中外音乐简史及名作赏析(附光盘全国高等院校教师教育专业音乐教材) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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田明俊 编

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出版社： 上海音乐

ISBN：9787552303247

商品编码：29748192120

开本：16

出版时间：2013-11-01

基本信息

• 商品名称：中外音乐简史及名作赏析(附光盘全国高等院校教师教育专业音乐教材)
• 作者：编者:田明俊
• 定价：80
• 出版社：上海音乐
• ISBN号：9787552303247

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2013-11-01
• 印刷时间：2018-03-01
• 版次：1
• 印次：6
• 开本：16开
• 包装：平装
• 页数：226

目录

编写说明
上编 中国部分
**单元 中国古代音乐文化与名作赏析
一、中国古代音乐文化概述
(一)远古、夏商时期音乐
(二)西周、春秋、战国时期音乐
(三)秦汉至南北朝时期音乐
(四)隋唐时期音乐
(五)宋元时期音乐
(六)明清时期音乐
二、名作赏析
(一)歌曲类
1．《胡笳十八拍》(古代歌曲)
2．《阳关三叠》(古代歌曲)
3．《扬州慢》(古代歌曲)
(二)器乐类
1．《流水》(古琴曲)
2．《广陵散》(古琴曲)
3．《梅花三弄》(古琴曲)
4．《十面埋伏》(琵琶曲)
(三)戏曲音乐类
1．《捉放曹》(京剧选段)
2．《花木兰羞答答施礼拜上》(豫剧选段)
(四)说唱音乐类
1．《丑末寅初》(京韵大鼓)
2．《情探·梨花落》(苏州弹词)
第二单元 中国近现代音乐文化与名作赏析
一、中国近现代音乐文化概述
(一)以学堂乐歌为中心的启蒙阶段
(二)传统音乐的发展与专业音乐的建立阶段
(三)以救亡歌咏运动为中心的全面提高阶段
二、名作赏析
(一)歌曲类
1．《问》(易韦斋词、萧友梅曲)
2．《教我如何不想他》(刘半农词、赵元任曲)
3．《玫瑰三愿》(龙七词、黄自曲)
4．《松花江上》(张寒晖词曲)
5．《游击队歌》(贺绿汀词曲)
6．《延安颂》(莫耶词、郑律成曲)
7．《黄河大合唱》(光未然词、冼星海曲)
(二)器乐类
1．《百鸟朝凤》(唢呐曲)
2．《喜相逢》(笛子曲)
3．《二泉映月》(二胡曲，华彦钧曲)
4．《渔舟唱晚》(筝曲)
5．《春江花月夜》(民乐合奏曲)
6．《将军令》(吹打乐)
7．《雨打芭蕉》(广东音乐)
8．《金蛇狂舞》(民乐合奏曲，聂耳编曲)
9．《牧童短笛》(钢琴曲，贺绿汀曲)

音乐的脉动：世界与中国音乐的恢弘画卷 （本书旨在为音乐爱好者、初学者以及对音乐史有系统学习需求的读者，提供一个清晰、全面且富有趣味性的音乐发展历程概览，而非聚焦于特定教材或课程的配套读物。） --- 第一部分：西方音乐的千年回响 第一章：源起与萌芽——中世纪的圣歌与世俗之声 (约公元500年 – 1400年) 本章深入探讨了西方音乐的摇篮时期。我们将追溯古希腊音乐理论对早期基督教音乐的深刻影响，并详细解析格里高利圣咏（Gregorian Chant）如何确立了西方音乐的早期规范。重点关注单音音乐（Monophony）的结构与功能，以及随着教堂仪式复杂化而催生的早期复调（Organum）的诞生与发展。同时，我们不会忽视同时期在法国南部和西班牙地区兴起的游吟诗人（Troubadour）和游唱诗人（Trouvère）的世俗音乐，这些歌曲以爱情、骑士精神为主题，展现了音乐在贵族阶层中的生命力。本章将清晰勾勒出记谱法（从纽姆到五线谱的演变）对音乐传播的革命性意义。 第二章：文艺复兴的和谐觉醒 (约1400年 – 1600年) 文艺复兴时期，以人文主义思潮为核心，音乐开始挣脱神权的束缚，转向对人类情感和自然美的表达。本章将聚焦于“第二度音响革命”——弗兰德斯乐派（如雅各布斯·彭斯泰斯、若斯坎·德普雷）如何将模仿手法推向成熟，建立起精妙的复调织体。我们将细致分析弥撒曲、经文歌的结构演变，并探讨宗教改革与反宗教改革（如帕莱斯特里那的音乐）对教会音乐产生的冲击。此外，世俗音乐领域的代表——法国香颂（Chanson）和意大利牧歌（Madrigal）将作为研究重点，揭示音乐如何更直接地贴合文本的情感内涵。 第三章：巴洛克的辉煌与激情 (约1600年 – 1750年) 巴洛克时期是西方音乐史上的一个爆炸性阶段。本章首先解析“巴洛克风格”的本质特征，包括数字低音（Basso Continuo）的运用、情感的戏剧性表达（Affektenlehre）以及对对比手法的偏爱。我们将系统梳理歌剧（Opera）的诞生与发展，从蒙特威尔第的早期作品到亨德尔宏大的清唱剧。协奏曲（Concerto）和奏鸣曲（Sonata）等器乐形式的规范化过程将被详细阐述。最后，本章将以巴赫和亨德尔这两位巨匠的巅峰之作为案例，深入分析赋格（Fugue）的逻辑之美与对位法的极致运用。 第四章：古典主义的优雅与理性 (约1750年 – 1820年) 古典主义音乐标志着对巴洛克复杂性的反思，追求清晰、平衡、和谐的理想结构。本章核心内容集中于奏鸣曲式（Sonata Form）的最终确立及其在交响曲（Symphony）、室内乐和协奏曲中的核心地位。我们将追踪海顿“交响曲之父”的角色，莫扎特在歌剧和协奏曲创作上的天才表现，以及贝多芬如何作为承前启后的关键人物，将古典的严谨逐步推向浪漫的激情前沿。维也纳古典乐派的室内乐，尤其是弦乐四重奏的成熟，将作为衡量这一时期室内艺术高度的标尺。 第五章：浪漫主义的自由与个性 (约1820年 – 1910年) 浪漫主义是个人情感、想象力与民族精神的全面释放。本章探讨了音乐家如何突破古典框架，追求“无限”与“崇高”。我们将分析舒伯特艺术歌曲（Lied）对诗歌的深刻诠释，肖邦对钢琴音乐的革新，以及李斯特对交响诗（Symphonic Poem）这一新型标题音乐的开创。德彪西、瓦格纳等人在和声、配器和曲式上的大胆探索将被作为重点案例。同时，民族乐派（如俄国五人组、斯美塔那）如何从民间音乐和本国历史中汲取灵感，构建独特的声音形象，也将得到充分的论述。 第六章：二十世纪至今的多元探索 (约1900年至今) 本章聚焦于西方音乐的激进转型期。我们将解析印象主义（如德彪西）如何模糊音色与界限，以及表现主义（如勋伯格）对调性体系的彻底颠覆——无调性音乐与十二音体系的诞生。斯特拉文斯基的节奏革命，以及巴托克等人在民族主义与现代技法结合上的努力，将被一一剖析。随后，我们会概述序列音乐、偶然音乐（如约翰·凯奇）、极简主义（如菲利普·格拉斯）以及电子音乐的兴起，展现战后音乐语汇的极端多样化和对传统听觉经验的挑战。 --- 第二部分：中国音乐的深厚底蕴 第七章：上古之声与礼乐文明 (先秦至汉代) 本章溯源中国音乐的哲学基础。我们将探讨“礼”与“乐”在中国古代政治伦理中的核心地位，分析《诗经》、《楚辞》中的音乐遗存。重点关注雅乐的规范化过程，以及五声调式的确立。汉代的宫廷雅乐、燕乐，以及乐器的形制（如编钟、磬）及其在国家祭祀中的作用，将被作为理解古代社会结构的重要线索。 第八章：隋唐盛世的融合与发展 (魏晋至唐宋) 隋唐时期是中国古代音乐的黄金时代。本章将详细介绍“燕乐”的兴盛及其与西域音乐的深度融合，解析法曲的风格特点。重点考察唐代宫廷音乐机构的设置，以及著名的《霓裳羽衣曲》等乐舞的艺术成就。宋代“词乐”的成熟，标志着文人音乐的兴起，其在民间燕乐和雅乐间的互动将是本章的观察点。 第九章：戏曲的崛起与乐器体系的定型 (元明清) 元代戏曲（元曲）的成熟，标志着“戏”成为中国音乐发展的主流形态。本章将分析昆曲、弋阳腔等主要声腔体系的音乐特点、伴奏乐队的构成及其演变。同时，琵琶、古琴、笛子等民族乐器的演奏技法、流派风格（如古琴“减字谱”的解读）及其在文人修养中的地位，将贯穿本章始终。 第十章：近现代的变革与新生 (清末至今) 本章审视中国音乐在面对西方音乐冲击时的转型。我们将讨论清末民初的“新乐”运动，对五声调式与西方十二平均律的调和尝试。重点关注民族管弦乐队的建立与发展，以及二十世纪以来，中国音乐家如何运用西方作曲技法（如和声学、对位法）来创作既具有民族精神又符合现代审美的交响乐和器乐作品。 --- 第三部分：跨界视野与名作赏析方法论 第十一章：欣赏的钥匙：如何聆听经典 本章提供一套系统化的音乐欣赏方法论，旨在帮助读者超越单纯的“好听”或“难懂”，进入作品的深层结构。内容包括： 1. 形式分析基础： 掌握曲式结构（如呈示部、再现部、三段体）在不同时期作品中的体现。 2. 织体与和声的辨识： 如何区分主调音乐、复调音乐，以及调性、无调性音乐中的和声语言。 3. 标题音乐与纯音乐的对话： 理解标题音乐（如交响诗）如何通过音乐元素暗示情节，以及纯音乐（如奏鸣曲）内在的逻辑叙事。 4. 文化语境的重构： 认识音乐作品的创作背景（宗教、宫廷、市民阶层）如何决定其情感表达的边界。 第十二章：中外经典名作精选剖析 本章将精选东西方具有里程碑意义的作品进行深度剖析，涉及： 西方： 莫扎特《G小调第四十号交响曲》的抒情张力、贝多芬《英雄交响曲》中的英雄主题发展、巴赫《平均律钢琴曲集》的和声逻辑、德彪西《牧神午后前奏曲》的音色实验。 中国： 《广陵散》的悲壮气概、对《春江花月夜》等大型民族管弦乐作品的配器特色解析，以及京剧某经典选段的板式变化与行腔技巧。 通过跨文化对比，读者将能建立起更广阔的音乐视野，理解不同文化体系中，音乐家如何用声音塑造世界观。本书致力于提供知识的深度与阅读的广度，激发读者主动探索音乐世界的兴趣。

评分☆☆☆☆☆

这本书的文字风格极其考究，用词精准，逻辑缜密，完全符合高等教育教材的定位，但阅读起来又不像传统教材那样令人望而生畏。作者在描述音乐的审美体验时，那种富有感染力的文字，简直让人仿佛置身于音乐厅之中。他不是简单地罗列事实，而是试图去捕捉和传达作曲家创作时的心境和意图，这种情感层面的共鸣，是其他很多只侧重技术分析的著作所缺乏的。比如在分析某部协奏曲时，作者会详细描绘独奏乐器与乐队之间对话的张力，那种文学性的描述极大地丰富了读者的想象空间。此外，书中对不同历史时期音乐的社会功能和接受群体的变化也有细致的分析，这对于理解音乐如何融入大众生活和精英文化至关重要。我感觉这本书的价值在于，它成功地架设起了一座连接专业知识和大众欣赏之间的桥梁，让学习音乐历史不再是象牙塔里的枯燥学问，而是一场充满乐趣的文化探索之旅。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计得很有现代感，装帧质量也相当不错，让人拿在手里感觉挺有分量的。我刚翻开目录，就被它庞大的知识体系给镇住了，从巴洛克时期的宏伟到浪漫主义的激情，再到二十世纪的实验与多元，几乎把西方音乐史的脉络梳理得清清楚楚。尤其是那些经典曲目的选取，真的是下了不少功夫，既有耳熟能详的“金曲”，也有一些相对冷门但同样极具研究价值的作品，这对于一个想要系统构建音乐知识框架的学习者来说，简直是福音。我特别欣赏作者在叙事上的那种娓娓道来的细腻感，没有那种枯燥的教科书腔调，而是将音乐的发展如同讲故事一般徐徐展开，让人在阅读的过程中不知不觉就被带入了那个时代的氛围之中。而且，书中对不同音乐流派的风格特点分析得非常到位，那种对和声语言、配器手法的深入解读，即便是初学者也能大致领会到其中的精髓，这比那些只停留在历史年代和人物介绍上的教材要高明得多。我感觉它不仅仅是一本教材，更像是一份私人音乐导览手册，带领我这个门外汉，跨越时空，去聆听那些不朽的旋律背后的故事和哲思。

评分☆☆☆☆☆

这本书的编排逻辑简直是教科书级别的典范，清晰到让人心服口服。它没有采用那种纯粹的年代线性推进方式，而是巧妙地将“史”与“赏析”进行了有机结合。每一章节在介绍完一个历史时期的主要特征和代表人物后，会紧接着深入解析几部标志性的作品，这种“先立论后举例”的结构，极大地增强了学习的代入感和理解的深度。我尤其喜欢它在阐述复杂音乐理论概念时所采用的比喻和类比，非常生动形象，一下子就把那些晦涩难懂的术语变得具体可感了。举个例子，书中对“奏鸣曲式”的解释，就运用了一个建筑学上的结构模型来比拟，让我瞬间明白了其内在的张力和平衡感。对于教师教育专业的学生来说，这本书提供的不仅是知识储备，更是一种教学思路的启发——如何把复杂的音乐史变成生动有趣的课堂内容。作者的学术功底毋庸置疑，但更难能可贵的是其将高深学问平民化的能力，阅读体验非常流畅，几乎没有卡壳的感觉。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计虽然传统，但内页的排版布局却透露出一种严谨的学者风范。字体选择适中，图文混排的处理也十分得当，重要的术语和人名都做了加粗或斜体处理，方便快速定位信息。让我惊喜的是，很多关键的历史图片和作曲家肖像的印刷质量非常高，细节清晰，这在很多同类教材中是很难得的。更不用说，这本书的理论深度是毋庸置疑的，它不仅仅停留在“是什么”的层面，更深入探讨了“为什么会这样”的历史必然性和社会文化背景。例如，作者在论述民族乐派的兴起时，并没有简单归结于爱国主义，而是结合了十九世纪欧洲的政治思潮和社会思潮，将音乐的变革置于一个更宏大的历史语境中去审视，这种洞察力让人佩服。读完后，我对很多以往只是模糊听过的音乐家和作品，都有了一种全新的、立体的认识，感觉自己的音乐素养被拔高了一个台阶，这绝对是一本值得反复研读的工具书，而不是一次性消费品。

评分☆☆☆☆☆

我特别关注这本书在处理不同文化背景下的音乐交流与影响时的视角，这一点做得非常出色。它没有将西方音乐史视为一个封闭的、自洽的系统，而是十分敏锐地指出了它在不同阶段与其他文化，特别是东方文化（虽然篇幅有限）的碰撞与借鉴。这种开阔的全球视野，对于培养未来教育者的跨文化理解能力是至关重要的。在对二十世纪音乐的探讨部分，作者对于前卫艺术和电子音乐的引入也处理得相当得体，没有采取排斥或简单归类的态度，而是以一种审慎和开放的态度去解析了它们产生的社会动因和艺术价值。这本书的深度和广度兼具，既能满足专业人士对细节的苛求，也能让对音乐有初步兴趣的读者获得扎实的知识基础。它提供了一种完整的、具有批判精神的音乐史观，而非僵化的教条，是近年来我接触到的同类书籍中，综合质量最高的一本。