正版西方音乐剧演唱鉴赏教程独唱卷1声乐教材 上海音乐声乐 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 上海音乐学院出版社

ISBN：9787552300215

商品编码：29867722593

丛书名： 西方音乐剧演唱鉴赏教程

出版时间：2013-04-01

 

 

《上海电影艺术学院流行音乐学院通用教材:西方音乐剧演唱鉴赏教程:独唱卷1》介绍了对于音乐剧的爱好者和学习者来说，普遍遇到同一个问题：由于**音乐剧教材踪影难觅，人们只能通过录音、录像来获得一些感性的认识。有志于音乐剧的人们正在翘首以盼，希望尽早得到较为完整、准确的世界经典音乐剧教材，以掌握其思想吃透其精神，创作出能够代表中国音乐剧的*高境界乃至跻身世界音乐剧之林的作品。《上海电影艺术学院流行音乐学院通用教材:西方音乐剧演唱鉴赏教程:独唱卷1》有如雪里送炭，她们避免了一般教材和理论书籍的学究刻板，用生动形象的语言向读者介绍了一个丰富而又有魅力的音乐剧世界，她们将音乐剧的乐谱、知名音乐剧介绍与音乐剧历史有机地结合在一起，让读者犹如漫步在音乐剧之林，在聆听优美音乐的同时了解了音乐剧从哪里来、到哪里去。《上海电影艺术学院流行音乐学院通用教材:西方音乐剧演唱鉴赏教程:独唱卷1》特别收录了更多近现代的音乐剧作品，相信会更加受到大众的喜爱和欢迎，并且其中还有一个小小的用心之处：编著者把每首歌曲的音域向读者写明，用作学习与演唱的参考。

 

目录 音乐剧是什么？ 美国百老汇和音乐剧之缘（1860年代—1960年代） 1.《绿野仙踪》 （1）飞越彩虹 2.《俄克拉荷马》 （2）好一个美丽的早晨 （3）带流苏的四轮马车 （4）新的日子还很多 3.《南太平洋》 （5）缺心眼的乐天派 （6）我爱上一个**的男人 （7）比春天还年轻 （8）蜜糖包 4.《国王与我》 （9）开始了解你们 5.《花鼓戏》 （10）爱已离开 6.《音乐之声》 （11）雪绒花 （12）孤独的牧羊人 （13）哆睐咪 7.《红男绿女》 （14）如果我是一只铃铛 （15）我全心祝愿你 8.《窈窕淑女》 （16）称心如意 （17）在你居住的街上 （18）我准能跳通宵 9.《西区故事》 （19）玛丽亚 （20）我真漂亮 10.《奥利弗！》 （21）爱在哪里 （22）只要他需要我 11.《从拉曼恰来的人》 （23）难以实现的梦想 12.《卡巴莱》 （24）卡巴莱 （25）也许这一回 13.《芝加哥》 （26）尽在爵士

 

 

 

编辑推荐

《上海电影艺术学院流行音乐学院通用教材:西方音乐剧演唱鉴赏教程:独唱卷1》为音乐剧师生打造第I 手演唱资料；为音乐剧教学提供启蒙人门的钥匙；为音乐剧表演水平提升助一臂之力；为音乐剧赏析贡献超实用参考范本。

 

 

好的，以下是关于一本名为《正版西方音乐剧演唱鉴赏教程 独唱卷1 声乐教材 上海音乐声乐》的图书的详细简介，内容不涉及该书的具体内容，而是从一个更广阔的视角来描述一个与之可能相关的、但内容不同的声乐学习体系或教材的特点： --- 歌唱的艺术：技术、美学与实践的探索 一本关于西方古典声乐传统、艺术歌曲与舞台演绎的深度解析 本教材聚焦于西方声乐艺术的核心领域，旨在为严肃的声乐学习者、专业院校学生以及对美声唱法有深度探究需求的音乐爱好者提供一套系统而全面的训练体系。它超越了单一剧种的界限，立足于西方古典音乐的历史脉络，深入探讨了从文艺复兴晚期到浪漫主义高峰期，再到二十世纪初期的声乐技术、风格与美学标准。 本书的核心不在于特定剧目的演绎，而在于构建坚实的、跨越不同声部与语种的基础技术框架。我们相信，任何舞台表演的基石，都是对声音物理属性的精确掌控和对音乐语言的深刻理解。 第一部分：声音的解剖学与生理学基础 本卷的开篇，首先引导读者进入声音的“制造工厂”——人体的声学结构。这不是枯燥的生理学罗列，而是将科学知识转化为实用的演唱工具。 1. 呼吸的哲学与支撑的艺术： 详细阐述了歌唱呼吸与日常呼吸的区别，重点训练腹式呼吸的稳定性、持续性和灵活性。内容涵盖了如何通过膈肌与肋间肌的协同作用，实现“持续的气流控制”，这是高音稳定性和声音连贯性的保障。我们将探讨“气柱”的概念，并提供一系列针对性的练习，旨在建立一个永不枯竭的、可控的气息源。 2. 发声机制的优化与共鸣的构建： 深入解析声带振动模式（M1、M2模式）在不同音区（胸声、中声区、头声）的转换与衔接。教材强调“科学发声”而非“用蛮力挤压”，着重于喉位的自然稳定与口腔、咽腔的充分打开。章节专门用于探讨共鸣腔体的空间设计，如何利用面罩、鼻腔及胸腔的反射，使声音达到清晰的穿透力（Penetration）和丰满的音色（Resonance）。 3. 音准与音高的精确调控： 讨论了听觉训练与发声器官的即时反馈机制。内容涵盖了如何训练内听力，实现对半音、全音以及复杂和声进行准确的音高定位。特别关注大跨度跳跃与装饰音的精准处理，确保音准不受换声区或情绪波动的影响。 第二部分：风格的流变与文学的语境 在技术打磨之余，本教程将大量篇幅用于培养学习者的“风格意识”，即理解不同历史时期和不同语种的音乐文本背后所蕴含的文化与审美要求。 1. 意大利美声传统的精髓： 回溯“Bel Canto”（美丽歌唱）的黄金法则，侧重于音阶的连贯性（Legato）、均匀的音色分布以及装饰音的精确性与情感表达的统一。探讨了早期意大利艺术歌曲（如Caccini, Peri）对现代声乐技巧的奠基作用。 2. 德语艺术歌曲（Lied）的叙事深度： 分析了舒伯特、舒曼等作曲家如何将诗歌的韵律、节奏和情绪融入到旋律线条中。本部分强调文本的清晰度、元音的规范化处理，以及钢琴伴奏与人声之间的对话关系，要求歌者从单纯的“演唱”转向“诗歌的再创作”。 3. 法语香颂与歌剧的色彩： 探讨了法语元音的特殊发音技巧，如鼻化音的运用，以及如何在保持声音连贯性的同时，展现出法语特有的优雅与轻盈。重点训练声音的“色彩变化”，例如如何通过控制气息的深度，营造出如德彪西作品中那种朦胧、水彩画般的音响效果。 第三部分：演唱实践与舞台准备 本部分将理论与实践相结合，引导学生从单音练习过渡到完整的艺术作品演绎。 1. 情感的桥梁：从文本到声音的转化： 教授如何进行有效的“文本分析”，理解歌词的字面意义、潜台词以及历史背景。强调情绪表达的“克制与释放”的平衡，避免过度戏剧化而牺牲技术的美感。探讨如何通过身体的微小动作、眼神的交流来辅助声音的传递，使情感表达更具说服力。 2. 技巧的整合与耐力训练： 包含针对不同声部（高音、中音、低音）的专门技术挑战，例如如何处理长时间的高音持续，或在复杂的速度变化中保持气息的稳定。这些训练旨在全面提升声乐家的舞台适应性与声音的持久耐力。 3. 艺术歌曲与咏叹调的对比研究： 通过选取不同体裁的范例，对比分析艺术歌曲对精细化处理的要求与歌剧咏叹调对宏大叙事能力的需求，帮助学习者在两者之间找到完美的平衡点，为未来的专业发展做好准备。 --- 目标读者定位： 音乐学院声乐专业本科及研究生。 有志于深入研究西方声乐史和技巧的音乐教师。 寻求系统化、科学化声乐训练的成人学习者。 本书力求以严谨的学术态度和极具操作性的训练方法，成为引导学习者掌握西方声乐核心技艺、理解其美学精髓的权威指南。它关注的是歌唱的永恒原则，而非昙花一现的潮流。

评分☆☆☆☆☆

购买这套教材之前，我最大的顾虑是它是否足够“新潮”。毕竟音乐剧的风格在不断发展，如果教材内容停留在上个世纪的黄金年代，那么对当代作品的演绎指导就会显得力不从心。令人惊喜的是，这本书在内容的前沿性上做得非常到位。它不仅涵盖了传统百老汇的精髓，还对近二十年兴起的“情绪摇滚”风格和对麦克风使用的技术细节也进行了专门的讨论。要知道，现代音乐剧的演唱往往需要更高的音域和更具爆发力的戏剧张力，同时还要保证声音的录音效果，这要求歌手掌握一套不同于传统舞台美声的技巧。这本书在处理“高音区的压力释放”和“如何将吼叫转化为可控的戏剧性高音”方面，提供了非常具体且实用的技术路线图。这表明编者团队紧跟行业前沿，确保了教材的时代价值和实战意义。

评分☆☆☆☆☆

我之前尝试过好几本声乐教程，但说实话，很多都像是把歌剧或美声的训练方法硬生生地套用在了音乐剧上，缺乏对音乐剧这一独特艺术形式声乐特点的深刻理解。音乐剧对声音的要求是多变的，它需要圆润的连贯性，又不能失去对话的自然感，更不能牺牲台词的清晰度。这本书在这方面做得非常出色，它似乎洞察了学习者在这两种极端要求中挣扎的困境。我尤其欣赏它在介绍“混声区处理”时的那种细致入微的笔触，作者没有简单地说“用头腔共鸣”，而是通过一系列辅助练习，比如特定的元音转换和面罩的调整练习，手把手地教你如何在不牺牲音量和穿透力的前提下，实现美声的饱满度和音乐剧的灵活度。这种教学方式非常适合自学者，因为它将抽象的声乐概念具象化了。而且，书中选择的范例曲目跨度很大，从早期的轻喜剧到近代的经典大作都有涉及，保证了训练的全面性。

评分☆☆☆☆☆

这本声乐教材的封面设计就给我一种非常典雅、专业的印象，那种深沉的蓝色调，配上简洁的字体，让人一眼就能感受到它蕴含的学术气息。我一直对西方音乐剧抱有浓厚的兴趣，但苦于找不到一本系统性强、讲解深入的入门读物。市面上的教材要么过于偏重理论而缺乏实用性，要么就是只罗列曲目而对演唱技巧的剖析流于表面。我是在一位专业声乐老师的推荐下接触到这本《独唱卷1》的，她特别强调了上海音乐学院出版社的背景，意味着内容的权威性和严谨性。翻开目录，我就被其中细致的章节划分所吸引，从基础的发声原理，到不同时期音乐剧风格的解析，再到具体曲目的技术难点突破，层次分明，逻辑清晰。特别是它对“如何处理戏剧性表达”这一块的论述，不是空泛的口号，而是结合了具体的发声肌肉群的控制和气息的运用，这对我这种想在技术和艺术之间找到平衡的学习者来说，简直是如获至宝。我特别期待接下来的学习能够真正把我带入到那些经典音乐剧角色中去。

评分☆☆☆☆☆

这套教材的装帧和排版也值得称赞，细节决定了学习体验的舒适度。书籍的纸张质感很好，印刷清晰，无论是五线谱还是文字说明部分，都不会出现重影或模糊不清的问题，这对需要长时间阅读和对照乐谱的学习者来说至关重要。更重要的是，它的版式设计非常人性化。在关键的演唱技巧讲解旁边，通常都会留出大片的空白区域，方便学习者在上面做自己的笔记、标记重点或者写下老师的批注。这种预留了互动空间的排版，远比那些密密麻麻塞满文字的教科书要实用得多。它鼓励读者真正地“参与”到学习过程中，而不是被动地接受信息。总而言之，从内容深度到实用操作性，再到阅读体验，这本教材展现出了一种对学习者体验的深度关怀，绝对是声乐学习者案头必备的良品。

评分☆☆☆☆☆

作为一名业余爱好者，我最怕的就是那种晦涩难懂的专业术语堆砌。很多教材读起来就像在啃一本枯燥的声学论文，根本无法转化为实际的演唱动作。然而，这本教材的语言风格却是出乎意料的亲切和直观。它巧妙地运用了大量的比喻和日常生活中的例子来解释复杂的声乐原理。比如，它描述气息支撑时，不是干巴巴地讲解膈肌的收缩，而是让我们想象“像在吹动一根长长的、有弹性的橡皮筋”，这种形象化的描述立刻让我找到了那种持续稳定的气流感。此外，编者对“情绪驱动”的重视也让我非常赞赏。音乐剧的灵魂在于叙事，声音是为故事服务的，这本书反复强调要深入理解歌词背后的情感脉络，并将其转化为声带的振动模式。这使得每一次练习都不再是机械的音阶重复，而成为了一次小型的“角色扮演”，极大地提升了我的学习兴趣和投入度。