京剧老生流派综说（精） pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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吴小如 著

图书标签:

• 京剧
• 老生
• 戏曲
• 传统艺术
• 文化
• 艺术
• 表演
• 戏曲理论
• 京剧艺术
• 中国戏曲

出版社： 中华书局

ISBN：9787101102048

版次：1

商品编码：11509816

品牌：中华书局

包装：平装

开本：32开

出版时间：2014-06-01

用纸：胶版纸

页数：282

字数：195000

内容简介

　　一个艺术流派的形成绝对不是偶然的。这一流派的创始人在艺术实践上必有突出的成就，而且必须久经考验，才能博得广大观众的称誉和信任。至于一个演员，选择某一艺术流派做为学习摹仿的对象，则有各种不同的主客观因素。首先，他（她）必须对所学习摹仿的对象抱有极崇敬的心情和由衷的热爱，认为确是自己学习模拟的榜样。我从童年开始学戏，并不专唱武生，更不只宗杨派。可是落叶归根，我唱武生戏最终以杨派为依归。这是因为杨小楼先生的艺术成就实在高，我从心眼儿里感到钦佩，甚至十分崇拜他。当然，与此同时，还要考虑个人条件。我在中华戏校学戏时曾跟很多名师学过老生、靠背老生、武老生、小生，甚至还从文亮臣老师学过老旦；而且我所学的这几行的戏都正式登台演出过。可是自问条件都不够适合，只好放弃。我有个不成熟的看法，即学习摹仿某一艺术流派绝对不宜赶时髦、随潮流，认为当前某派最流行，“票房价值”较高，“普及”面较广，就不顾主客观条件去硬学。这样不能算做一个忠于艺术、为艺术献身的好演员。

内页插图

目录

一 说谭派形成以前和与谭派同时形成的老生流派二 说谭派三 说余派四 说余派补附录二五 说言派六 说言派补七 说高派八 说马派附录二九 说麒派十 综说之综说附记校后附记再版附记

前言/序言

舞台光影的另一侧：探寻中国戏曲的流变与传承 内容提要： 本书并非聚焦于京剧舞台上气宇轩昂的老生形象，而是将目光投向更广阔的中国戏曲世界。它深入剖析了不同剧种在历史长河中的分化与融合，描绘了一幅流光溢彩的中国戏曲全景图。从南方的昆曲婉约到北方的梆子雄浑，从地方声腔的独特韵味到行当体系的微妙差异，本书致力于展现中国戏曲作为一门综合性艺术的博大精深与历久弥新的生命力。全书结构严谨，论述详实，力求为戏曲研究者、爱好者以及对中国传统文化感兴趣的读者提供一份兼具学术深度与可读性的参阅指南。 --- 第一章：声腔的地理学：地域剧种的生态位与形成 中国戏曲的版图，如同五彩斑斓的织锦，由无数地方声腔交织而成。本章首先摒弃“一统江湖”的单一叙事，转而采用“地理学”的视角，探讨不同地域文化如何塑造了独有的戏曲生态。 我们首先考察以昆山为代表的文人戏体系。昆曲，被誉为“百戏之祖”，其音乐的精致、曲牌的繁复以及表演的写意，无不体现出明清士大夫阶层的审美趣味。本书将详细梳理昆曲“水磨腔”的声乐特性，分析其在江南园林和文人雅集中的生存环境，并追溯其声腔结构如何受到当时词曲格律的深刻影响。对比之下，我们转向黄河流域的梆子系统，如秦腔、梆子腔的“一音多韵”现象。秦腔的粗犷、高亢，被视为关中地域性格的直接投射，其板式结构和情绪表达方式，与昆曲的细腻形成鲜明对比。本书将通过音乐文本的对比分析，阐释地理环境（如气候、方言特点）如何直接作用于声带的运用和腔调的塑形。 此外，本章亦关注中南地区的声腔演变，如粤剧、川剧等。这些剧种在吸收外来元素和本土民歌的过程中，展现出极强的生命力与融合性。我们探讨粤剧“子喉”与“平喉”的转换艺术，以及川剧“变脸”、“吐火”等绝技背后的民间信仰与技艺传承。通过对这些差异性的深入剖析，读者将能理解，中国戏曲的活力恰恰来源于其地域间的“不平衡发展”与相互滋养。 第二章：行当的“非中心”视野：从脸谱到身段的多元解读 在传统的戏曲研究中，往往容易聚焦于标志性的四大行当——生、旦、净、丑。本书则致力于拓宽“行当”的界限，探索那些在主流叙事中略显边缘，却对艺术生态至关重要的其他表演类型。 旦角群像的深度考察： 我们将深入分析青衣、花旦、武旦、老旦之外，如彩旦、泼皮旦等更为细碎的行当特征。例如，在某些地方戏中，对“丑角”的定义远超辅助和滑稽，部分丑角承担了叙事、评论甚至类似“说书人”的功能。本书将通过具体剧目中这些非主流旦角的唱做念打，解析其在戏曲结构中的功能性意义，而非仅仅作为对主角的陪衬。 武戏与“武生”的再定义： 本章专门辟出篇幅探讨“武”的哲学。武戏不仅仅是技巧的展示，更是人物意志力的具象化。我们比较了京剧武生、川剧武丑（如“猴戏”）在身段设计上的核心差异，强调了对武术套路（如南拳、北腿）的吸收与程式化改造过程。这里的重点在于，武戏中的“程式化”如何既保留了动作的力度和真实感，又使其升华为一种高度凝练的舞台符号。 第三章：跨界与融合：声腔体系的相互渗透与创新 中国戏曲的发展史，本质上是一部不断“借用”和“融合”的历史。本章聚焦于不同声腔体系在历史演进中发生的“化学反应”。 “京津演化”的反向追溯： 尽管京剧是集大成者，但本书将视角反置，考察在京剧成熟后，地方声腔是如何“反向吸收”京剧的优点，实现自身体系的现代化和规范化。例如，徽班进京后，其声腔如何被改造以适应北方观众的审美，以及这种改造如何反过来影响了周边剧种的声腔走向。我们分析了在二十世纪初，传统剧种在面临西风东渐与“新剧”冲击时，所做的适应性调整——这往往是通过引入他剧的“腔调”或“板式”来实现的。 “音乐化”与“戏剧化”的张力： 戏曲的每一次革新，都伴随着音乐与剧情表现力之间的权衡。本章探讨了某些剧种（如高腔）对音乐纯粹性的坚持与另一些剧种（如湘剧）对情节冲突和情感爆发力的强调之间的矛盾与统一。通过具体剧目的音乐结构分析，揭示这些剧种在保持自身核心魅力的同时，如何通过借鉴其他剧种的优点来增强观众缘和叙事效率。 第四章：舞台的语境：服饰、道具与非语言符号的解读 戏曲是一种高度符号化的艺术，其舞台呈现远超乎文字叙事本身。本章将深入探讨服饰、脸谱、乃至舞台调度等非语言符号体系，展示它们如何共同构建起一个自洽的、意义丰富的舞台宇宙。 色彩的等级与象征： 本章将详述戏曲服饰中色彩的严格规定性。例如，不同等级的官服、不同身份的武将所穿戴的盔甲、靠旗的形制差异，绝非随性而为，而是承载着森严的社会等级信息。我们还将探讨“靠子”和“水袖”等道具在表达人物情绪（如愤怒、犹豫、踌躇）时的程式化动作语汇。 程式化动作的生成逻辑： 程式化是戏曲美学的核心，但其背后的逻辑常被简化。本书追溯了从民间祭祀、武术训练中汲取养分的动作，如何被提炼、简化，最终成为舞台上的标准动作。例如，表现“走边”、“上马”等动作，其背后蕴含的身体训练体系，是理解戏曲美学的关键所在。 第五章：遗产与未来：地方戏曲的当代困境与传承路径 在当代文化语境下，许多地方剧种面临着观众流失、人才断层和现代化传播的挑战。本章旨在探讨这些古老艺术形式的当代生命力。 保护与创新： 本章分析了当下地方戏曲在保护传统精髓与适应现代审美需求之间所做的努力。我们对比了不同剧种在数字化记录、多媒体应用以及与现代舞、音乐剧进行交流时的策略差异。这种探讨并非提供标准答案，而是呈现出多样化的“求生”模式。 人才的断层与再培养： 戏曲艺术对演员的基本功要求极高，需要长期的科班训练。本章讨论了如何在当代教育体系中，重新构建一套既能保证传统技艺的完整性，又能培养具备跨界思维的艺术人才的机制。 结语： 本书旨在提供一个宏大而细致的参照系，让读者得以从京剧老生的特定光环中抽离出来，以更广阔的视野，去欣赏和理解中国戏曲这一活态文化遗产的整体面貌与内在脉络。它关乎历史的回响，更关乎一种独特的东方美学在当代的回响。

评分☆☆☆☆☆

这本书的价值，我认为在于它提供了一个高屋建瓴的视角，去审视京剧老生行当如何在历史的洪流中保持其自身的独立性和魅力。它不仅仅是对若干位大师的简单传记式介绍，更是在探讨一种“审美范式”是如何被确立、被继承、又如何在时代更迭中悄然生变的。我个人非常欣赏作者在行文中流露出的那种对“审美高度”的执着追求，这使得这本书的论述超越了单纯的技艺层面，上升到了对中国传统表演美学的哲学探讨。阅读它，就像是拿到了一份详尽的地图，去探索一个庞大而精妙的艺术迷宫。我希望能从中获得更深层次的认知，理解老生艺术那种“不怒自威”、“内敛含蓄”的东方神韵是如何通过具体的舞台手段得以实现的。这本书的出现，无疑为严肃研究者和资深戏迷提供了一个极佳的参照系和讨论的基石，其分量不言而喻。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我是一个相对偏爱“听”而不是“读”京剧的人，但这本书成功地用文字构建了一个能让我“看见”和“听见”艺术的桥梁。它的语言风格非常富有画面感，即便是描述唱腔的细微转折和处理方式，也能够让人联想到舞台上特有的韵味。我感觉作者不仅是研究者，更像是一位资深的戏迷，他知道哪些是门外汉听不懂的行话，也懂得如何用一种既专业又平易近人的方式将它们阐释清楚。这种叙事上的平衡感极其难得。我特别关注它对“神似”与“形似”之间关系的探讨，这在传统戏曲的传承中是一个永恒的难题。如果这本书能提供一些洞见，帮助我更好地欣赏那些看似简单却内含乾坤的表演技巧，那它就超出了工具书的范畴，成为了提升审美境界的良师益友。阅读的过程像是在听一位功力深厚的老师傅娓娓道来，字里行间充满了对艺术的敬畏与热爱。

评分☆☆☆☆☆

从整体的结构布局来看，作者采取了一种非常清晰的“纵横交错”式的梳理方式，这对于我们这些试图全面了解一个复杂艺术体系的读者来说至关重要。它没有简单地按照时间线索机械推进，而是巧妙地在历史发展中穿插了流派风格的横向比较，使得不同阶段的特点和影响能够一目了然。我对于其中关于“风格影响下的剧本选择和再创作”这一部分的论述尤其期待。毕竟，老生行当的剧目浩如烟海，每一个流派对其都有着独特的诠释权重。如果书中能清晰地勾勒出哪些角色是某一特定流派的“试金石”，并分析其背后的原因，那将是对我们理解京剧艺术“活态传承”的巨大贡献。这本书的体量意味着它囊括了海量的案例和详实的资料，希望这些积累最终能转化为对流派精神内核的精准捕捉，而非仅仅是资料的简单汇编。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计确实让人眼前一亮，那厚重的纸质感和沉稳的封面设计，一看就知道是下了真功夫的。我通常对这类历史题材的著作抱有很高的期望，毕竟要梳理一个流派的发展脉络，绝非易事。这本书的排版布局清晰，字体大小适中，阅读起来非常舒适，即便是长时间沉浸其中也不会感到视觉疲劳。书中的插图和图表运用得也很得当，虽然我还没来得及仔细研读每一个章节，但从目录和导读部分就能感受到作者在结构梳理上的用心。那种严谨又不失温度的文字风格，仿佛邀请你一起走进那个光影交错的舞台。我特别期待接下来的阅读体验，希望能从中找到关于艺术传承与创新的深刻见解，不仅仅是理论的堆砌，更期待能读到一些鲜活的、舞台上的故事，那些让艺术生命力得以延续的细节。总而言之，从初步接触来看，这是一部值得细细品味的学术著作，制作精良，内容想必也同样扎实有力。

评分☆☆☆☆☆

翻开这本书的扉页，一股浓郁的学术气息扑面而来，这可不是那种浮光掠影的普及读物。作者显然对京剧老生的艺术体系有着深入骨髓的理解，从声腔的演变到身段的程式化，每一个论述都建立在扎实的文献考据之上。我尤其欣赏它在方法论上的审慎态度，没有急于下结论，而是通过对比不同时代、不同艺术家的处理方式，构建了一个多维度的分析框架。这种宏大叙事下对个体细腻入微的刻画，是真正有价值的艺术史研究所必需的。我注意到其中似乎涉及了对某些经典剧目的细节拆解，这一点非常吸引我，因为真正理解一个流派，必须深入到具体角色的塑造中去体会其精髓。希望接下来的内容能将这种理论深度与舞台实践紧密结合起来，让我能更好地理解那些舞台上令人心折的瞬间是如何被千锤百炼出来的。这本书的厚度本身就是一种宣言，代表着对传统艺术严肃且尊重的致敬。

评分☆☆☆☆☆

不喜欢吴小如

评分☆☆☆☆☆

价廉物美，居家良品。

评分☆☆☆☆☆

还没看，外观挺好

评分☆☆☆☆☆

不喜欢吴小如

评分☆☆☆☆☆

不喜欢吴小如

评分☆☆☆☆☆

商品非常不错，物流也很快，好评！

评分☆☆☆☆☆

本书以丰富的史料和周密的考证分析，对中国中古历史中的门阀政治问题作了再探索，认为中外学者习称的魏晋南北朝门阀政治，实际上只存在于东晋一朝；门阀政治是皇权政治在特定历史条件下出现的变态，具有暂时性与过渡性，其存在形式是门阀土族与皇权的共治。本书不落以婚宦论门阀士族的窠臼，对中国中古政治史中的这一重要问题提供了精辟的见解，具有很高的学术价值.

评分☆☆☆☆☆

终于买了，以前有平装的，吴小如先生

评分☆☆☆☆☆

一个艺术流派的形成绝对不是偶然的。这一流派的创始人在艺术实践上必有突出的成就，而且必须久经考验，才能博得广大观众的称誉和信任。至于一个演员，选择某一艺术流派做为学习摹仿的对象，则有各种不同的主客观因素。首先，他（她）必须对所学习摹仿的对象抱有极崇敬的心情和由衷的热爱，认为确是自己学习模拟的榜样。我从童年开始学戏，并不专唱武生，更不只宗杨派。可是落叶归根，我唱武生戏最终以杨派为依归。这是因为杨小楼先生的艺术成就实在高，我从心眼儿里感到钦佩，甚至十分崇拜他。当然，与此同时，还要考虑个人条件。我在中华戏校学戏时曾跟很多名师学过老生、靠背老生、武老生、小生，甚至还从文亮臣老师学过老旦；而且我所学的这几行的戏都正式登台演出过。可是自问条件都不够适合，只好放弃。我有个不成熟的看法，即学习摹仿某一艺术流派绝对不宜赶时髦、随潮流，认为当前某派最流行，“票房价值”较高，“普及”面较广，就不顾主客观条件去硬学。这样不能算做一个忠于艺术、为艺术献身的好演员。