实，更要融入个人的情感和理解，用画面去表达自己对自然的感受。这种从“技”到“道”的升华，让我受益匪浅，也让我对未来的学习方向有了更清晰的认识。

评分☆☆☆☆☆

作为一名业余爱好者，我一直梦想着能用画笔描绘出我眼中所见的壮丽山河。然而，现实却是，我的素描作品总是显得单薄、缺乏层次，无法真实地展现景物的立体感和空间感。在一次偶然的机会，我翻阅了这本书，我被书中展现出的令人惊叹的画面所深深吸引。它不仅仅是简单地展示了精美的素描作品，更重要的是，作者以一种极其专业且富有启发性的方式，剖析了风景素描的创作过程。我非常欣赏他对光影的处理，他能敏锐地捕捉到自然光线在不同物体表面的微妙变化，并通过精准的明暗对比，赋予画面以生命力。书中对于不同景物的质感表现，也令我叹为观止，无论是巍峨的山峦，还是潺潺的流水，亦或是茂密的森林，都被他刻画得栩栩如生。作者在讲解中，还穿插了许多关于构图和视角选择的独到见解，让我意识到，一幅好的风景素描，不仅需要扎实的绘画技巧，更需要作者对景物的深入理解和独特的审美视角。这本书为我打开了一扇新的大门，让我看到了风景素描的无限可能性，也让我对未来的创作充满了期待。

评分☆☆☆☆☆

最近迷上了户外写生，总想着能把眼前的美景捕捉下来，但我的素描功底实在不敢恭维，画出来的东西总是缺乏生气，线条僵硬，明暗关系也一团糟。朋友推荐我看看一些素描入门的书籍，我抱着试试看的心态，随便翻了几本。说实话，很多书都讲得过于理论化，看得我云里雾里，完全不知道从何下手。直到我偶然看到这本书，它的封面设计很吸引我，色彩搭配也很舒服，就随手拿起来翻了翻。里面的插图给我留下了深刻的印象，那些风景画的层次感和光影效果处理得太棒了，简直就像把真实的山水搬到了纸上。而且，作者的讲解风格非常通俗易懂，他没有一开始就抛出很多复杂的术语，而是从最基础的线条、明暗开始，一步一步地引导读者去理解。我尤其喜欢他关于如何观察景物的讲解，他说要“用心去感受光影的流动，用眼睛去捕捉大自然的色彩”，这句话一下子就点醒了我，让我觉得画画不仅仅是技巧，更是一种与自然对话的方式。我迫不及待地想尝试书中的练习，希望能通过这本书，让我的素描水平更上一层楼，真正画出属于自己的风景。