文化服饰大全服饰造型讲座1服饰造型基础 王明珠 东华大学出版社 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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出版社： 东华大学出版社

ISBN：9787810388207

商品编码：30058679314

丛书名： 服饰造型基础

产品展示

基本信息

图书名称：	文化服饰大全服饰造型讲座1服饰造型基础
作 者：	王明珠
定价：	38.00
ISBN号：	9787810388207
出版社：	东华大学出版社
开本：	16
装帧：	平装
出版日期：	2005-1-1
印刷日期：	2005-1-1

编辑推荐

内容介绍

时装产业越来越广泛地深入人们的生活。作为时装产业的一部分，成衣产业涉及的范围也很广。对于从事这一产业的人们来说，掌握服装制作的相关知识是必需的。 《服饰造型讲座》共分五册，由《服饰造型的基础》以及服装种类为区分标准的《裙子·裤子》、《女衬衫·连衣裙》、《套装·背心》、《大衣·披风》组成。 其中《服装造型基础》一书主要是对服装设计与制作相关的基础专业知识与技术进行了系统的总结。书中采用了大量的图例与摄影图片对服装的历史、形态、种类、穿着、款式和材料等专业知识，以及影响服装造型的人体构造、人体测量、原型理论和制图、原型与体型的区配、样板制作以及作图、缝制、整烫等工具的使用方法，布料处理和缝制方法等专业技术进行了详细浅显易懂的介绍。可以说，能否做出美观、大方且穿着舒适的报装在很大程度上将取决于我们能否运用专业知识与技术来制作出正确的基础样板。

作者介绍

目录

前言 章 服装造型概论 1.1 服装的造型 1.关于服装 2.服饰造型 3.服装的变迁 1.2 服装的分类 1.品种与分类 2.根据穿着用途分类 3.正式礼服的分类 1.3 服装制作的工艺过程 1.度身定制服装的工艺过程 2.成衣生产的工艺过程 3.款式确定的程序 第二章 服装制作工具 1.测量工具 2.作图工具 3.做记号工具 4.裁剪工具 5.缝制工具 6.整烫工具 7.人台 8.其它 第三章 服装制作的人体测量 3.1 磁于服装制的人体 1.人体的部位和体表区分 2.人体构造型 3.人体的比例 4.人体运动和服装的关系 3.2 服装制作的人体测量 1.测量时的姿势 2.测量时的着装 3.测量方法 4.测量仪器和测量方法 5.参考尺寸 第四章 样板制作基础 1.关于平面作图和立体裁剪 2.关于原型 3.平面作图基础 4.原型的作图方法 5.体型和原型 6.样板制作 第五章 服装面料和辅料 1.服装面料和款式 2.辅料 第六章 裁剪·缝制和基础 1.面料用量的估算 2.缩水、整理布纹 3.面料的正反面鉴别方法 4.裁剪 5.做记事 6.缝线、缝针的选择 7.基础缝合 参考资料

在线试读部分章节

服饰造型艺术的深度探索：从历史到前沿的时尚脉动 本套系书籍旨在为服饰造型领域的学习者和实践者提供一个全面、深入且富有洞察力的知识框架。我们聚焦于服饰造型艺术的宏观历史演变、核心造型原理的拆解、跨文化语境下的风格研究，以及面向未来的创新实践。本书系不涵盖任何关于“文化服饰大全”的系统性收录，亦不涉及单一讲座形式的“服饰造型基础”的初级理论讲解。我们的核心目标是超越基础知识的罗列，直抵造型思维的建构与高级审美能力的培养。 第一卷：服饰的符号学与文化基因 本卷致力于解析服饰在人类社会中所扮演的非语言交流工具的角色。我们探讨服饰如何超越其御寒蔽体的基本功能，成为身份、权力、阶层、信仰乃至个人态度的视觉宣言。 一、服饰的符号学结构分析： 我们将引入结构主义和符号学理论，解构服饰的构成要素——材料、廓形、色彩、纹样与装饰——作为信息载体时的意义生成机制。重点分析特定时代背景下，某一种元素（例如十七世纪欧洲宫廷的蕾丝与丝绒）如何被社会群体“编码”并赋予固定的社会意义。我们深入研究“可见性”与“隐藏性”之间的辩证关系，讨论服饰在公共展示与私密空间中的功能差异。 二、跨文化视角下的服饰变迁史： 本卷跳脱出传统的地域性服饰编年史，转而采用“主题式”的比较研究。例如，我们将“仪式性服饰”作为核心主题，对比古希腊的长袍（Chiton）与日本的和服（Kimono）在结构、穿着方式以及在宗教或生命周期仪式中承载的哲学内涵。另一章节聚焦于“制服与反叛”，对比军装、校服等权力服饰的标准化美学，以及青年亚文化（如朋克、哥特）如何通过对这些标准元素的颠覆性重构来实现身份的重塑与反抗。 三、时尚的经济学与权力结构： 服饰造型并非孤立的艺术行为，它深植于经济和政治的土壤之中。本卷深入探讨高级定制（Haute Couture）与成衣（Prêt-à-Porter）之间的张力与互相影响。研究时尚产业的上游供应链如何影响T台趋势的形成，以及“快速时尚”模式对全球审美疲劳和环境伦理的影响。我们着重分析造型师、买手、编辑在塑造公众审美导向中所扮演的隐形权力角色。 第二卷：高级服饰造型的结构力学与空间感知 本卷旨在系统性地拆解高级造型师所依赖的视觉组织能力和空间构建技巧。这部分内容侧重于造型的“硬科学”，即如何操纵三维空间中的实体对象以达成预期的视觉效果。 一、人体作为动态雕塑的研究： 我们摒弃对标准人体比例的简单描述，转而研究人体在运动状态下的动态轮廓变化。通过对运动捕捉技术和解剖学视角的借鉴，分析不同面料（如硬纱、皮革、针织物）在身体曲面上的张力、褶皱与垂坠感是如何共同构建“动态廓形”。本章提供详尽的案例分析，展示如何利用视错觉原理（如颜色对比、纹理密度）来调整观看者对身体比例的主观感受。 二、色彩的心理声学与造型搭配： 本卷对色彩理论的探讨远超色轮范畴。我们引入“色彩的心理声学”概念，研究特定色彩组合（如莫兰迪色系、高饱和度撞色）在潜意识层面引发的情感共鸣和文化联想。重点章节将分析造型师如何通过控制色彩的明度、纯度和面积比例来“调音”整个造型的视觉强度，并探讨如何在复杂的、光线多变的拍摄环境中，确保造型色彩的视觉稳定性与层次感。 三、层次感构建与材质对话： 高级造型的精髓在于层次的丰富性与逻辑性。本卷详细剖析“多层叠加法”（Layering Techniques）的高级应用，区分基础层、结构层、表达层的职能。更重要的是，我们研究不同材质（如金属光泽与哑光羊毛，透明薄纱与厚重皮革）在物理接触点上产生的“材质对话”。通过微观分析，揭示如何通过材质的对立统一，赋予造型深度和触感上的丰富性。 第三卷：造型叙事、媒介转化与未来展望 本卷将焦点投向造型艺术的最终呈现形式——叙事构建和媒介适应性，并探讨数字化时代对服饰造型的颠覆性影响。 一、叙事驱动的造型构建（The Narrative Imperative）： 成功的服饰造型是叙事的载体。本卷教授如何从一个核心概念（Concept）出发，逆向推导出服装、配饰、妆发以及场景的统一视觉语言。我们将解析顶级时装秀和时尚大片的“情节板”（Storyboarding）构建方法，强调造型的“角色弧光”——即造型如何在不同场景或时间点上展现角色的内在转变。 二、造型在不同媒介中的适应性： 平面摄影、动态影像（Runway/Film）和虚拟现实（VR/AR）对造型的需求截然不同。本卷详细比较“镜头语言”对造型细节选择的影响：例如，在高清特写镜头中需要被弱化的精致刺绣，在远景大片中可能需要被夸张的廓形所取代。我们分析如何在动态走秀中设计运动轨迹上的视觉焦点，确保造型的“流动美学”。 三、数字时尚与造型的元宇宙重构： 本卷展望服饰造型的未来形态。探讨数字试穿技术、3D虚拟样衣对传统造型流程的介入。分析数字时装（Digital Fashion）如何在不受物理定律限制的情况下，探索极致的视觉表达。研究造型师如何将实体服装的“物理记忆”转化为虚拟世界中的“数据美学”，为下一代造型师提供前瞻性的方法论指导。 总结： 本书系致力于培养读者成为能够独立思考、构建复杂视觉叙事、并熟练驾驭多媒介环境的服饰造型专家。它要求读者具备批判性思维，能够解构既有范式，并在历史沉淀与前沿科技的交汇点上，创造出具有深刻文化共鸣和强大视觉冲击力的新造型语言。

评分☆☆☆☆☆

这本《文化服饰大全：服饰造型讲座1——服饰造型基础》的书名听起来就让人充满了期待，仿佛打开了一扇通往服饰设计与文化交汇的神秘大门。我当时在书店里被它厚重的质感和精美的封面设计所吸引，那种对传统与现代融合的期许，让我毫不犹豫地把它带回了家。然而，实际阅读后，我发现这本书在某些方面，确实展现出了令人耳目一新的角度。它不仅仅是简单地罗列服饰的款式或历史变迁，而是更深入地探讨了“造型”这个概念本身。比如，书中对色彩心理学在服饰搭配中的应用进行了细致的剖析，让我意识到原来红色不仅仅是热情，在不同的文化背景下，它可能代表着截然不同的能量场。而且，它还花了相当大的篇幅去讲解结构比例，如何通过服装的廓形来修正人体视觉效果，这对于非科班出身的我来说，简直是醍醐灌顶。它不是那种枯燥的教科书，更像是一位经验丰富的设计导师，在你耳边娓娓道来那些行业内的“潜规则”和审美秘诀。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版和图示处理手法，可以说是非常考究了。它不像某些专业书籍那样，充斥着密密麻麻的文字和晦涩难懂的专业术语，而是大量采用了高质量的线描图和色彩分解图，把复杂的造型原理用最直观的方式呈现出来。我尤其喜欢其中关于“动态平衡”的那一节内容。作者没有用复杂的数学公式来解释，而是通过一系列模特走动时的瞬间抓拍图，配合箭头和网格分析，清晰地展示了服装在运动中如何保持视觉上的和谐统一。这对于那些热衷于舞台服装设计或者影像造型的读者来说，简直是一份无价的参考资料。它教会了我如何跳出静态的平面视角，去思考服装在三维空间和时间维度下的表现力，这种动态的思维训练，是很多传统教材所缺乏的。

评分☆☆☆☆☆

我原本以为这会是一本偏向于学术研究、需要深厚服饰史知识才能消化的读物，毕竟“文化大全”这几个字的分量摆在那里。但惊喜的是，这本书的叙事节奏非常流畅，即便是初学者也能轻松跟上思路。最让我印象深刻的是它对“符号学”在服饰设计中的运用那一章。它没有停留在表层，而是深入挖掘了某些纹样或配饰在不同历史时期所承载的社会阶层信息和权力象征。举个例子，书中详细对比了欧洲中世纪贵族服饰中的袖口设计与东方传统服饰中衣领的微小变化，并解释了这些设计语言是如何无声地向外界宣告穿着者的身份和意图的。这种跨文化的对比分析，极大地拓宽了我对“穿衣”这件事的认知边界，让我开始从“我穿什么”转变为“我希望我的穿着‘表达’什么”。这种深度的挖掘，远远超出了我原本对一本“基础入门”书籍的预期。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我最大的感受是其深厚的学术底蕴与极强的实践指导性之间的精妙平衡。它并未沉溺于对某个特定历史时期服饰的复原，而是着眼于构建一个普适性的、可迁移的造型思维框架。其中对于“人台与人体差异性”的讨论，就显得尤为真诚和专业。作者详细分析了不同身材比例如何影响面料垂坠感和服装结构线的走向，并提供了大量针对性的调整方案，这些都是在普通时尚杂志里看不到的干货。读完之后，我感觉自己仿佛被授予了一套“造型的底层代码”，明白了造型设计背后的逻辑链条是如何运作的。这种由内而外提升的自信和理解力，才是这本书带给我最宝贵的财富。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我购买这本书的初衷，是想找到一些关于“如何快速提升日常穿搭品味”的实用技巧。这本书虽然没有直接提供“本季流行色”或“万能搭配公式”这类信息，但它却从根基上改变了我的审美逻辑。它通过对“基础造型元素”——点、线、面——在服饰构成中的具体作用的探讨，让我明白了为什么有些搭配看起来“对”而有些看起来“错”。例如，书中对“视觉重量”的分析，让我意识到大面积的深色和复杂的图案会显得厚重，而轻盈的材质和简洁的线条则能带来漂浮感。这种对基本视觉原理的掌握，比任何潮流指南都要来得持久和可靠。它不是教你怎么“模仿”，而是教你怎么“创造”属于自己的造型语言。