格拉纳多斯《戈雅之画》（教学版）/21世纪钢琴教学丛书 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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李承远 著

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• 21世纪钢琴教学丛书
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出版社： 西南师范大学出版社

ISBN：9787562182801

版次：1

商品编码：12178394

包装：平装

丛书名： 21世纪钢琴教学丛书

开本：8开

出版时间：2017-04-01

用纸：胶版纸

页数：91

正文语种：中文

内容简介

　　《格拉纳多斯<戈雅之画>（教学版）/21世纪钢琴教学丛书》介绍了《戈雅之画》钢琴组曲，共由六首作品组成：1.情话，2.窗口诉怀，3.烛火凡丹戈舞，4.少女与夜莺，5.爱与死：民谣；6.尾奏：幽灵小夜曲。每首都是描写戈雅的一幅画作。
　　1.第一首《情话》，采用了霍达舞曲的节奏特点。主题旋律声部运用了多种变奏手法，以双手的三拍子舞曲节奏与三连音旋律线条结合，表现出欢快的爱情画面，乐曲充满舞蹈的气息。
　　2.第二首《窗口诉怀》，采用了切分的节奏特点并运用了复合节拍。在演奏琶音时，保持手臂和手腕的放松与平稳，尽量用手指力量控制音色变化，连接自如并强调低音。
　　3.第三首《烛火凡丹戈舞》，采用了西班牙凡丹戈民族舞曲热情、奔放的节奏特点。此曲双手多处出现三连音的节奏型，展现了西班牙的民族舞蹈画面。在演奏三连音时，应注重横向与纵向的音响效果与节奏动感。在演奏时以强调高声部旋律采增加舞曲的韵律。
　　4.第四首《少女与夜莺》，旋律具有抒情、忧伤的色彩。在演奏时运用贴键连奏，应加入柔音踏板与音后踏板的结合。正确处理旋律声部与伴奏声部的力度变化，弹奏出不同的和声色彩变化，使音乐富有幻想性。
　　5.第五首《爱与死：民谣》，3／4拍与6／8拍的结合。*大的节奏特点是双手多处出现三连音、五连音、六连音的节奏型及重音不规则出现。此曲音乐织体更加丰富。增强了音响效果。从乐谱中可以看到作品标有8种不同的表情术语。在演奏时，旋律声部与伴奏声部的对比及旋律声部的音量控制，表现不同的音乐效果与层次，乐句气息平稳，富有歌唱性。
　　6.第六首《幽灵小夜曲》，以轻巧的跳音奏出神秘的音乐，仿佛在模仿吉他的弹奏效果。在弹奏时，跳音轻巧短促富有弹性。手掌与手臂动作幅度小一些，以便使跳音弹奏有颗粒性。

作者简介

　　李承远，现任沈阳音乐学院音乐教育系钢琴主科教师。
　　本科毕业于沈阳音乐学院钢琴系，师从著名钢琴演奏家、教育家金石教授。
　　1999年留学英国皇家音乐学院，主修钢琴演奏专业
　　2004年4月赴德国法兰克福参加“威斯巴登”国际钢琴比赛荣获青年组第二名。现任辽宁省音乐家协会会员，沈阳音乐学院钢琴考级评委。

内页插图

目录

情话
窗口诉怀
烛火凡丹戈舞
少女与夜莺
爱与死：民谣
尾奏：幽灵小夜曲

前言/序言

　　恩里克·格拉纳多斯（Enrique Gmnados，1867一1916）生于巴塞罗那，是西班牙杰出的作曲家、钢琴家，是19世纪末20世纪初西班牙民族乐派重要的作曲家之一，也是西班牙最伟大的浪漫主义作曲家之一，享有“西班牙的肖邦”美誉。曾跟随佩德雷尔学习作曲技法并去巴黎音乐学院跟随查尔斯·贝里奥学习钢琴演奏，这在钢琴演奏技巧上充分发掘了他的卓越才华对他的创作有深远的影响。1901年，他创办了格拉纳多斯音乐学院，培养了许多著名的音乐家。他的一生全部献给了钢琴教育并亲自主持教务直至去世。格拉纳多斯一生创作了大量的音乐作品，包括交响诗、歌剧、声乐、室内乐及钢琴作品等等。他的作品中有着自身独特的音乐元素，又带有肖邦式的优雅旋律。他的音乐性格丰富多样，具有鲜明的西班牙民族色彩。
　　本书介绍了《戈雅之画》钢琴组曲，共由六首作品组成：1.情话，2.窗口诉怀，3.烛火凡丹戈舞，4.少女与夜莺，5.爱与死：民谣；6.尾奏：幽灵小夜曲。每首都是描写戈雅的一幅画作。
　　1.第一首《情话》，采用了霍达舞曲的节奏特点。主题旋律声部运用了多种变奏手法，以双手的三拍子舞曲节奏与三连音旋律线条结合，表现出欢快的爱情画面，乐曲充满舞蹈的气息。
　　2.第二首《窗口诉怀》，采用了切分的节奏特点并运用了复合节拍。在演奏琶音时，保持手臂和手腕的放松与平稳，尽量用手指力量控制音色变化，连接自如并强调低音。
　　3.第三首《烛火凡丹戈舞》，采用了西班牙凡丹戈民族舞曲热情、奔放的节奏特点。此曲双手多处出现三连音的节奏型，展现了西班牙的民族舞蹈画面。在演奏三连音时，应注重横向与纵向的音响效果与节奏动感。在演奏时以强调高声部旋律采增加舞曲的韵律。
　　4.第四首《少女与夜莺》，旋律具有抒情、忧伤的色彩。在演奏时运用贴键连奏，应加入柔音踏板与音后踏板的结合。正确处理旋律声部与伴奏声部的力度变化，弹奏出不同的和声色彩变化，使音乐富有幻想性。
　　5.第五首《爱与死：民谣》，3／4拍与6／8拍的结合。最大的节奏特点是双手多处出现三连音、五连音、六连音的节奏型及重音不规则出现。此曲音乐织体更加丰富。增强了音响效果。从乐谱中可以看到作品标有8种不同的表情术语。在演奏时，旋律声部与伴奏声部的对比及旋律声部的音量控制，表现不同的音乐效果与层次，乐句气息平稳，富有歌唱性。
　　6.第六首《幽灵小夜曲》，以轻巧的跳音奏出神秘的音乐，仿佛在模仿吉他的弹奏效果。在弹奏时，跳音轻巧短促富有弹性。手掌与手臂动作幅度小一些，以便使跳音弹奏有颗粒性。

好的，这是一份关于其他图书的详细介绍，不涉及您提到的《格拉纳多斯<戈雅之画>（教学版）/21世纪钢琴教学丛书》的内容。 --- 《德彪西钢琴作品精选与演奏实践探析》 图书简介 本书旨在为广大的钢琴学习者、演奏者以及音乐教育工作者提供一部全面、深入且兼具实践指导意义的德彪西钢琴作品研究专著。在印象主义音乐的殿堂中，克劳德·德彪西无疑是最为璀璨的巨星之一。他的音乐以其细腻的色彩、流动的和声、模糊的轮廓和对自然意象的诗意描绘，彻底革新了十九世纪末至二十世纪初的音乐语汇。本书将聚焦于德彪西钢琴创作的精华部分，结合历史背景、风格特征、技术挑战与现代演奏理念，构建一个多维度的学习与研究框架。 第一部分：德彪西钢琴作品的时代背景与艺术思潮 本部分首先梳理了德彪西所处的艺术环境。从巴洛克与古典主义的严谨结构中解放出来，到浪漫主义晚期的情绪张力和叙事性，再到符号主义文学和印象派绘画对音乐的深刻影响，德彪西的音乐是他对时代精神的独特回应。我们将探讨他对东方音乐（特别是爪哇加美兰音乐）的接触，以及他如何将这些异域元素融入到法兰西本土的音乐传统之中，从而塑造出一种全新的听觉美学。深入分析“印象主义”这一标签在德彪西音乐中的体现——它并非简单的模仿自然声响，而是一种对光影、氛围和转瞬即逝情感的捕捉与表达。 第二部分：核心作品的深度解析与结构透视 本书选取了德彪西钢琴作品中具有里程碑意义的几部套曲进行详尽的剖析，包括《第一套钢琴曲集》（包括著名的《亚麻色头发的少女》）、《第二套钢琴曲集》（如《水之嬉戏》）以及后期重要的作品如《前奏曲》两卷和《映像》两集。 对于每一部作品，我们不仅关注其表面的音响效果，更着重于揭示其深层的结构逻辑。例如，在分析《水之嬉戏》（Jardins sous la pluie）时，我们将拆解其如何在看似自由流淌的音流中维持着精妙的平衡与对比，探讨其对踏板使用的独特要求，以及如何通过指尖的控制来模拟水滴的形态和光线的折射。在解读《前奏曲》时，则需关注德彪西如何利用标题的文学暗示来引导听众进入不同的情绪场景，并分析他如何打破传统的调性中心，采用全音阶、五声音阶或不协和音程来构建其“无目的的音乐”。 第三部分：技术难题的攻克与演奏的精细化处理 德彪西的音乐对演奏者提出了极高的技术要求，这些要求往往不是传统的“炫技”，而是对音色、触键和时值的极其精准的控制。本书设置了专门章节讨论以下关键的演奏技术： 1. 触键的颗粒性与泛音运用： 德彪西的音乐要求钢琴的音色如同管弦乐的不同乐器。我们将探讨如何通过控制琴槌击弦的深度和速度，实现从“朦胧的雾气”到“清晰的线条”的瞬间转换。特别讨论了对击弦点（靠近琴弦中央与靠近琴弦靠近琴码处）的细微调整对音色造成的影响。 2. 踏板的“色彩”功能： 德彪西的踏板运用是其音乐灵魂的一部分。本书系统梳理了他在不同作品中对延音踏板、柔音踏板（Una Corda）的指示，并结合现代钢琴的共鸣特性，指导演奏者如何利用踏板的“叠加”与“透明度”来创造和声的色彩层次，避免声音的浑浊。 3. 节奏的自由化与时值处理： 德彪西的节奏往往带有即兴和自由呼吸的特性，尤其是在体现“鲁巴托”（Rubato）时。本书将区别于浪漫主义时期的强行加速或放慢，强调德彪西式“时间感”的塑造——即如何在保持脉络清晰的前提下，让音符在时间轴上自由舒展，如同呼吸般自然。 第四部分：钢琴教学中的德彪西作品应用 针对音乐教师，本书提供了将德彪西作品融入不同教学阶段的实践建议。从早期作品中对音阶、琶音的独特织体训练，到中级阶段对和声色彩的初步感知，再到高级阶段对作品精神的深入挖掘，本书提供了循序渐进的教学路径。强调在教学中，应先建立音乐概念和听觉体验，再辅以技术训练，避免将德彪西的音乐简化为僵硬的指法练习。 总结 本书不仅仅是一本作品分析集，更是一份通往德彪西内心世界的地图。通过对技术细节的钻研、对风格语汇的辨识以及对演奏实践的深入探讨，期望读者能够超越机械的音符再现，真正领悟到德彪西音乐中那种“音乐的诗歌”的精髓，并将其转化为自身舞台上富有生命力的表达。 --- 《二十世纪早期欧洲室内乐的风格演变与演绎挑战》 图书简介 本书聚焦于二十世纪初期（约1900年至1940年间）欧洲室内乐的创作版图及其在演奏实践中面临的独特挑战。这是一个音乐语言剧烈转型、风格边界不断被拓宽的时代。传统的功能和声体系逐渐瓦解，作曲家们纷纷探索新的组织声音的法则，从印象主义的朦胧色彩到表现主义的尖锐冲突，再到新古典主义的结构回归，室内乐这一体裁在这一时期展现出了惊人的多样性与实验精神。 本书旨在梳理这一复杂时期的风格脉络，并为研究者和演奏家提供深入的演绎视角，特别是针对那些对演奏技术和音乐理解力要求极高的作品。 第一部分：风格的断裂与融合——二十世纪初的室内乐图景 本部分首先确立了二十世纪初室内乐创作的时代背景。我们将考察德彪西、拉威尔等法国作曲家对印象主义声响美学的贡献，以及他们如何通过对传统乐器组合的重新配置（例如长笛与弦乐的对位处理）来创造出“空气感”和“光影感”。 随后，我们将重点分析维也纳学派（勋伯格、贝尔格、韦伯恩）对无调性、十二音体系的建立及其在弦乐四重奏或管乐五重奏中的体现。这不仅仅是和声的改变，更是对乐章结构、对位逻辑的彻底重塑。本书将分析如何在一个没有传统调性中心的体系内，保持音乐的连贯性和戏剧张力。 此外，东欧地区的作曲家，如巴托克和伊果·斯特拉文斯基，他们对民间音乐（民族乐派）的吸收，如何为室内乐注入了原始的节奏动力和独特的调式色彩，这些特征在他们的钢琴三重奏或小提琴奏鸣曲中得到了淋漓尽致的展现。 第二部分：关键作品的结构分析与织体研究 本书选择了多部代表性的室内乐作品进行细致的解构，例如： 1. 德彪西《小提琴与钢琴奏鸣曲》： 分析其对法国“吉格与船歌”的引用，以及如何用极简的材料构建出极其丰富的音色对比和暗示性结构。重点研究小提琴在演奏中如何模仿人声的自由处理和独特的滑音技巧。 2. 勋伯格《升华之夜》（Verklärte Nacht，早期版本为六重奏）： 探讨其在调性向无调性过渡时期的情感张力和和声密度。分析在弦乐六重奏的编制中，作曲家如何运用厚重的音响来表达强烈的表现主义情绪，以及在多声部对位中如何确保每一个声部的独立性和表达力。 3. 拉威尔《为钢琴、长笛、单簧管、竖笛与低音单簧管所作的九重奏》（或其管乐八重奏的演变）： 重点分析拉威尔对管乐音色的偏爱。探讨这种组合如何实现比传统弦乐四重奏更为清晰、更具颗粒感的音响，以及如何通过精确的节奏对位来营造出一种“新古典主义”的清晰度。 第三部分：演绎的挑战与演奏实践的革新 二十世纪早期室内乐的演奏，要求演奏者必须在古典主义的严谨性与现代主义的自由精神之间找到平衡点。 1. 音准的重新校准： 在十二音体系和大量非传统和声结构下，演奏者如何处理“音准”问题？本书探讨了在缺乏明确调性中心时，如何依靠音程关系和声部间的相互参照来确定相对音高，而非仅仅依靠传统的三度或五度关系。 2. 节奏的精确与自由的辩证： 特别是在斯特拉文斯基的作品中，经常出现复杂的节拍变化（如5/8、7/8交替使用）。本部分指导演奏者如何通过扎实的数拍训练，确保节奏的“骨架”稳固，从而允许在骨架之上进行符合作曲家意图的微妙速度变化。 3. 乐器音色的现代化处理： 现代乐器的制造工艺与演奏技巧（如弓法、指法）相比一百年前已有所不同。本书讨论了在演绎巴托克等作曲家的作品时，如何恰当地使用“大力演奏”（Sforzando）、“倍弱”（Subito piano）以及非传统摩擦音技巧，以重现作曲家期望的原始、粗粝或极度内省的音响效果。 第四部分：录音遗产与历史演奏的参照 最后，本书选取了若干重要作品的历史首演录音或早期重要录音版本进行对比分析。通过聆听不同时代的演奏家对同一作品的处理差异，帮助读者理解风格的演变，并认识到“正确”的演绎并非单一标准，而是对作曲家意图在特定历史语境下的最佳诠释。这部分强调了研究历史文献与录音资料在指导当代演奏中的不可替代性。 本书旨在引导音乐家们跨越风格的鸿沟，以开放的心态和扎实的专业知识，迎接二十世纪早期室内乐作品所带来的无限艺术魅力。

评分☆☆☆☆☆

我一直坚信，伟大的艺术作品，无论载体如何，其内核都蕴含着共通的情感与哲思。当我在书架上看到《格拉纳多斯<戈雅之画>（教学版）》时，我的第一反应便是，这一定是一场跨越时空的对话，一次视觉与听觉的盛宴。格拉纳多斯，这位西班牙音乐巨匠，以其独特的浪漫主义风格，将戈雅这位同样充满传奇色彩的画家作品转化为一串串跳跃的音符。这本书不仅仅是对音乐的呈现，更是一次深入的艺术解析。作者在书中，仿佛是一位睿智的向导，带领我走进戈雅的内心世界，理解他画作背后隐藏的故事与情感。我能感受到，格拉纳多斯在创作时，一定也经历了与戈雅相似的思考：那些人性的脆弱与坚韧，社会的荒诞与真实，都通过他精妙的音乐织体得以展现。尤其是“教学版”的字样，让我看到了其严谨与实用性。这本书的编排，似乎不仅仅是为了让我“听”懂音乐，更是为了让我“弹”好音乐，并且在弹奏的过程中，能够深刻地体会到音乐与画作之间的共鸣。我期待着，通过这本书，能够更好地理解格拉纳多斯音乐的精髓，也能在钢琴演奏中，捕捉到戈雅画作的灵魂。

评分☆☆☆☆☆

作为一名常年混迹于各种音乐论坛和艺术鉴赏群体的“发烧友”，我总是对那些能够将不同艺术形式巧妙融合的作品抱有极高的热情。《格拉纳多斯<戈雅之画>（教学版）》这本书，在我眼中，无疑是这样一件令人惊喜的艺术品。它并非简单地将戈雅的画作配上音乐，而是通过格拉纳多斯深邃的音乐语言，对戈雅作品进行了二次创作和深度解读。这本书的“教学版”身份，更是为我这类渴望提升音乐鉴赏能力，同时又想实践演奏技巧的读者，提供了绝佳的平台。书中对每一首乐曲的结构分析，以及对演奏难点和表现手法的指导，都写得非常到位。比如，针对某些乐句中复杂的节奏型，作者不仅给出了清晰的指法建议，还联系了戈雅画作中人物的肢体动作，用非常形象的比喻来指导如何处理。这种“寓教于乐”的方式，让我觉得学习过程不再枯燥，而是充满了发现的乐趣。我能够一边欣赏音乐，一边揣摩画面的意境，然后在弹奏时，尝试将这份意境付诸指尖。这种双重体验，让我对音乐的理解更加立体和深刻，也让我对格拉纳多斯这位作曲家的才华和对戈雅作品的洞察力，由衷地感到钦佩。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计就透露出一种典雅与厚重感，封面上那模糊却充满艺术气息的格拉纳多斯与戈雅的意象结合，已经让我心生向往。我一直对西班牙的艺术风格情有独钟，而格拉纳多斯和戈雅无疑是其中的代表人物。当得知这本书是将两位大师的作品进行一次深度融合时，我的好奇心便被彻底点燃了。《格拉纳多斯<戈雅之画>》这个标题本身就充满了一种史诗般的宏伟感，仿佛要揭开一段尘封的艺术史。而“教学版”的后缀，则让我看到了它更为实用的价值。我并非科班出身，但对钢琴有着浓厚的兴趣，也一直在寻找能够帮助我提升演奏技巧，同时又能深化艺术理解的学习材料。这本书的出现，恰好满足了我的这一需求。我推测书中会包含对每首乐曲的创作背景、音乐结构、以及演奏技巧的详细解析，并且会引导读者如何将音乐中的情绪和画面感与戈雅的画作联系起来。这种“理论与实践”相结合的学习方式，对于我这样希望在弹奏中融入更多个人理解和情感的业余爱好者来说，无疑是一份宝贵的礼物。我非常期待这本书能够为我打开一扇新的音乐之门，让我能够更深层次地理解和欣赏格拉纳多斯与戈雅的艺术魅力。

评分☆☆☆☆☆

初次翻阅《格拉纳多斯<戈雅之画>（教学版）》，一股扑面而来的，并非是冰冷的乐谱，而是一种宛如亲临西班牙巴洛克时期画廊的独特氛围。作者在序言中对格拉纳多斯创作此曲的背景做了详尽的铺垫，不仅提及了他对戈雅画作的深刻理解，更着重于他在音乐中如何捕捉戈雅作品中那种特有的光影对比、情感张力和叙事性。读来，仿佛一位经验丰富的导览者，细致地指引着我，让我能够提前感知到每一首乐曲与戈雅哪幅画作之间的灵魂联系。例如，对于“盲女之歌”，作者的解读让我联想到戈雅画作中那些饱经沧桑却依然怀揣希望的面孔，音乐中那种低沉的旋律与偶尔闪现的明亮音符，恰似人生中的忧郁与闪光。再比如，对于那些描绘宫廷生活或是社会百态的篇章，书中更是通过对和声、节奏、以及调性变化的分析，让我窥见了格拉纳多斯如何用音色来模仿戈雅笔下人物的表情、服饰乃至内心活动。这种由文字引导，再由音乐来印证的阅读体验，极大地降低了理解音乐的门槛，尤其对于我这类并非专业音乐人士的读者而言，更是犹如拨云见日。我能够更清晰地把握作曲家的意图，也更能体会到音乐与视觉艺术之间那千丝万缕的联系，这是一种非常美妙的学习过程。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面上映入眼帘的是“格拉纳多斯《戈雅之画》（教学版）”，这立刻勾起了我浓厚的兴趣。我对音乐史和绘画史都怀有深深的喜爱，而将这两者相结合的作品，更是让我充满了期待。格拉纳多斯，这位西班牙作曲家的名字，自带一种浪漫而神秘的光环。而《戈雅之画》，光是这个名字，就仿佛能闻到油画颜料的芬芳，感受到西班牙阳光的热烈，以及戈雅笔下那些深刻而复杂的灵魂。我一直对西班牙的艺术有着莫名的情结，从弗拉明戈的热情奔放，到高迪建筑的奇思妙想，再到戈雅那些直击人心的画作，都让我着迷。格拉纳多斯将如何用音符来描绘戈雅的视觉世界，这其中的转换和诠释，对我来说是一个巨大的谜团，也是一次令人兴奋的探索。而且，它还标注着“21世纪钢琴教学丛书”，这让我意识到，这不仅仅是一部纯粹的艺术赏析作品，更是一本具有实际教学意义的音乐教材。这意味着书中可能包含对作品的深度剖析，演奏技巧的指导，以及如何将音乐与绘画的意境相结合的教学方法。我非常好奇，对于像我这样热爱音乐，也曾有过一些钢琴学习经历的人来说，这本书会带来怎样的启发？它是否能帮助我更好地理解音乐，更好地演奏，甚至是在演奏中融入更多的情感和画面感？我迫不及待地想要翻开它，开始这场跨越时空的艺术对话。