音乐作品曲式分析/21世纪高等院校音乐专业教材 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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李虻 编

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• 音乐作品
• 曲式分析
• 音乐理论
• 高等教育
• 教材
• 21世纪
• 音乐专业
• 音乐教学
• 和声
• 复调

出版社： 西南师范大学出版社

ISBN：9787562130628

版次：2

商品编码：11317744

包装：平装

开本：16开

出版时间：2007-01-01

用纸：胶版纸

页数：388

正文语种：中文

内容简介

　　《音乐作品曲式分析/21世纪高等院校音乐专业教材》是他本人在高等音乐师范教育中，在长期从事音乐作品曲成分析教学工作中，钻研、探索、改革、实践的产物，它从内容、方法、手段等方面有针对性地实现了很多学术和教学上的拓展和创新，并经过反复的成功验证。

目录

第一章 绪论
第一节 音乐的结构与曲式分析
第二节 音乐材料及其发展手法
第三节 和声在音乐结构中的作用
一、和声分析中要重点注意的几个方面
二、曲式与作品分析中和声的分析步骤
第四节 音乐的陈述类型
一、概述
二、稳定型陈述的一般特征
三、非稳定型陈述的一般特征
第五节 曲式分析中的几个基本概念
一、动机
二、主题
三、曲式结构单位
四、结构的周期性、综合与分解
五、曲式的基本部分
六、曲式的附属部分
第六节 曲式分析的步骤与曲式分析报告

第二章 一部曲式
第一节 概述
一、一部曲式与乐段基本特征
二、乐段的和声特征
第二节 乐段的内部结构
一、乐句
二、乐句的复杂化
三、乐节
四、乐汇
第三节 乐段的种类
一、由两个乐句构成的乐段
二、由三个乐句构成的乐段
三、由四个乐句构成的乐段
四、其他由单数乐句构成的乐段
五、复乐段
第四节 一部曲式分析实例
实例一 内蒙民歌《牧歌》
实例二 赵元任《卖布谣》
实例三 贺绿汀《清流》
实例四 肖邦《前奏曲》Op.28 NO.1
实例五 柴可夫斯基《俄罗斯教堂》
实例六 斯克里亚宾《前奏曲》Op.11 NO.4
分析曲目

第三章 单二部曲式
第一节 概述
第二节 单二部曲式各部分特征
一、单二部曲式的第一部分
二、有再现的单二部曲式的中间部分
三、有再现的单二部曲式的再现部分
四、没有再现的单二部曲式
五、单二部曲式的引子、尾声、反复
第三节 相似曲式结构的辨析
第四节 单二部曲式分析实例
实例一 舒曼《莲花》
实例二 意大利歌曲《啊，我的太阳》
实例三 贺绿汀《游击队歌》
实例四 巴托克《献给孩子们（二）》NO.3
实例五 贝多芬《钢琴奏鸣曲》Op.26第四乐章 （主部）
实例六 门德尔松《无词歌》第5首《焦虑》OP.19 NO.5
实例七 菲尔德《夜曲》
分析曲目

第四章 单三部曲式
第一节 概述
第二节 单三部曲式各部分特征
一、单三部曲式的第一部分
二、发展中部（引申型）
三、对比中部（并置型）
四、再现部（简单再现）
五、动力化再现
六、假再现部
七、单三部曲式的引子、尾声、反复
八、没有再现的单三部曲式
九、边缘曲式
第三节 相似曲式结构的辨析
一、与单二部曲式的辨析
二、镶边的单三部曲式
第四节 单三部曲式分析实例
实例一 郑秋枫《我爱你，中国》
实例二 杜鸣心《一个黑人姑娘在歌唱》
实例三 贺绿汀《牧童短笛》
实例四 丁善德儿童组曲《快乐的节日》之《跳绳》
实例五 舒曼《童年情趣》之七《梦幻曲》
实例六 门德尔松《无词歌》第27条（葬礼进行曲）Op.62 No.3
实例七 格里格《阿尼特拉舞曲》Op.46 No.3
实例八 柴可夫斯基《四季》之《十月——秋之歌》Op.37 No.10
分析曲目

第五章 复三部曲式
第一节 概述
第二节 复三部曲式各部分特征
一、复三部曲式的第一部分
二、三声中部
三、插部
四、再现部
五、复三部曲式的引子、尾声和连接
六、复三部曲式的变体——复三部-五部结构及双重复三部曲式
七、复杂化的复三部曲式
八、复二部曲式
第三节 相似曲式结构的辨析
第四节 复三部曲式分析实例
实例一 贝多芬《钢琴奏鸣曲（田园）》Op.28第二乐章
实例二 柴可夫斯基《四季》之《二月——狂欢节》Op.37 No.2
实例三 肖邦《c小调夜曲》Op.48 No.1
实例四 柴可夫斯基《四季》之《十一月——在马车上》Op.37 No.11
实例五 贝多芬《钢琴奏鸣曲》Op.7第二乐章
实例六 丁善德《儿童组曲》之《扑蝴蝶》
分析曲目

第六章 变奏曲式
第一节 概述
第二节 变奏曲式分类论述及各部分特征
一、固定低音变奏
二、固定高音旋律变奏
三、装饰性变奏
四、自由变奏
五、双主题变奏（二重变奏曲）
第三节 相似曲式结构的辨析
第四节 变奏曲式分析实例
实例一 阿连斯基《固定低音变奏曲》Op.5 No.5
实例二 亨德尔《帕萨卡里亚》
实例三 贝多芬《钢琴奏鸣曲（热情）》Op.57第二乐章
实例四 周广仁《陕北民歌主题变奏曲》
实例五 华彦钧曲储望华改编《二泉映月》
实例六 刘庄《沂蒙民歌变奏曲》
分析曲目

第七章 回旋曲式
第一节 概述
第二节 回旋曲式分类论述及各部分特征
一、古回旋曲式
二、简单回旋曲式
三、回旋曲式的进一步发展
第三节 相似曲式结构的辨析
一、与从插部开始的回旋曲式的辨析
二、与双重三部性曲式结构的辨析
三、与复三部曲式的辨析
第四节 回旋曲式分析实例
实例一 库普兰《蒙尼卡姐妹》
实例二 肖邦《钢琴前奏曲》Op.28 No.17
实例三 贝多芬《献给爱丽丝》
实例四 贝多芬《钢琴奏鸣曲（黎明）》Op.53第三乐章
实例五 勃拉姆斯《第二交响曲》Op.73第三乐章
实例六 莫扎特《A大调钢琴奏呜曲》K.331第三乐章《土耳其进行曲》
分析曲目

第八章 奏鸣曲式
第一节 概述
第二节 呈示部
一、主部
二、连接部
三、别部
四、结束部
第三节 展开部
一、引入部分
二、基本展开部分
三、再现部的准备部分
第四节 再现部
一、简单再现
二、动力化再现
第五节 引子与尾声
一、引子
二、尾声
第六节 奏鸣曲式的变体
一、没有展开部的奏鸣曲式
二、协奏曲中的奏呜曲式
三、古奏鸣曲式
第七节 相似曲式结构的辨析
第八节 奏鸣曲式分析实例
实例一 贝多芬《钢琴奏鸣曲（热情）》Op.57第一乐章
实例二 肖邦《bb小调钢琴奏鸣曲》Op.35第一乐章
实例三 贝多芬《钢琴奏鸣曲（暴风雨）》Op.31 No.2第二乐章
实例四 贝多芬《钢琴奏鸣曲》Op.90第一乐章
实例五 莫扎特《钢琴奏鸣曲》K.311第一乐章
分析曲目

第九章 回旋奏鸣曲式
第一节 概述
第二节 回旋奏鸣曲式各部分特征
一、呈示部
二、中间插部
三、再现部
四、尾声
第三节 相似曲式结构的辨析
一、与复三部曲式的辨析
二、与回旋曲式的辨析
三、与奏呜曲式的辨析
第四节 回旋奏鸣曲式分析实例
实例一 贝多芬《钢琴奏鸣曲（悲怆）》Op.13第三乐章
实例二 贝多芬《钢琴奏鸣曲》Op.90第二乐章
分析曲目

第十章 现代音乐作品分析方法（简介）
第一节 怀特“音乐分析”的基本原则
一、描述性分析的基本原则与方法
二、综合与结论
第二节 申克“音乐的结构与延长”
一、音乐的结构功能和延长功能
二、申克体系有关标记符号列表
三、分析方法与基本原则简介
第三节 波尔“十二音序列分析方法”
一、十二音序列的基本概念
二、十二音序列作品分析步骤
第四节 福特“无调性集合分析理论”
一、音级集合表
二、集合的基本型和标准序
三、音级集合分析方法的应用范围
参考书目
后记

前言/序言

精选书目简介：跨越时代的音乐探索 以下为您精选的几部与音乐领域相关，但内容上与《音乐作品曲式分析/21世纪高等院校音乐专业教材》无直接重叠的图书，旨在拓宽音乐学习者的视野，深入探讨音乐学、音乐史、音乐理论及应用实践的不同维度。 --- 一、 音乐史学与文化语境：《西方音乐史：从格里高利圣咏到20世纪》 作者： 伯恩斯坦（假设） 内容概述： 本书并非侧重于对具体作品的结构解剖，而是致力于构建一部宏大而精细的西方音乐发展史图景。它将音乐史的演进置于广阔的社会、哲学、宗教和技术变革的背景之下进行考察。 第一部分：中世纪与文艺复兴的奠基 开篇追溯了早期基督教音乐的起源，重点剖析了格里高利圣咏的单音音乐体系的形成、记谱法的演进（从纽姆到五线谱的转变）。随后深入文艺复兴时期，探讨了复调音乐的兴起，如奥兰多·迪·拉索和帕莱斯特里那等人的作品如何体现人文主义精神。重点分析了弥撒曲和经文歌在这一时期多声部织体构建中的复杂技巧，而非仅仅是分析其曲式结构。 第二部分：巴洛克时期的“激情说”与技术革命 详细阐述了巴洛克时期音乐如何从宗教束缚中解放出来，形成强烈的“激情说”（Doctrine of Affections）。本书深入剖析了歌剧这一新兴体裁的诞生与发展，包括蒙特威尔第对戏剧性音乐语言的探索。在器乐领域，对协奏曲（如维瓦尔第的快慢快结构）和赋格曲（巴赫的精妙对位）的分析，着重于其历史功能和风格特征，而非纯粹的结构划分。例如，对巴赫《平均律键盘曲集》的讨论，更侧重于“十二平均律”对音乐创作自由的解放意义。 第三部分：古典主义的清晰与完美 本章探讨了维也纳古典乐派的核心美学：平衡、清晰和比例。它详细分析了奏鸣曲式在海顿、莫扎特和贝多芬手中的完善过程，但分析角度是其作为一种“建筑原则”和“戏剧性陈述”的哲学基础，而非单纯的呈示部-发展部-再现部的套用。例如，对莫扎特交响曲的讨论，将关注点放在其对位技巧与主调写作的完美融合，以及其作品中蕴含的启蒙思想。 第四部分：浪漫主义的个体表达与民族色彩 浪漫主义部分占据了相当篇幅，探讨了音乐如何成为表达个人情感和民族精神的终极媒介。从舒伯特的艺术歌曲（Lied）的诗乐结合，到瓦格纳的“主导动机”与“无穷旋律”的革新，本书强调的是这些音乐语言如何服务于作曲家的主观叙事。对肖邦的夜曲和民族舞曲的分析，侧重于其体裁上的创新及其对听众情感的即时冲击力。 第五部分：20世纪的多元化与解构 最后一部分全面覆盖了印象派（德彪西）、表现主义（勋伯格的十二音体系）、新古典主义（斯特拉文斯基）以及后来的极简主义和电子音乐。本书在此强调的是作曲家如何系统性地打破了自巴洛克以来建立的调性传统，探索新的音响世界。例如，对勋伯格无调性音乐的探讨，将侧重于其构建的内在逻辑和对传统和声学的反叛。 本书特点： 结构宏大，史料丰富，着重于音乐在特定历史阶段所承载的文化使命与社会意义，是理解音乐“为何如此”的必备读物，而非“如何构建”的技法手册。 --- 二、 音乐与心灵科学：《听觉感知与音乐心理学》 作者： 艾伦·科恩（假设） 内容概述： 这部著作完全脱离了古典音乐作品的分析范畴，转而进入人脑处理声音和音乐信息的前沿领域。它是一本结合了认知神经科学、实验心理学与音乐理论基础的跨学科教材。 第一章：声音的物理学基础与听觉器官 首先，本书从声波的物理特性（频率、振幅、泛音结构）入手，详细解释了人耳（耳蜗、基底膜）如何将机械振动转化为神经电信号。重点讨论了听觉掩蔽效应（Auditory Masking）和声音的定位机制。 第二章：音高、音色与韵律的认知构建 本章探讨了“音高”这一主观体验是如何从客观的频率信息中被大脑分离和建构的。重点分析了时域理论和频率理论在解释人耳对不同频率的感知上的差异与互补。音色的感知涉及对泛音谱的复杂分析，揭示了为什么两个具有相同基频的乐器听起来截然不同。韵律（Rhythm）部分则深入研究了大脑对节拍和重音的预测机制，如对“潜在节拍”的追踪能力。 第三章：和声的心理基础 该部分挑战了传统和声学理论中关于“协和”与“不协和”的绝对划分。通过实验数据，本书解释了听众对和声的接受度与调性经验之间的关系。重点分析了模糊性容忍度在理解离调和弦时的作用，以及文化背景如何影响对特定音程（如增四度）的感知反应。 第四章：音乐记忆与情感唤醒 这是本书的核心部分之一。它区分了短期（工作）记忆和长期（程序性/陈述性）记忆在音乐处理中的作用。分析了为什么某些旋律（Hook）特别容易被记住，涉及大脑中的多巴胺回路和奖赏系统。情感部分，通过fMRI研究，探讨了音乐如何绕过语言中枢，直接激活杏仁核，引发愉悦、悲伤或期待等强烈情绪的神经生理学机制。 本书特点： 本书内容高度依赖实验数据和神经科学模型，旨在解释“为什么我们会对音乐做出反应”，以及音乐是如何被大脑编码和解码的，与传统曲式分析的“结构分析”截然不同。 --- 三、 音乐应用技术：《数字音频工作站（DAW）高级编程与合成技术》 作者： 莉莉安·王（假设） 内容概述： 本书是面向现代音乐制作人、音响工程师和电子音乐创作人的实用技术指南，完全侧重于声音的生成、处理和数字化再现，与传统乐谱分析无关。 第一部分：数字音频的理论基础与采样技术 详细解释了奈奎斯特-香农采样定理在数字音频中的应用，探讨了量化误差、抖动（Jitter）和抗混叠滤波器（Anti-aliasing Filter）的原理与实践。重点讲解了不同位深（如16位、24位）对动态范围和信噪比的影响。 第二部分：合成器原理与声音设计 本书深入剖析了不同类型的合成器技术： 1. 减法合成： 详细介绍了振荡器（Saw, Square, Sine波形）、滤波器（LPF, HPF, BPF）的截止频率和共振特性，以及LFO和Envelope如何调制声音参数以创造动态纹理。 2. 加法合成与波表合成： 探讨了如何通过叠加正弦波来精确构建复杂音色，以及波表（Wavetable）技术在现代音乐（如Trance, Dubstep）中制造复杂扫频效果的应用。 3. 颗粒合成（Granular Synthesis）： 讲解了如何将声音分解为微小的“颗粒”，并通过改变颗粒的密度、长度和包络来创造“云状”或“碎片化”的音响景观。 第三部分：效果器链与空间处理 涵盖了数字混音台中的核心处理工具。重点分析了动态处理器（压缩器、限制器、门限器）的攻击、释放、阈值参数对瞬态信号塑造的作用。在空间效果方面，详细讨论了卷积混响（Convolution Reverb）如何通过脉冲响应（Impulse Response）技术模拟真实空间声学特性，以及延迟（Delay）和调制效果（Chorus, Flanger）在立体声声场构建中的应用。 第四部分：MIDI协议与模块化编程（Max/MSP或Pure Data基础） 最后一部分介绍了控制层面，讲解MIDI信息的结构、通道化和事件处理。更进一步，通过示例代码或模块化界面，指导读者如何使用可视化编程环境（如Max/MSP）来构建自定义的音序器、调制源或交互式音响装置，实现对声音参数的实时、非线性控制。 本书特点： 是一本高度技术性、面向实践操作的指南，核心在于“如何用工具创造声音”，而不是分析既有作品的结构。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我对曲式分析这个概念，既熟悉又有些畏惧。熟悉是因为在音乐学习的道路上，曲式始终是一个绕不开的话题；畏惧则是因为很多时候，曲式分析显得过于枯燥和机械，仿佛是在拆解一个精密的钟表，却失去了它走时报点的灵动。这本书《音乐作品曲式分析/21世纪高等院校音乐专业教材》的名字，让我觉得它可能是在尝试解决我这种困扰。我期待它能够像一位技艺精湛的向导，带领我穿越错综复杂的音乐结构，去感受作品的呼吸与脉搏。我希望书中不仅仅是罗列曲式名称和结构图，更能深入探讨曲式是如何服务于音乐情感的表达，如何塑造作品的戏剧性，以及如何影响听众的心理体验。作为一本“21世纪”的教材，它更需要具备前瞻性，去关注当代音乐的特点。我很好奇，它会如何处理那些模糊了界限、打破了传统的大型作品？是否会提出新的分析模型？我希望能看到那些既经典又现代的例证，让我能感受到曲式分析的魅力，并从中获得启发，无论是对于我的学习还是未来的创作，都能有实质性的帮助。

评分☆☆☆☆☆

拿到这本书，我第一时间就想到了我大学时期学习曲式的经历。那时候，曲式分析对我来说就像是一门“解剖学”，学的是结构，是形式，但往往忽略了音乐本身的生命力和情感张力。这本书的书名《音乐作品曲式分析/21世纪高等院校音乐专业教材》，让我看到了一种可能性，它似乎在尝试弥合理论与艺术之间的鸿沟。我希望这本书不仅仅是讲解“是什么”，更能解答“为什么”。为什么某个作品会采用这样的曲式？这种曲式如何服务于作曲家的创作意图？又是如何影响听众的感知体验？我尤其关心书中对“21世纪”音乐的解读。我们所处的时代，音乐的边界越来越模糊，跨界融合、电子音乐、算法生成等都对传统的曲式概念提出了挑战。这本书能否提供一些新的分析工具和理论框架，来帮助我们理解这些新的音乐形态？我希望它不是一本陈旧的理论堆砌，而是一本能够激发思考、引导创新的教材。我期待它能让我从一个“解剖者”变成一个“鉴赏者”，甚至是一个“参与者”，在理解作品的同时，也能激发自己的创作灵感。

评分☆☆☆☆☆

当我第一次翻开这本书，就被它扑面而来的专业气息所吸引。书的装帧简洁大方，内容排版也十分清晰，这在我眼中是专业教材的基本素养。我迫不及待地想知道它在“曲式分析”这个核心内容上，究竟有什么独到之处。我的理解是，曲式分析不仅仅是找出乐句、乐段、呈示部、发展部、再现部这些框架，更重要的是理解这些框架是如何构建情感、如何推进音乐叙事的。我希望这本书能提供一套系统而又灵活的分析方法论，而不是死板的套路。例如，对于赋格、奏鸣曲式、变奏曲式这类经典曲式，我希望它能有深入浅出的讲解，并且辅以大量高质量的音乐范例，最好是包含不同时期、不同风格的代表性作品。同时，作为一个“21世纪高等院校音乐专业教材”，它必须关注当代音乐的曲式特点。我很好奇，它会如何解读那些打破传统界限、融合多种音乐语言的当代作品？是会引入新的曲式类型，还是会在原有框架上进行拓展和创新？我非常期待它能为我们这些未来的音乐人打开一扇新的大门，让我们能够更自信、更深入地去理解和创作当代的音乐。

评分☆☆☆☆☆

我一直认为，音乐作品的曲式是其内在逻辑和生命力的体现，而学习曲式分析，就像是掌握了阅读音乐的密码。这本书《音乐作品曲式分析/21世纪高等院校音乐专业教材》光从名字上就给我的感觉是非常扎实和前沿的。作为一名音乐专业的学生，我对“高等院校音乐专业教材”这几个字尤为看重，它意味着这本书的内容会比较系统、专业，并且符合教学的规范。我希望它能像一本权威的工具书，为我们提供一个清晰、严谨的曲式分析框架。例如，对于各种常见的曲式类型，我希望书中能有详尽的定义、特征、发展演变以及不同时期作曲家是如何运用这些曲式的。但更重要的是，我期待它在“21世纪”的语境下，能有更具时代感的解读。当下，音乐创作的边界越来越宽泛，电子音乐、跨界融合等层出不穷，传统的曲式分析方法是否还能完全适用？这本书能否提出一些新的分析思路，帮助我们理解和应对这些新的音乐现象？我希望它能引领我们去探索和发现，而不仅仅是重复前人的结论。

评分☆☆☆☆☆

这本书的书名就足够吸引我了，《音乐作品曲式分析/21世纪高等院校音乐专业教材》。作为一名在音乐学院学习多年的学生，我一直觉得曲式分析是理解音乐、深入挖掘作品内涵的关键。市面上关于曲式的书籍并不少，但很多要么过于晦涩，要么过于浅显，难以满足我们专业学习的需求。这本书的标题就传达了一种既有理论深度又不失教学实用性的信息，这让我对它充满了期待。我希望它能像一位经验丰富的导师，循循善诱地引导我走进音乐作品的骨骼与血肉，让我不再是被动地聆听，而是能主动地去“读懂”音乐。我尤其关心这本书在处理21世纪的音乐作品时，是否能提供新的视角和分析方法，毕竟我们所处的时代，音乐的面貌已经发生了翻天覆地的变化。它能否帮助我们理解那些更具实验性、更模糊界限的现代音乐的结构？这对我来说至关重要。我还在思考，书中会如何平衡宏观的曲式框架与微观的动机发展之间的关系，以及如何将这些抽象的理论概念与实际的音乐作品进行生动有效的结合，希望能看到很多经典和现代的例证，让我能够触类旁通，举一反三。

评分☆☆☆☆☆

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