中国山水画思想论要 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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杨天才，赵雍 著

图书标签:

• 中国画
• 山水画
• 艺术史
• 美学
• 哲学
• 文化
• 绘画理论
• 中国文化
• 传统艺术
• 艺术思想

出版社： 河南美术出版社

ISBN：9787540132491

版次：1

商品编码：11909460

包装：平装

开本：16开

出版时间：2016-01-01

用纸：胶版纸

页数：228

字数：390000

正文语种：中文

内容简介

　　《中国山水画思想论要》山水画思想内容按照朝代的先后顺序编排：先秦至汉代、唐朝、宋朝、元朝、明朝、清朝。每个朝代都选择介绍了当时代表性的山水画学思想。是作者借鉴古代画家和当代理论研究人员成功经验的基础上，结合个人的心得体会编写的，是作者多年从事山水画研究的成果。

目录

第一编 山水本质篇
一、功能论
二、自然论
三、比较论

第二编 山水范畴篇
一、论形神
二、论气韵
三、论意境

第三编 山水形态篇
一、论画山
二、论画水
三、论画树
四、论画石
五、论云雾烟霭岚光风雨雪雾

第四编 山水技法篇
一、论笔墨
二、论皴法
三、论点苔
四、论设色
五、论章法
六、论避忌

第五编 山水创作篇
一、论师承
二、论个性
三、论方法
四、论感物
五、论修养
六、论风格流派

第六编 山水鉴赏篇
一、品评鉴裁论
二、诗画一体论
三、书画同源论
四、题款印章论

后记

精彩书摘

　　《中国山水画思想论要》：
　　山，大物也，其形欲耸拔，欲偃蹇，欲轩豁，欲箕踞，欲般礴，欲浑厚，欲雄豪，欲精神，欲严重，欲顾盼，欲朝揖，欲上有盖，欲下有乘，欲前有据，欲后有倚，欲下瞰而若临观，欲下游而若指麾，此山之大体也。
　　山以水为血脉，以草木为毛发，以烟云为神采，故山得水而活，得草木而华，得烟云而秀媚。水以山为面，以亭榭为眉目，以渔钓为精神，故水得山而媚，得亭榭而明快，得渔钓而旷落，此山水之布置也。
　　山有高有下，高者血脉在下，其肩股开张，基脚壮厚，峦岫冈势培拥相勾连，映带不绝，此高山也。故如是高山谓之不孤，谓之不什。下者血脉在上，其颠半落，项领相攀，根基庞大，堆阜臃肿，直下深插，莫测其浅深，此浅山也。故如是浅山谓之不薄，谓之不泄。高山而孤，体干有什之理，浅山而薄，神气有泄之理，此山水之体裁也。
　　山得水而活，水得山而媚。
　　石者，天地之骨也，骨贵坚深而不浅露。水者，天地之血也，血贵周流而不凝滞。
　　山无烟云如春无花草。
　　山无云则不秀，无水则不媚，无道路则不活，无林木则不生，无深远则浅，无平远则近，无高远则下。
　　山有三大，山大于木，木大于人。山不数十里如木之大，则山不大；木不数十百如人之大，则木不大。木之所以比夫人者，先自其叶，而人之所以比大木者，先自其头。木叶若干可以敌人之头，人之头自若干叶而成之，则人之大小，木之大小，山之大小，自此而皆中程度，此三大也。
　　山欲高，尽出之则不高，烟霞锁其腰则高矣。水欲远，尽出之则不远，掩映断其派则远矣。盖山尽出不唯无秀拔之高，兼何异画碓嘴！水尽出不唯无盘折之远，兼何异画蚯蚓！
　　……

前言/序言

《山水之间：意象与精神的溯源》 在中国传统艺术的璀璨星河中，山水画无疑是最为独特且深邃的一颗。它不仅仅是简单的笔墨描绘，更是哲思、情感与自然观的凝练载体。本书《山水之间：意象与精神的溯源》旨在深入剖析中国山水画的核心意蕴，探究其背后所蕴含的东方哲学思想、审美情趣以及与中国文人精神的紧密联系。我们并非从技法入手，而是着眼于更为宏观的层面，试图揭示山水画何以能够成为中华文明独特精神气象的象征。 第一章：天人合一的宇宙观——山水画的哲学根基 中国山水画的诞生与发展，与中国古代朴素的自然观和哲学思想密不可分。其中，“天人合一”的观念是理解山水画精神内核的关键。这种思想认为，人与自然并非割裂的对立关系，而是相互依存、彼此感应的整体。山水画中的山峦、河流、云雾、树石，并非客观景物的简单复制，而是画家将自身对宇宙万物的理解与感悟投射于其中的结果。 在这一章中，我们将追溯“天人合一”思想的源头，从《道德经》的“道法自然”到《庄子》的“坐忘”，再到儒家思想中对天地万物的敬畏与和谐。我们会探讨这些哲学理念如何体现在山水画的构图、意境以及笔墨的处理上。例如，画家如何在画面中营造一种“气韵生动”的感受，让观者仿佛置身于山水之中，体会人与自然的深度对话；又如何通过笔墨的枯湿浓淡，表现自然的生生不息与宇宙的无穷奥秘。 我们将审视古代文人如何通过山水画来寄托情怀，宣泄理想，寻找精神上的慰藉。山水并非仅仅是客观存在的景象，更是他们内心世界的映射，是他们对人生、对社会、对宇宙深层思考的具象化表达。从王维的“诗中有画，画中有诗”，到范宽笔下的雄浑壮阔，再到董源、巨然笔下的温润秀雅，每一位山水画大师的作品都凝聚着他们独特的哲学感悟和精神追求。 第二章：意象的生成与演变——从具象到象征的艺术转化 中国山水画的魅力，很大程度上在于其高度提炼和象征性的意象表达。画家并非追求对景物的精细描绘，而是通过选择、组合和变形，创造出具有独特象征意义的意象，以此来传达某种情感、理念或意境。本章将聚焦于山水画意象的生成机制及其历史演变。 我们将分析山水画中常见的意象，如高耸的山峰象征着坚毅与崇高，奔腾的河流象征着生命力的不息，飘渺的云烟象征着变幻莫测与超然物外，苍劲的古松象征着不屈与长寿。这些意象并非凭空产生，而是深深植根于中国人的文化心理和对自然万物的观察与体悟之中。 我们会梳理山水画意象从早期对自然景物的写实描绘，逐渐走向高度象征化、概念化的发展历程。例如，从汉代画像石中的粗犷山峦，到魏晋时期对山水精神的初步探索，再到唐宋时期山水画意象的成熟与定型。我们会探讨不同时期、不同流派的山水画如何运用不同的意象来表达不同的审美追求和精神内涵。 此外，本章还将关注“皴法”在中国山水画意象生成中的重要作用。“皴法”是中国山水画特有的笔墨技法，它通过不同的线条、墨点和墨块的组合，模拟山石的纹理、质感和体积感，从而赋予山水画以生命力和空间感。我们会深入分析不同的皴法，如披麻皴、斧劈皴、雨点皴等，是如何服务于意象的塑造，并如何传递画家对山水精神的理解。 第三章：笔墨的韵律与精神——书写性与情感的交融 在中国艺术体系中，绘画与书法本是同源而生，笔墨的运用是中国山水画区别于西方绘画的根本特征之一。笔墨在中国山水画中，不仅仅是描绘的工具，更是情感的载体，是精神的写照。本章将深入探讨笔墨在中国山水画中的韵律美以及它如何承载和传递画家丰富的情感与精神世界。 我们将从“用笔”和“用墨”两个层面进行分析。用笔讲究线条的顿挫、转折、提按，通过不同的线条质感，表现山石的刚劲、树木的苍劲、云水的流动。用墨则注重墨色的浓淡干湿、虚实相生，通过墨色的变化，营造画面的层次感、空间感和光影效果。 我们会探讨“笔墨精神”的概念，它指的是画家在运用笔墨过程中所体现出的个人情感、学养、修养以及对艺术的独特理解。一位优秀的山水画家，其笔墨不仅仅是技巧的展现，更是其精神气质的流露。他的笔墨能够“写”出山水的“神”，而不仅仅是“形”。 本章还将关注“气韵生动”这一中国画的最高评价标准，并探讨笔墨在实现“气韵生动”过程中的核心作用。气韵的产生，离不开画家对笔墨的精妙运用，通过笔墨的节奏、韵律和变化，将自然万物的生命力和画家内心的情感融为一体，从而达到一种超越形式的艺术境界。 第四章：借山水以抒怀——文人画的精神寄托与人格追求 中国山水画与中国文人阶层有着密不可分的联系。山水画在很长一段时间内，被视为文人雅士抒发情怀、寄托理想、表达人生哲思的重要艺术形式。本章将聚焦于山水画作为文人精神寄托的独特功能，探讨其如何与文人的生活方式、思想追求和社会角色相互影响。 我们将回顾中国古代文人的生活情趣，他们对田园隐逸的向往，对官场黑暗的厌倦，以及对高洁人格的追求。山水画为他们提供了一个理想的精神家园，让他们可以在笔墨丹青中获得心灵的慰藉与升华。 我们会分析历代文人画家如何通过山水画来表达他们的政治抱负、人生失意、隐居之乐、归隐之情。例如，当他们身处庙堂之上，可能通过描绘宏伟壮阔的山河来表达对国家的热爱；当他们被贬谪或辞官归隐，则可能通过描绘宁静幽远的隐逸山水来表达对世俗喧嚣的疏离和对内心宁静的渴望。 本章还将探讨山水画与中国传统诗歌、书法之间的密切关系。诗、书、画的融通，是中国文人画的重要特征。画家常常将诗句题写在画面之上，以进一步阐释画面的意境，或借景抒情，使画面更富涵义。书法本身也具有极高的审美价值，它与绘画共同构成了中国画独特的视觉语言。 第五章：意境的营造与观照——移情入景与心灵的对话 “意境”是中国山水画中最核心、最难以言传的艺术范畴。它并非简单的景物组合，而是画家通过对景物的选择、组织和笔墨的运用，创造出一种充满诗情画意的氛围，引人联想，引发观者内心的共鸣。本章将深入探讨山水画意境的营造机制，以及观者如何通过“移情入景”的方式与画面进行心灵的对话。 我们将分析意境的构成要素，包括景物的选择、构图的安排、笔墨的韵味、题款的诗意等。这些要素共同作用，才能创造出或雄浑壮阔，或清幽淡雅，或静谧深邃，或生机勃勃的意境。 我们会探讨“虚实相生”在中国山水画意境营造中的作用。画面中的“实”是可见的景物，而“虚”则是画面中留白的部分，是画家留给观者想象的空间。正是这种虚实相生的处理，使得画面具有了无限的延展性和深刻的内涵。 本章还将强调“观照”在欣赏山水画中的重要性。观山水画，并非简单的视觉审视，而是一种心灵的体验。观者需要将自己的情感、经历和人生感悟投射到画面之中，与画家产生情感上的共鸣，从而进入画家的精神世界，与画中的山水进行一次心灵的对话。 《山水之间：意象与精神的溯源》是一次对中国山水画精神内核的深度探索。我们希望通过本书，能够帮助读者超越对山水画技法的表面认识，更深入地理解其背后所蕴含的东方哲学、审美情趣以及中国文人的精神世界。山水画不仅是中国艺术的瑰宝，更是中华民族独特智慧和精神风貌的生动体现。它教导我们如何观察自然，如何理解生命，如何在喧嚣的世界中寻找内心的宁静与和谐。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我的最大感受是，它不仅仅是一本关于山水画的理论书籍，更是一部关于中国传统文化精神的解读。作者在论述过程中，巧妙地将山水画与儒、道、释等哲学思想紧密结合，让我看到了绘画是如何作为一种载体，承载和传播着中华民族独特的宇宙观、人生观和审美观。我特别喜欢书中关于“道法自然”的解读，作者并没有将这个概念泛化，而是通过具体的山水画案例，展示了画家是如何从自然万物中汲取灵感，并将自然的规律和生命的律动融入到自己的创作中。这种对“自然”的理解，已经超越了简单的模仿，而是达到了一种“与自然同游”的境界。此外，书中对“胸中丘壑”的探讨也让我受益匪浅，让我明白了一幅好的山水画，不仅仅是描绘眼前的山川，更是画家将内心的感受、人生的体悟融入到笔墨之中，从而创造出一种具有生命力的艺术作品。这种精神层面的追求，正是中国山水画区别于其他画种的独特魅力所在。

评分☆☆☆☆☆

总的来说，这本书是一部非常值得珍藏的著作。它不仅仅是关于中国山水画的学术研究，更是一次对中国传统文化精神的深度探索。作者用细腻的笔触、严谨的论证和诗意的语言，为我们描绘了一幅幅意境深远的中国山水画卷，让我们得以窥见其中蕴含的哲学思想、人生感悟和艺术追求。我在这本书中获得的，不仅仅是知识，更是一种心灵的洗礼和审美的提升。我非常享受阅读的过程，每一次翻开，都能从中获得新的启发和感悟。我强烈推荐这本书给所有对中国传统文化、艺术以及哲学感兴趣的朋友，相信你们也一定会在这本书中找到属于自己的那份惊喜和感动。它让我在喧嚣的现代生活中，找到了一片宁静的精神家园，让我重新审视了“诗情画意”在艺术中的独特魅力。

评分☆☆☆☆☆

这本书的价值在于它提供了一个全新的视角来审视中国山水画，不再是仅仅停留在对画作本身技法的分析，而是将目光投向了更深层次的思想内涵和文化根源。作者通过大量的历史文献和艺术作品，深入剖析了中国文人是如何将自己的哲学思考、人生际遇以及对自然的感悟，通过山水画这一载体来得以表达。我被书中关于“士大夫精神”与山水画的关系的论述深深吸引，让我明白了为何在古代，山水画不仅仅是艺术创作，更是文人抒发情怀、寄托理想的重要方式。作者用生动的语言描绘了文人如何在山水画中寻找精神的寄托，如何在笔墨之间寄情于山水，又如何在山水之中实现自我超越。这种将艺术与人生紧密结合的解读，让我对中国山水画产生了前所未有的敬意，也让我更加理解了为何它能在中华文化中占据如此重要的地位。

评分☆☆☆☆☆

这本书在对中国山水画思想的梳理和阐释方面，展现了作者扎实的功底和独到的见解。我尤其欣赏它在理论探讨时，并没有拘泥于表面的技法，而是深入挖掘了山水画背后所蕴含的哲学思想、文化精神以及文人的情怀。作者在论述“诗中有画，画中有诗”时，不仅仅是引用诗句来佐证，更是详细分析了诗歌的意境和绘画的章法是如何相互契合，共同营造出一种超越视觉的艺术感受。我非常认同作者关于“意境”的解读，认为它不仅仅是景物的描绘，更是画家主观情感与客观景物融合后的产物，是一种“有我之境”。在书中，作者通过对不同时期、不同画派代表作品的分析，清晰地展示了“意境”是如何随着时代的发展而演变的，以及不同画家又是如何通过各自独特的艺术语言来表达自己的“胸中丘壑”。这种深入骨髓的分析，让我对中国山水画有了更深层次的理解，不再将其仅仅视为“风景画”，而是将其看作是文人精神世界的外化。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计真是别出心裁，封面那一抹淡墨晕染开的山峦，若隐若现，仿佛真的能感受到山间的清冷与宁静。拿在手中，纸张的质感也极好，不是那种光面纸，而是带着一丝哑光和纹理，触感温润，让人忍不住想要细细摩挲。翻开第一页，一股淡淡的书卷气扑面而来，仿佛置身于古老的书斋，耳畔回响着文人雅士们低语的讨论。我特别喜欢它章节标题的编排，每一处都蕴含着作者的匠心，不仅仅是内容的概括，更像是一首首小诗，引导读者一步步深入探索那迷人的山水画世界。例如，“云生石壁，气象万千”这样的标题，就已经让我对即将展开的内容充满了好奇与期待，想要知道作者会如何解构这画面背后的神韵与意境。书中的插图更是点睛之笔，不再是简单的素材堆砌，而是与文字内容紧密结合，相得益彰。我尤其欣赏其中几幅古代名家的画作，高清的复印质量让笔触的细节纤毫毕现，仿佛亲眼所见。配上作者旁征博引的解读，我能更深切地理解画家们是如何用寥寥几笔勾勒出山川的魂魄，又如何通过墨色的浓淡枯湿来表现自然万物的生命力。这种图文并茂的呈现方式，极大地提升了阅读的沉浸感，让理论不再是枯燥的学术名词，而是鲜活的艺术体验。

评分☆☆☆☆☆

这本书的另一大亮点在于其批判性思维的融入。作者并没有简单地照搬前人的理论，而是对一些传统的观点进行了审视和质疑，并在此基础上提出了自己的新思考。例如，在讨论“写意”与“写实”的关系时，作者并没有简单地否定写实，而是辩证地分析了它们各自的价值和局限性，并提出了“形神兼备”的观点，认为写意并非脱离物象，而是通过提炼和概括，更深刻地表达物象的精神。这种勇于挑战权威、不断创新的学术态度，让这本书显得尤为珍贵。我尤其喜欢其中关于“意在笔先”的解读，作者通过对不同作品的分析，阐释了画家在动笔之前，是如何在心中构思好画面的整体布局、笔墨的走向以及所要表达的情感，这种“胸有成竹”的创作过程，是传统山水画创作的精髓所在。

评分☆☆☆☆☆

这本书的学术深度和广度令人惊叹，但更难能可贵的是它将深奥的理论阐释得如此通俗易懂，即便是像我这样对中国山水画了解不深的新手，也能在阅读中逐渐建立起清晰的认知框架。作者在处理一些历史性的概念和流派演变时，并没有简单地罗列史实，而是巧妙地将它们串联成一条清晰的逻辑线，让我能够理解不同时期画家们在思想上的传承与创新。比如，在探讨“天人合一”这一核心思想时，作者不仅引用了大量经典的文献和诗词，更结合具体的画作进行分析，展示了艺术家如何将个人的情感与宇宙的规律融为一体。我印象深刻的是其中关于“骨法用笔”的论述，作者从笔墨的物质性出发，层层深入到笔墨所承载的精神意蕴，让我对一幅幅画作中看似简单的线条有了全新的理解。这不仅仅是对绘画技巧的讲解，更是对中国哲学思想如何在艺术创作中得以体现的深刻洞察。此外，书中对于不同画派代表人物的分析也十分到位，让我能够区分出各个学派的独特风格和美学追求，例如范宽的雄浑、董源的秀润，以及元四家的逸气等等，这些在我的脑海中逐渐清晰起来，不再是模糊的概念。

评分☆☆☆☆☆

我不得不提的是，这本书在引用和论证方面的严谨性令人印象深刻。作者在阐述每一个观点时，都会引用大量经典著作、文献资料以及相关的艺术评论，并且清晰地注明出处，这极大地增强了其论述的说服力。我特别欣赏书中在分析某一个画派或某一位画家时，并不是简单地摘录前人的观点，而是经过自己的独立思考和深入研究，提出独到的见解。例如，在论述某个时期的山水画风格转变时，作者不仅引用了相关的史料，还通过对同期文学、哲学作品的梳理，来佐证其艺术风格演变的文化背景，这种跨学科的论证方式，使得其观点更加全面和深刻。这种严谨的研究方法，让这本书不仅具有很高的学术价值，也为我提供了学习和研究中国山水画的宝贵参考。

评分☆☆☆☆☆

我必须说，这本书的逻辑结构是相当出色的，条理清晰，层次分明，让我能很顺畅地跟随作者的思路进行阅读。每一个章节都像是一个精心搭建的积木，层层递进，将关于中国山水画思想的论述构建得稳固而完整。我尤其欣赏作者在引入新概念或新的理论观点时，总是会先进行铺垫，然后引用恰当的例证来加以说明，避免了枯燥的说教。比如，在探讨“以形写神”这一核心概念时，作者先是回顾了传统写实技法的局限性，然后引出了“写意”的重要性，再通过分析不同画家的笔墨处理方式，展示了“形”是如何为“神”服务的。这种循序渐进的讲解方式，让我在理解复杂理论时感到毫不费力。而且，书中各部分之间的衔接也非常自然，前后呼应，形成了一个有机的整体，让我阅读完后，对中国山水画的思想脉络有了非常清晰的认识。这种严谨的学术态度和精巧的论证结构，让这本书具有了很高的学术价值和阅读价值。

评分☆☆☆☆☆

这本书的语言风格真是独特，既有严谨的学术论述，又不乏诗意的表达，读起来就像是在品一杯陈年的老酒，醇厚而回味无穷。作者在描述山川景物时，遣词造句极其考究，寥寥几笔便能勾勒出万千气象，让我仿佛置身于画中，感受那“远山含黛”、“近水生烟”的意境。例如，当作者描绘“笔墨山水”的意境时，那些关于“墨分五色”、“皴法万变”的描述，不仅仅是技术的介绍，更像是为我打开了一扇通往精神世界的窗户。我尤其喜欢其中一段关于“气韵生动”的论述，作者没有止步于概念的解释，而是通过对历代名家作品的细致解读，让我深刻理解了“气韵”是如何通过笔墨的流动、构图的安排、意境的营造等多种元素共同形成的。这种将抽象概念具象化的能力，是这本书最吸引我的地方之一。每次读到一些精彩的段落，我都会情不自禁地停下来，闭上眼睛，在脑海中勾勒出作者所描绘的画面，仿佛真的能听到松涛阵阵，感受到云雾缭绕。这种强烈的画面感和情感共鸣，让阅读本身成为一种艺术享受。