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李新民 等 著

图书标签:

• 传统工艺美术
• 人物设计
• 图稿
• 绘画
• 艺术设计
• 工艺美术
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出版社： 北京工艺美术出版社

ISBN：9787805267913

版次：1

商品编码：10615803

包装：平装

开本：16开

出版时间：2009-05-01

用纸：胶版纸

页数：227

正文语种：中文

内容简介

《传统工艺美术设计图稿·人物卷》，是由几位从事手工艺术品设计的工艺美术工作者，在三十多年前为适应当时的工艺美术品出口产品设计的需要而绘制的图纸。
说之为传统，一是因为所有的图纸上所表现的内容，均是中国历史文化沿传而来的传统题材；二是因为这些图纸是供手工艺匠师制作传统出口产品时选用、参考的；三是所谓传统，是与现代相对而言的。其图纸设计必须符合手工艺品的制作方法，也就是在不同材质上施工的可操作性。
人物画，是绘画的一种，是以人物形象为主体的绘画通称。中国的人物画简称人物，是中国画中的一大画科，出现较山水画、花鸟画等为早；大体分为仕女画、道释画、肖像画、风俗画、历史故事画等。人物画力求人物个性刻画得逼真传神，气韵生动、形神兼备。其传神之法，常把对人物性格的表现，寓于环境、气氛、身段和动态的渲染之中。故中国画论上又称人物画为传神。在传统的中国人物画中，因画法式样上的区别又分为若干类别。如：刻画工细、勾勒着色的，被称为工笔人物；画法洗练纵逸的，被称为写意人物或简笔人物；画风奔放水墨淋漓的，被称为泼墨人物；以线描为主但略施淡彩于头面手足的，被称为吴装人物；纯用线描或稍加墨染的，被称为白描人物，等等。

内页插图

目录

序
神话传说
精卫填海
女娲补天
精卫填海
女娲补天
瑶池赴会
天女献寿
麻姑献寿
巫山神女
天女思凡
巫山神女
嫦娥奔月
嫦娥奔月
嫦娥静思
天女散花
天女散花
天女散花
乐女腾龙
弄玉吹箫
弄玉吹箫
湘水神女
娥皇女英
驾鹤翔云
降龙仙女
送子天仙
麒麟送子
蚌仙献珠
牛郎织女
笛颂鱼跃
鹤翔飞乐
跨虎入山
跨虎入山
刘海戏蟾
龙女牧羊
画中巧妇
神笔马良
梁祝化蝶
碧波金鲤
游湖遇雨
游湖遇雨
盗灵芝草
秋翁遇仙
美人鱼舞
橘中秘戏
佛界造像
观音普度
莲花静音
菩萨祈福
赏石菩萨
持花圣母
吉祥大仕
鹏程万里
五子弥勒
历史人物
班昭续书
文姬挥毫
昭君出塞
圣医华佗
乐昌公主
花蕊夫人
颖师弹琴
文成公主
易安居士
黄道婆
霞客游记
童真童趣
春色满园
书香满门
童子牧牛
同欢共乐
双子夺魁
蕉荫消夏
群童戏乐
子孙和合
村婴嬉浪
秋庭婴戏
福荣有余
合作有余
欢笑满园
卫国习武
明月婴嬉
瑞雪丰年
嬉闹龙灯
竹报平安
喜迎新春
春风得意
画意随情
俏女织春
竹梅剑寒
春风杨柳
花香飘扬
彩蝶纷飞
明烛花红
芳草天涯
空竹颂春
春江花月
青云直上
悦耳琴音
琴曲含情
编钟演乐
花艳惊蝶
荷香漫塘
河清藕肥
芙蓉出水
俏饰牡丹
善理云鬓
笛声鹤舞
扇舞翩翩
秀女蹴鞠
静思凝情
依栏思竹
踏球之戏
切磋棋艺
教子习书
苇塘垂钓
翔云剑舞
鱼肥女俏
酬诗明志
雀跃人欢
秋风冷月
吉祥寓意
春光长寿
平安如意
月月洪福
国色天香
满堂同乐
望子成名
乐庆升平
和合如意
花好月圆
连中三兀
共同富余
连年有余
喜上眉梢
同喜同贺
欢天喜地
五谷丰登
岁寒三友
双喜临门
福寿双全
吉星高照
福寿如意
万象更新
……
文学典故
红楼梦境
附录

前言/序言

　　《传统工艺美术设计图稿．人物卷》，是由几位从事手工艺术品设计的工艺美术工作者，在三十多年前为适应当时的工艺美术品出口产品设计的需要而绘制的图纸。
　　说之为传统，一是因为所有的图纸上所表现的内容，均是中国历史文化沿传而来的传统题材；二是因为这些图纸是供手工艺匠师制作传统出口产品时选用、参考的；三是所谓传统，是与现代相对而言的。其图纸设计必须符合手工艺品的制作方法，也就是在不同材质上施工的可操作性。
　　人物画，是绘画的一种，是以人物形象为主体的绘画通称。中国的人物画简称人物，是中垦四中的一大画科，出现较山水画、花鸟画等为早；大体分为仕女画、道释画、肖像画、风俗画、历史故事画等。人物画力求人物个性刻画得逼真传神，气韵生动、形神兼备。其传神之法，常把对人物性格的表现，寓于环境、气氛、身段和动态的渲染之中。故中国画论上又称人物画为传神。在传统的中国人物画中，因画法式样上的区别又分为若干类别。如：刻画工细、勾勒着色的，被称为工笔人物；画法洗练纵逸的，被称为写意人物或简笔人物；画风奔放水墨淋漓的，被称为泼墨人物；以线描为主但略施淡彩于头面手足的，被称为吴装人物；纯用线描或稍加墨染的，被称为白描人物，等等。

中国传统园林艺术的审美与营造：一场跨越时空的对话 图书名称： 中国传统园林艺术的审美与营造 内容提要： 本书深入剖析了中国传统园林艺术的哲学基础、美学特征及其营造技艺，旨在为读者呈现一个立体而丰富的园林世界。本书不仅是对历史的梳理，更是对人与自然关系哲学思考的系统阐释。 第一章：天人合一的哲学根基与园林起源 本章追溯了中国传统园林艺术的哲学源头，探讨了道家“自然无为”与儒家“中庸和谐”思想如何渗透并塑造了园林的整体精神面貌。我们详细考察了早期私家园林，如魏晋南北朝时期的山林隐逸之风，如何从文人寄情山水的实践中萌芽。 1.1 道法自然：园林哲学的核心理念： 阐释了“师法自然”并非简单模仿，而是对自然规律的深刻理解与艺术化提炼。重点分析了《道德经》中关于“虚”、“静”的论述在园林空间布局中的体现。 1.2 礼制与私享：功能与情感的平衡： 对比了皇家园林（如颐和园、避暑山庄）的宏大叙事与私家园林（如苏州园林）的内敛含蓄，分析了它们在社会功能和个人情感表达上的差异与共性。 1.3 诗意栖居的雏形：文人阶层的兴起： 聚焦于唐宋时期，文人士大夫如何将诗词歌赋的意境融入园林建造，使园林成为“可游、可居、可观、可赏”的立体画卷。 第二章：园林美学的核心要素与空间序列 本章聚焦于传统园林在视觉、听觉、触觉等全方位调动人的感官体验所采用的独特美学手法，以及如何通过空间序列的精心设计，引导游览者的心绪起伏。 2.1 借景与对景的艺术：有限空间内的无限拓展： 详细解析了“远借”、“邻借”、“仰借”等借景手法，并通过具体案例对比分析了借景如何打破围墙的物理界限，实现园林内外的有机融合。 2.2 叠山理水：塑造成景的生命力： 深入探讨了堆山（假山）的艺术与技术，分析了“以石为骨，以土为肉”的营造原则。对水体处理（理水）的论述，着重于体现水之“动”与“静”，以及其在平衡空间、调节气候上的作用。 2.3 移步换景：步移景异的空间节奏： 阐释了园林布局中避免一览无余的原则，如何通过曲径、漏窗、屏风墙等元素，控制游览者的视线，创造出层层递进、柳暗花明的空间体验。 第三章：建筑与自然的和谐共生：结构与装饰的统一 园林中的建筑并非孤立的结构，而是与山水环境紧密结合的有机组成部分。本章探讨了亭、台、楼、阁、轩、榭等建筑小品的功能性、形式美以及它们与周围环境的互动关系。 3.1 亭台楼榭：空间的节点与视线的焦点： 分析了不同类型建筑的功能区分（如亭的休憩观景、榭的临水赏景），以及它们在平面布局中作为引导和强调景点的作用。 3.2 虚实相生的处理：墙、门、窗的艺术： 重点研究了漏窗、月洞门等园林特有的分隔元素。这些元素在“隔而不断”的哲学指导下，如何既实现了空间的划分，又保持了视觉的穿透性和连续性。 3.3 细节中的文化密码：楹联匾额与装饰艺术： 探讨了题咏园林的诗词匾额如何以文字深化空间意境，以及建筑构件（如栏杆、花格）上的纹饰所蕴含的吉祥寓意和时代风格。 第四章：地域风格的多样性与地域文化的影响 中国幅员辽阔，园林艺术也因地域的气候、物产和文化底蕴的不同而呈现出鲜明的地域特色。本书选取了最具代表性的几种园林类型进行深入比较研究。 4.1 苏州园林的精巧雅致与“不出城郭而得山水之趣”： 侧重分析了江南园林对水体布局的依赖性、材料的细腻处理（如花窗、铺地艺术）以及其所体现的文人情趣。 4.2 皇家园林的恢宏气度与权力象征： 考察了北方皇家园林（如北京）如何融合南北方的造园手法，在强调中轴对称的同时，融入了山水意境，以体现皇家的威严与广阔的疆域观。 4.3 岭南园林的适应性与实用美学： 探讨了广东、福建等地园林为适应炎热潮湿气候所发展的通风、防潮等特殊技术，以及岭南文化对装饰色彩和植物选择的影响。 4.4 园林与文学艺术的跨界融合： 分析了园林如何成为戏曲、小说等文学形式的背景板，以及园林意境对后世绘画（如山水画）产生的反作用力。 结语：当代语境下的传统园林精神传承 最后，本书对传统园林艺术的当代价值进行了反思。在城市化进程加速的今天，如何从传统园林中汲取智慧，解决现代人对自然缺失的焦虑，构建更具人文关怀和生态智慧的城市景观，是本书留给读者的思考。它强调，真正的园林设计，是情感的营造而非简单的元素堆砌。 本书特色： 史料扎实，考证严谨： 广泛引用古代造园著作（如《园冶》、《长物志》）和相关文献。 图文并茂，解析深入： 辅以大量经典园林平面图、局部意境图和线描图，帮助读者直观理解空间布局和结构细节。 理论与实践结合： 不仅阐述“为何美”，更剖析“如何成美”，对当代景观设计师和建筑爱好者具有极高的参考价值。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我购买这本书的初衷是想寻找一些可以直接套用的设计元素，但翻阅之后，我被它所传递的“神韵”深深地震撼了。这本书不仅仅是收集了图案，它似乎更聚焦于如何捕捉人物的“精气神”。我注意到，即便是最简单的侧脸描摹，其眼神的处理也极富张力，仿佛能透过纸张与观看者进行交流。这让我意识到，传统工艺美术设计图稿的价值，绝不仅仅在于其形式美，更在于其背后所承载的文化精神和生命力。那些看似程式化的服饰纹样和发髻造型，其实都是历史的密码，需要用心去解读。这本书成功地激发了我对“如何赋予线条生命力”的思考，这远远超出了我最初对一本“图稿集”的期待，它更像是一份关于东方古典美学的精神纲领。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计简直是一次视觉的享受，拿到手里就感受到了一种沉甸甸的厚重感。封面那种略带磨砂质感的纸张，配上烫金的书名，立刻将人拉入一个对传统技艺心生敬畏的氛围中。我特别欣赏他们对排版的考量，每一个版块的留白都恰到好处，既保证了内容的呼吸感，又突显了主体图样的精致。尤其值得称道的是，内页的印刷质量极高，色彩的还原度非常精准，那些微妙的墨色变化和线条的细腻层次，即便是初次接触相关设计的人也能清晰地感受到其中蕴含的匠心。我原本以为这只是一本简单的图录，但深入翻阅后发现，它更像是一部经过精心策展的艺术展览画册，每一页的布局都经过了深思熟虑，旨在最大化地展示古代匠人在人物造型和神态捕捉上的高超技巧。这种对细节的极致追求，无疑为后续的临摹和学习打下了坚实的基础，让人对手中的这本“宝典”爱不释手，光是欣赏这些精美的图样本身，就已经是一种精神上的洗礼。

评分☆☆☆☆☆

从实用性角度来看，这本书的选材广度和深度都令人赞叹。它似乎覆盖了从宗教造像到民间故事人物的方方面面，为任何需要以传统元素为灵感的创作者提供了丰富的素材库。我对比了市面上其他几本同类书籍，它们往往只侧重于某一朝代的风格或某一特定题材，而这本图稿集展现的跨度之大，令人惊叹。最让我感到惊喜的是，它收录了一些相对罕见的小众题材图样，这些都是在主流教材中难以见到的，为我的创意工作提供了全新的视角和突破口。对于需要将传统元素与现代设计相结合的从业者来说，这本书的价值在于其提供的“原始语料”的丰富性，它能确保你的设计在借鉴古意的同时，能够避免落入俗套，保持设计语言的新鲜感和原创性。

评分☆☆☆☆☆

这本书的编排逻辑简直是教科书级别的范本，完全没有一般图集那种杂乱无章、堆砌素材的通病。它的内容结构呈现出一种清晰的递进关系，从最基础的身体结构比例速写，到服装动态的复杂处理，再到面部表情的精细刻画，每一步都有清晰的侧重。我尤其喜欢它对“动态捕捉”的处理部分，那些看似随意的挥洒，实则蕴含着对人体运动规律的精准把握。例如，书中对“持物”和“行走”等常见姿态的分解图，简直是每一个学习绘画或雕塑的人的福音。它没有满足于展示最终完成的作品，而是将创作过程中的关键节点进行了提炼和总结，这种“解构”的手法极大地帮助了理解复杂造型的构成原理。如果你想真正掌握传统人物造型的“骨骼”，而不是仅仅学会“描摹皮相”，这本书的结构体系无疑能为你提供一个稳固的知识框架。

评分☆☆☆☆☆

作为一名对古典文化怀有深厚兴趣的业余爱好者，我原本对这类专业性极强的设计图稿类书籍抱持着一丝谨慎，生怕晦涩难懂。然而，这本书的独特之处在于，它在呈现高度专业性的同时，并没有完全抛弃对普通读者的友好性。虽然书中没有冗长的文字说明去“手把手”教学，但那些精选的图稿本身就带着一种强大的叙事能力。我发现，通过对比不同时期、不同地域的同类题材作品，我竟然能够自行领悟到其中蕴含的造型规律和审美取向的演变。比如，唐代人物的丰腴与宋代人物的清癯，仅仅通过线条的粗细和人物的动态就能直观地体会到时代审美的差异。这种“无声的教导”方式，反而激发了我更深层次的好奇心和主动探索的欲望，促使我跳出书本，去查阅更多关于时代背景和工艺技法的资料，可以说，它成功地架起了一座通往古代艺术殿堂的隐形阶梯。

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美术设计的人物画稿不错

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