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张重辉，郭义江，黄琦 编

图书标签:

• 声乐
• 基础
• 教程
• 音乐
• 艺术
• 教育
• 学习
• 演唱
• 技巧
• 入门
• 专业

出版社： 浙江大学出版社

ISBN：9787308033268

版次：1

商品编码：11350152

包装：平装

开本：16开

出版时间：2003-06-01

用纸：胶版纸

页数：317

字数：525000

正文语种：中文

内容简介

　　《声乐基础通用教程》为高校声乐基础通用教程。分上下两编。共十一章，分别介绍歌唱艺术的基础知识、发声器官的生理基础、呼吸与训练、共鸣与训练、发声与技术训练、语言与训练、艺术歌唱的三种唱法概述、艺术表现、合唱知识、嗓音卫生与保健、意大利语语音等。

内页插图

目录

上编 声乐基础
第一章 歌唱艺术的基本知识
一、歌唱是一门艺术，也是一门科学
二、歌唱的心理要素
三、正确的姿势是科学发声的基础
四、人声的分类与声部划分
第二章 歌唱发声器官的生理基础
一、歌唱的呼吸器官
二、歌唱的发声器官
三、歌唱的共鸣器官
四、歌唱的语言器官
五、歌唱的听觉感受器官
第三章 歌唱的呼吸与训练
一、歌唱呼吸的几种类型
二、呼吸练习
第四章 歌唱的共鸣与训练
一、胸腔共鸣的练习
二、咽腔共鸣的练习
三、头腔共鸣的练习
第五章 歌唱的发声与技术训练
一、歌唱时的喉咙与声带
二、如何扩展音域与统一声区
三、歌唱训练中注意力的转移
第六章 歌唱的语言与训练
一、汉字语音结构及拼合规律
二、歌唱咬字吐字的规律
三、歌唱中的“字正腔圆”
四、结合歌唱语言的绕口令练习
第七章 艺术歌唱的三种唱法概述
一、美声唱法
二、民族唱法
三、通俗唱法
第八章 歌唱的艺术表现
一、正确地解析作品
二、歌唱的艺术表演与表现
第九章 合唱知识
一、合唱艺术的特点
二、合唱的形式和种类
三、合唱队队形排列
四、合唱的统一与协调
五、合唱指挥的常见图式
第十章 嗓音的卫生与保健
一、发声方法不当对嗓音的危害
二、过度用嗓对嗓音的危害
三、健康的身体是歌唱的必备条件
四、影响嗓音的常见疾病与治疗
第十一章 意大利语语音
一、元音
二、辅音
三、音节
四、发音练习

下编 声乐训练常用曲目选
第一辑 美声歌曲
一、中国歌曲
1．踏雪寻梅
2．五月的风
3．秋水伊人
4．运河之歌
5．我等你到天明
6．牧歌
7．何年何日再相逢
8．最后一个梦
……
后记
主要参考文献

精彩书摘

　　第一章 歌唱艺术的基本知识
　　一、歌唱是一门艺术，也是一门科学
　　歌唱是以人体为奇妙的乐器，通过音乐和语言传递信息、表现人性、抒发感情、引起听众共鸣的一门艺术。在绚丽多彩的音乐世界里，歌唱是人类最早诞生的一门艺术，是人类历史长河中一颗璀璨的明珠，始终伴随着人类的一切生活。
　　漫长的岁月给歌唱这一古老而悠远的艺术形式注入了深刻的内涵。人类最初自发的歌唱已为更高形式的自觉歌唱所代替，并逐渐发展成为复杂、高超的歌唱技能，成为运用艺术化的歌唱语言和科学化的歌唱技能、塑造鲜明生动的音乐形象、表达人们丰富的思想感情的极富表现力的一门声乐艺术。从铿锵有力的劳动号子到雄壮豪迈的进行曲，从感人至深的爱情歌曲到庄严肃穆的众赞歌，从浩如烟海、丰富多彩的中外民歌到规模宏大、深刻壮丽的歌剧、交响合唱，歌唱以它独特的表现形式，凝聚着历史的画卷，展示着人类的精神风貌，产生着震撼人心的艺术魅力，成为人类精神生活中不可缺少的一个部分。
　　歌唱不同于其他艺术，它是寓声以画的时间艺术，是音乐化的语言艺术，更是高效而微妙的情感艺术与表演艺术。它集文学、音乐、形体、表演于一体，通过演唱的声腔美、声乐器乐的音色美、曲作的旋律美、词章的语言美、形体的动作美，通过充满生气的内在意蕴、丰富的想像力和深刻的感情体验来传声、传情、传神、传意，与听众达到共鸣。因此在对歌唱思想内容的表现理解，歌唱意境的创造和语言韵律、风格的把握等方面，体现出强烈的艺术性。
　　然而，美妙动情的歌声必须经过严格合理的科学训练才能获得。歌唱的本身就是由发声、用气、咬字、共鸣等组成的微观的系统工程，有其严格的科学性，它涉及到社会学、心理学、生理学、物理学、语言学、音响学、美学等诸多领域。如何以科学的态度来塑造歌唱乐器、使用歌唱乐器，成为千百年来歌唱者们所共同追求的目标。
　　早在公元4世纪，圣西尔维斯特（St．Sylvestcr）教皇在罗马创建了第一所圣咏学校，开始了对歌唱的正规训练。13世纪意大利有了专门培养声乐人才的学院派的声乐教学。18世纪末巴黎创办了欧洲第一所正规的音乐学院。学院化的声乐教学大大推动了声乐学科的发展，世界上相继出现了“意大利美声学派”、“保加利亚声乐学派”、“俄罗斯声乐学派”等。1854年西班牙的加尔西亚发明了喉头反射镜，通过活的实例来观察发声过程，开创了喉科医学的新纪元，成为世界上第一个对歌唱发声作出科学解释的声乐教育家。此后，世界歌唱领域涌现了一大批伟大的声乐教育家、声乐科学家：意大利的兰培尔蒂、吉诺．贝吉，法国的都普列、斯布里里尔和布伊，英国的威廉．莎士比亚，德国的莉丽．列曼，中国的林俊卿、沈湘、周小燕等，他们在声乐艺术理论和声乐艺术实践方面做了大量的具有开创性的学术研究，并通过各阶段的探索和实践，在声乐教学方法上创立了一整套较为可靠的卓有成效的科学理论，对声乐科学的发展作出了重大贡献。
　　随着现代科学技术的突飞猛进，声乐学科的理论研究将更深入地发展，歌唱者将在科学发声方法和理论的指导下，减少盲目性，更好、更有效地发展歌唱事业。
　　二、歌唱的心理要素
　　歌唱是一个整体的运动，与歌唱有关的各部分器官之间的协调性、平衡性、自然性与灵活性，都是通过人的高级神经系统的控制和指挥来达到的。一些歌唱者在演唱过程中，由于心理压力太大而缺乏自信：过于紧张，致使发声肌体僵硬，呼吸失去平衡’失去自控能力’不能轻松自如地去歌唱。因此，提高发声肌体与大脑神经之间密切配合与统一协调的能力，培养、建立良好的歌唱心理状态和心理意识，是歌唱活动得以正常开展的前提。我国著名的声乐教育家沈湘教授在他声乐教学体系的“歌唱要素的主被动论’’中，将心理感觉、形象思维放在歌唱发声过程中的主动、主导的首要地位，其他有关的生理要素如呼吸、语言、共鸣等，则处于被动的从属地位。
　　良好的心理状态和心理意识可以从以下几个方面来体现。
　　（一）轻松自然、乐观自信的心态
　　任何一门艺术都强调“松”和“通”，歌唱也不例外。演唱者只有保持轻松自然、乐观自信的心态和意识，才能放松，并使身体各部位的歌唱器官积极运转、相互平衡，才能让气息顺畅地流动，产生积极的动力，从而使声音达到最好的贯通，从低到高，音色统一，转换自如，犹如山泉瀑布一泻千里又源源不断。从歌唱的意义来说，自然放松是一种美妙、轻盈、自在的安适状态’一旦歌唱进入了整体的良性循环，歌唱中的许多难题往往会迎刃而解。
　　在第工7届世界杯足球赛中，人们以最大的兴趣和热情来评论塞内加尔足球队——一匹最牛的黑马，认为它的队员们具有特定的素质，他们带着游戏精神和随意平和的心态，没有豪言壮语，没有豪迈的姿势，却以最不可思议的力量完成了对对手的“绝杀”。歌唱与体育运动一样，只有消除杂念和干扰，才能从精神到肌体都非常振奋地投入，才能快乐地呼吸、快乐地歌唱’才能创造出美妙的歌唱意境。正如意大利著名的歌唱家卡鲁索所认为的，歌唱是一种乐趣，而不是为了追求某种效果而作的技术挣扎。卡鲁索在歌唱时听从心灵的支配超过技巧对他的影响，他的感情是他歌唱中惟一的导师。
　　当然，良好的心理状态和歌唱意识并不能代替声乐技巧，只是会对声乐技巧的掌握和发挥起到意想不到的促进作用，同时也是和声乐技巧相辅相成的。俗话说“艺高人胆大”，歌唱基本功越扎实，唱法越具科学性，歌唱者就越自信、自如。总之，只有歌唱者的幸福、感动与快乐，才能创浩出美妙感人的艺术。
　　……

前言/序言

好的，这是一本关于高级和声分析与创作实践的专业教材的详细简介。 --- 《十二音体系的逻辑与巴赫赋格的结构精解》 一部面向二十一世纪作曲家与理论家的深度工具书 本书定位： 本书并非基础乐理或声乐技能的入门读物，而是专为具备扎实传统和声基础，并渴望深入探索二十世纪及当代音乐语言、精通复杂复调织体构建的音乐专业人士、作曲系学生以及高级音乐理论研究者量身打造的深度教程。它聚焦于超越传统大小调体系的音乐逻辑，并以严谨的分析方法解构了西方音乐史上复调艺术的巅峰之作。 核心理念： 本书的核心在于搭建一座桥梁，连接十八世纪的精湛对位技艺与二十世纪初兴起的序列主义思想。我们认为，理解和声的本质，必须穿透功能和声的表象，直抵音高集合的内在数学结构，并将其与对位法的线性逻辑相结合。 --- 第一部分：十二音体系的数学基础与操作规范（Atonal Logic & Serialism） 本部分彻底解构了阿诺德·勋伯格开创的十二音体系（Dodecaphony），并将其视为一种严谨的音高组织法，而非仅仅是“无调性”的代名词。 第一章：音高集合论的引入与预备知识 超越功能和声： 简要回顾功能和声的局限性，引出音高集合（Pitch Class Set Theory）作为分析十二音作品的必要工具。 集合的定义与标记： 详细介绍集合的构成、转置（T）与回转（I）操作。重点解析最大不相交集合（Maximal Even Sets）的结构及其在构建不协和音响中的作用。 集合的等价关系： 深入分析集合的区组（Prime Form），这是识别和比较不同音高集合的客观标准。通过实例展示如何快速确定任意一组音高的区组形式。 第二章：十二音序列的构建与矩阵分析 序列的生成机制： 详细剖析基础序列（Prime Row）的选择原则，以及如何通过系统的转置和回转，生成全部十二个基本形式（P, I, R, RI）。 序列的组合与变换： 讲解序列矩阵（Serial Matrix）的完整构建方法，并教授如何利用矩阵快速查找特定组合关系下的音高材料。 特例分析：偏心序列与对称序列： 深入研究那些具有内部对称性或重复模式的序列，例如“全音阶序列”或“三组音序列”，理解它们如何限制作曲家的选择并导向特定的音响效果。 三和弦与序列的耦合： 讨论如何在序列内部发现和利用潜在的三和弦结构（如全音音阶或减七和弦），这是从无调性向有调性边缘渗透的关键技巧。 第三章：序列的扩展——序列主义的深化 多序列组织： 探索同时使用多个序列（如双序列、交叉序列）的技术，以及如何通过音高资源分配实现织体上的平衡。 节奏与力度序列化： 将音高组织的概念扩展到节奏、力度、音色维度，介绍米尔顿·艾伦和布列兹等作曲家在总体序列主义（Total Serialism）实践中的尝试与遇到的挑战。 --- 第二部分：巴赫赋格的结构精解与现代对位法的回归（Fugue Mastery & Modern Counterpoint） 本部分将时间倒转，以高度分析性的视角，解构巴赫《平均律键盘曲集》中的赋格曲，并提炼出可应用于现代创作的对位原则。 第四章：赋格曲的DNA——主题、动机构与呈示部 主题的内在逻辑： 不仅分析主题的音高轮廓，更关注其内在的音程关系和节奏型，探究如何通过微小的动机变化驱动整个作品的展开。 呈示部的深度解析： 详细拆解主部、应答（Answer）的类型（移位应答、移调应答），重点分析调性连接（Tonal Linkage）的微妙处理——尤其是在非功能性调性关系中如何维持音乐的连贯性。 对位法则的量化： 区别传统教科书中过于简化的“禁例”，结合实际作品，量化分析平行八度/五度的“可接受”范围，以及如何通过插入经过音或隐藏平行关系来规避结构上的僵硬。 第五章：中部与自由展开段的织体策略 间奏与连接的艺术： 重点分析巴赫如何利用主题的动机片段（Episodic Material）来连接主要声部的回归，这些片段如何既独立于主题又暗含主题的基因。 多主题赋格的张力控制： 深入分析双赋格、三赋格的声部进入顺序、主题的交织方式（Stretto）的节奏错位设计，以及如何平衡织体密度与清晰度。 “秘密”的技巧： 揭示一些常被忽略的精妙处理，例如：主题在不同声部间的音域变化、主题逆行（Inversion）的运用时机，以及如何利用反向对位法（Invertible Counterpoint）创造意想不到的声部关系。 第六章：从巴赫到当代：对位法的结构复兴 非调性对位学的尝试： 将巴赫的对位原则（如严格模仿、模仿节奏）应用于无调性或十二音材料。探讨在缺乏明确调性导向时，如何使用音程关系和节奏一致性来确保声部间的独立性与相互关联性。 复调与序列的融合实践： 提供具体的作曲练习，要求学生使用预先确定的十二音序列作为声部材料，按照赋格的原则（如进入、交织、终止）进行创作，从而创造出具有严谨结构但音响陌生的现代复调作品。 --- 本书特色与读者收益 1. 双轨制教学法： 将二十世纪最严谨的音高组织法与十八世纪最精湛的对位技艺并置分析，使读者理解“结构”是贯穿音乐史的核心。 2. 极高的实践导向性： 每一章后都附有针对性的技术练习和分析任务，鼓励读者直接将理论应用于自己的创作实践。 3. 严谨的分析工具： 提供了处理复杂音高材料的数学工具（集合论），帮助读者“看见”作品的底层架构，而非仅仅依赖听觉感受。 4. 深度而非广度： 本书不涉及基础的音阶、和弦识别，或简单的声部写作规则，它专注于结构性挑战，是音乐教育进阶阶段的必备参考。 目标读者： 音乐学院作曲、理论、音乐学专业高年级及研究生；专业指挥家、演奏家（尤其对现代室内乐和巴洛克音乐有深入研究需求者）；以及对音乐结构分析有强烈求知欲的业余研究者。

评分☆☆☆☆☆

我是一名音乐专业的学生，在学习过程中接触过不少声乐教材。坦白说，大部分教材都偏向理论，而实践性稍显不足。《声乐基础通用教程》的出现，无疑填补了这一空白。它在理论阐述清晰到位的同时，更注重将理论与实践相结合。书中大量的练习曲目和示范音频，为我们提供了绝佳的实践平台。我特别喜欢它关于“声音的色彩”这一部分的讲解，它并没有简单地停留在“明亮”、“暗淡”等笼统的描述，而是深入分析了不同发声技巧如何影响声音的色彩，以及如何在不同风格的歌曲中运用这些色彩。而且，书中对于“乐句的处理”和“情感的塑造”也给予了足够的重视，这对于我们提升演唱的艺术感染力非常有帮助。我尝试着运用书中的方法去分析和处理一些艺术歌曲，明显感觉自己的演唱更加细腻和富有表现力。这本书就像一位经验丰富的指导者，不仅传授我们技艺，更引导我们去理解音乐的内涵。

评分☆☆☆☆☆

我平时对音乐一直保持着一种“远观”的态度，总觉得声乐是一门高深的学问，离我遥不可及。偶然间看到了这本《声乐基础通用教程》，抱着试试看的心态买了回来。没想到，它彻底颠覆了我之前的认知。书中并没有一开始就讲那些让人头疼的乐理知识，而是从最简单、最直观的发声练习开始。它强调了“用耳朵去听”、“用心去感受”，这一点对我这个“门外汉”来说尤其重要。书中的插图和图表也非常生动形象，帮助我理解了许多抽象的概念，比如声带的运动方式、共鸣腔体的作用等等。我印象最深的是关于“咬字”的讲解，书中列举了大量不同声母和韵母的发声要领，并提供了很多有趣的练习，让我不再觉得唱歌吐字不清是一个无法克服的难题。通过这些练习，我开始更加关注自己的声音细节，也更能体会到唱歌时咬字清晰带来的愉悦感。这本书让我意识到，声乐并非高不可攀，而是每个人都可以通过努力去实现的艺术。

评分☆☆☆☆☆

这本《声乐基础通用教程》真是出乎我意料地惊喜！我一直对唱歌怀有浓厚的兴趣，但苦于没有系统的指导，总觉得自己的声音不够有穿透力，气息也不够稳定。拿到这本书后，我迫不及待地翻阅起来。书中的内容详实，从最基础的发声原理到气息的控制，再到音域的拓展和情感的表达，都做了非常细致的讲解。我尤其喜欢它在讲解每个技巧时，都配有大量的练习方法和示范，这让我能够一步步地去模仿和实践。比如，关于气息训练的部分，书中详细介绍了胸腹式联合呼吸法，并提供了多种循序渐进的练习，让我能够清晰地感受到气息的流动和支撑。而且，它没有使用过于晦涩的专业术语，而是用一种非常易于理解的语言来阐述，即使是没有声乐基础的人也能轻松上手。我尝试着按照书中的方法练习了一段时间，明显感觉自己的声音变得更加饱满，唱歌时也不再容易疲惫，这让我非常兴奋。这本书就像一位循循善诱的老师，耐心地引导我一步步探索声音的可能性。

评分☆☆☆☆☆

我之前一直觉得自己的嗓子“天生不适合唱歌”，声音粗糙、高音上不去，低音又没法控制。偶然间朋友推荐了这本《声乐基础通用教程》，我抱着试试看的心态买下了。这本书真的太适合我这种“半路出家”的人了！它没有让我去背诵枯燥的乐理知识，而是从最基础的“唱歌前的准备”就开始讲起，比如如何放松身体、如何调整呼吸。书中关于“找到自己的声音”这一章节，给我留下了深刻的印象。它通过一些简单易懂的比喻，让我理解了声带的运作原理，以及如何通过调整口腔的形状来改变音色。我尝试着书中介绍的“哼鸣练习”，感觉自己的声音真的变得柔和了许多，而且高音也不再那么费力。更重要的是，这本书让我明白了，唱歌并不是靠嗓子“喊”，而是靠身体的整体协调和气息的支撑。我感觉我找到了一种与自己声音相处的新方式，也对未来继续学习声乐充满了信心。

评分☆☆☆☆☆

作为一名声乐爱好者，我阅读过不少相关的书籍，但《声乐基础通用教程》依然给了我耳目一新的感觉。这本书最大的优点在于它的“通用性”和“实践性”。它不像某些教材那样过于局限于某种特定的风格或流派，而是从最根本的声乐技术入手，能够适用于各种唱法的学习者。书中对于声乐技巧的讲解，非常注重科学性和系统性，比如在讲解音准训练时，它不仅提出了多种方法，还深入分析了造成音准问题的可能原因，并给出了针对性的解决方案。我特别欣赏它在处理“声音的连接”这一环节的细致入微，书中详细阐述了如何平滑地连接不同音高，避免声音的断层或破裂，这对于提高演唱的流畅度和表现力至关重要。另外，这本书还提供了许多关于舞台表演和情感投入的建议，这让我认识到，声乐不仅仅是技巧的比拼，更是情感的传递。我感觉这本书就像一个全能的指导手册，涵盖了从技术到艺术的方方面面。

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