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Barry Bergdoll & 著

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出版社： Oxford University Pres...

ISBN：9780192842220

商品编码：1098304749

包装：平装

外文名称：Oxford History of Art

出版时间：2000-12-07

页数：336

正文语种：英语

图书基本信息

Oxford History of Art
作者： Barry Bergdoll;
ISBN13： 9780192842220
类型： 平装(简装书)
语种： 英语（English）
出版日期： 2000-12-07
出版社： Oxford University Press, USA
页数： 336
重量（克）： 775
尺寸： 23.7998 x 16.6878 x 1.905 cm

商品简介

This comprehensive examination of eighteenth and nineteenth-century architecture explores its extreme diversity within the context of tremendous social, economic and political upheaval. Never before had the functional requirements and expressive capacities of architecture been tested so thoroughly and with such diversity of invention. Bergdoll traces this experimentation in a broad range of contexts, focusing in particular on the relation of architectural design to new theories of history, new categories of scientific inquiry, and the broadening audience for architecture in this period of transformation. Unlike traditional surveys with long lists of buildings and architects, the themes are elucidated by in-depth coverage of key buildings which in turn are situated in both their local and European context.

好的，这是一本关于世界艺术史的综述性著作的简介，它旨在提供一个广阔的视角，涵盖了从史前时期到现当代艺术的演变与发展。 --- 《环宇艺境：跨越千年的艺术图景》 ——一部宏大叙事下的全球艺术编年史 引言：艺术作为人类文明的永恒回响 人类的历史是一部不断被艺术铭刻的史诗。从洞穴深处的赭石涂抹，到数字时代的像素构建，艺术始终是感知世界、表达存在、传递信仰和挑战既有观念的核心媒介。本书《环宇艺境：跨越千年的艺术图景》，并非对某一地域或特定流派的深度挖掘，而是一次雄心勃勃的尝试——构建一个全球视野下的、具有时间连续性的艺术发展脉络。我们力求呈现的，是一幅由无数文化、风格和创新交织而成的巨幅壁画，旨在揭示艺术在不同文明背景下所扮演的共同角色与独特表达。 本书摒弃了传统艺术史中常见的以西方为中心（Eurocentric）的叙事框架，而是采取一种真正意义上的“世界观”，将美索不达米亚的苏美尔神庙、玛雅的羽蛇神雕塑、中国的青铜礼器、印度的曼陀罗绘画与欧洲的文艺复兴并置考察，探究它们在特定历史语境下的功能、美学原则与社会影响。 第一部：起源与神圣的界限（史前至古典早期） 本书的开篇追溯至人类最早的创作冲动。我们首先考察史前艺术，重点分析法国拉斯科洞窟壁画与非洲岩画中的动物崇拜与巫术仪式之间的联系，理解艺术如何成为早期人类认知世界的工具。 随后，叙事转向古代近东与地中海的文明摇篮。我们详细梳理了美索不达米亚（苏美尔、阿卡德、巴比伦）的楔形文字泥板浮雕与“法律的表征”；古埃及那千年不变的“永恒”观念如何通过金字塔、神庙壁画及丧葬艺术得以固化。重点分析了权力、神权与艺术形式的强固关联。 在爱琴海区域，我们探讨了米诺斯和迈锡尼文明的宫殿艺术，以及它们为后来的希腊古典艺术奠定的基础。这一部分强调了早期艺术在确立社会秩序和宗教规范方面的决定性作用。 第二部：形式的完美与精神的探寻（古典时期至中世纪） 本卷的核心是对“形式”与“精神”的深入探讨。 希腊与罗马的古典遗产：我们不仅重温了古典希腊雕塑中对“理想人”（Kanon）的追求，探索其从古风时期的僵硬到古典盛期的和谐，再到希腊化时期的情感张力。同时，本书也将罗马的写实主义肖像、宏大的公共建筑（如万神殿、引水渠）置于帝国统治与实用主义的视角下进行分析。 东方智慧的觉醒：我们转向亚洲，深入考察古代印度艺术——从犍陀罗的佛教造像，到笈多王朝时期对神性优雅的完美捕捉，以及其对东南亚（如吴哥窟）的深远辐射。同时，对中国早期艺术的论述聚焦于周代的礼制青铜器及其社会功能，以及汉代画像石所承载的生死观和政治叙事。 中世纪的信仰构建：这一部分跨越了拜占庭的金色镶嵌画、伊斯兰艺术的几何抽象与书法美学，以及西欧的罗马式与哥特式建筑。不同于仅将中世纪视为“黑暗时代”，本书强调了中世纪艺术作为信仰载体的巨大力量，哥特式大教堂如何通过光线、玻璃和结构，将信徒引向超越世俗的精神体验。 第三部：全球交汇与地域的辉煌（文艺复兴至启蒙运动） 随着贸易路线的开辟和知识的流动，艺术开始呈现出前所未有的复杂性与多样性。 文艺复兴与巴洛克的戏剧性：本书对欧洲文艺复兴的探讨，着重于人文主义如何重新激活了古典理想，并强调了透视法、解剖学等“科学”因素对艺术表达的革命性影响。随后的巴洛克时期，则被视为对这种理性秩序的反弹，通过强烈的动感、光影对比和情感冲击，服务于宗教改革与绝对君主制的需求。 非西方世界的巅峰表达：与欧洲同步，我们考察了明清时期的中国文人画对“意境”的追求，它如何通过水墨的虚实变化来表达哲学思辨；同时，对日本浮世绘的兴起及其对日常生活、美学趣味的捕捉进行了细致分析。我们还探究了萨非王朝波斯细密画中精致的叙事性与装饰性，以及阿兹特克和印加文明中祭祀性雕塑的独特力量。 第四部：现代性的冲击与艺术的颠覆（18世纪末至今） 工业革命、启蒙思想与全球冲突彻底重塑了艺术与社会的关系。 从学院到反叛：本书关注19世纪艺术如何从对既有传统的维护（新古典主义）走向对主观经验的捕捉（浪漫主义）。印象派和后印象派如何将焦点从“描绘什么”转移到“如何观看”和“如何感受”。 现代主义的爆炸：20世纪初的现代主义浪潮，被视为艺术对自身媒介和既有社会结构的全面“清算”。从野兽派的色彩解放，到立体派对多视角的解构，再到抽象表现主义对纯粹情感和潜意识的挖掘，艺术不再试图模仿现实，而是试图创造新的现实或揭示隐藏的结构。 全球化与后现代的迷思：本书的最后部分探讨了二战后艺术的去中心化趋势。波普艺术对大众文化的挪用，极简主义对艺术本体的质疑，以及当代艺术（Conceptual Art, Performance Art）如何模糊了艺术品与社会实践的界限。我们特别关注后殖民语境下，非西方艺术家的声音如何进入主流话语，挑战既有的艺术史叙事，探讨身份、记忆与全球流散的主题。 结语：无尽的对话 《环宇艺境》试图证明：艺术史不是一条单一的、线性的进步阶梯，而是一个充满岔路、回响和碰撞的多元宇宙。理解任何一个艺术高峰，都必须将其置于其生长的文化土壤之中，并意识到它与其他文明的潜在关联。本书的价值在于提供一个框架，让读者能够进行跨越时空、跨越地域的比较和对话，从而真正体会到艺术作为人类灵魂的普遍语言所展现出的无尽活力与多样性。

评分☆☆☆☆☆

这本厚重的画册，初翻开时，扑面而来的便是那种古典的油墨香气，带着一丝年代感，让人立刻联想到那些尘封在博物馆角落里的珍贵藏品。我原本以为这会是一本枯燥的艺术史教科书，充斥着密密麻麻的年代和人名，但事实证明我错了。作者的叙事手法极其老练，仿佛一位经验丰富的策展人，他没有急于塞给我一堆冰冷的事实，而是先搭建起一个宏大的历史背景，让你仿佛置身于文艺复兴时期的佛罗伦萨街头，感受那种艺术思潮涌动的氛围。对于早期艺术的探讨，尤其是在中世纪向文艺复兴过渡的章节，简直是大师级的梳理。那些早期大师的作品，比如乔托那些略显稚拙却充满宗教热忱的壁画，在书中得到了极其细腻的分析。文字的密度很高，但行文流畅，逻辑清晰得像瑞士钟表一样精准。每一个章节的过渡都衔接得自然无痕，即便我对某个特定时期的艺术史了解不深，也能顺着作者的思路，构建起完整的知识脉络。我特别欣赏其中对于“光影”和“透视法”这些技术革命的解读，不是空泛地赞美，而是深入到技术本身是如何改变了人们的视觉认知和社会表达的，这种深度实在令人折服。

评分☆☆☆☆☆

我最近开始接触现代艺术，感觉自己像个初学游泳的人，面对那些抽象的表现主义和波普艺术，常常感到困惑不解，试图寻找一个可以抓住的“意义”。这本精装本的出现，简直是为我这种迷茫的探索者点亮了一盏指路明灯。它对二十世纪艺术的阐述，摒弃了学院派那种居高临下的评判姿态，转而采取了一种更为平易近人的对话方式。例如，书中对达达主义的介绍，没有过多地纠缠于晦涩的哲学论证，而是直接将那些“现成品”放在你面前，并引导你去思考“艺术的本质”在那个特定历史语境下是如何被颠覆和重构的。我特别喜欢书中对色彩理论和构图原则的讲解，那些复杂的概念被拆解成了极易理解的小块，配图的选取也十分巧妙，那些高对比度的现代作品图片印刷质量极佳，色彩还原度非常高，仿佛能透过纸面感受到马蒂斯的野性笔触或是蒙克的焦虑呐喊。读完关于抽象表现主义的部分，我第一次真正理解了“行动绘画”的内在驱动力，那不再是混乱的涂抹，而是一种能量的释放和精神的投射，这种顿悟的感觉，是看其他任何艺术评论都难以给予的。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计本身就是一件艺术品。我拿到手的时候，就被它厚重而坚实的触感所吸引，封面采用的是一种哑光材质，不易留下指纹，却又在光线下呈现出低调的质感。内页纸张的选择也十分考究，既保证了照片和图版的清晰度，又不会因为过于光滑而反光，使得长时间阅读眼睛不会感到疲劳。对于我这种重度图像依赖者来说，图版的质量是衡量一本艺术史著作的关键标准。这本书在这一点上做得无可挑剔，无论是文艺复兴大师的油画细节放大，还是古希腊雕塑的光影纹理捕捉，都达到了博物馆级印刷的水准。更让我称赞的是，作者在每一个重要的艺术流派的开端，都会附上一张极具代表性的“导览图式”作品，然后用精准简练的文字，概括出该流派的核心精神。这种“先声夺人”的展示方式，非常适合初学者快速抓住重点，同时又不失对资深爱好者的深度挖掘空间，是一种非常聪明的教学策略。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我最大的收获，在于它成功地将艺术史的“表”与“里”连接了起来。很多艺术史读物只关注作品本身的美学形式，而忽略了艺术是如何被社会、政治和经济力量塑造的。然而，这本书却非常擅长在描述一幅画作的风格演变时，无缝地植入相关的历史背景——比如宗教改革对肖像画主题的影响，或是工业革命对材料和色彩供应的冲击。读起来就像在看一部多层次的纪录片，画面（艺术品）和解说词（历史背景）完美融合。我尤其喜欢其中对于艺术赞助人制度的探讨，明白了为什么某些时期的艺术会集中在特定的主题上，这让我对许多作品的“动机”有了全新的理解。书中的注释系统也做得非常完善，很多专业术语都有清晰的释义，偶尔引用的相关文献也标注得井井有条，对于想要进一步深入研究的读者来说，提供了清晰的索引路径。总而言之，这是一部知识密度高、阅读体验佳、且视角全面、兼具学术价值和大众普及性的艺术史巨著，是我书架上最值得反复翻阅的一本书。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我买这本书的初衷，是想找一本能够快速查阅某个艺术家生平的工具书，但它带给我的远不止是工具价值。它的篇幅之宏大，使得它更像是一部跨越时空的史诗。让我印象最深刻的是，它在探讨不同地域艺术流派的演变时，展现出的那种全球化的视野。比如，它没有将欧洲艺术视为唯一的中心，而是花了相当的笔墨去描绘拜占庭艺术的辉煌，以及伊斯兰艺术在几何和装饰图案上的极致追求。这种非西方中心的叙事角度，极大地拓宽了我的艺术认知边界。我记得其中有一章专门对比了中国宋代的山水画与欧洲文艺复兴时期的风景画在空间处理上的差异，这种跨文化的比较分析，让我对“观看”这一行为本身产生了深刻的反思。文字的用词考究，句式错落有致，读起来有一种阅读散文的愉悦感，节奏感很强，让你忍不住想一口气读完，即便有些部分涉及复杂的图像学分析，作者也处理得优雅得体，绝不拖泥带水。