勋伯格和声学 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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阿诺德·勋伯格 著，罗忠镕 译

图书标签:

• 勋伯格
• 和声学
• 音乐理论
• 作曲
• 十二音体系
• 调性
• 不和谐音
• 音乐分析
• 现代音乐
• 音乐史

出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787807510567

版次：1

商品编码：12328477

包装：平装

开本：16开

出版时间：2007-08-01

用纸：胶版纸

编辑推荐

《勋伯格和声学》系本社出版的阿诺德·勋伯格《和声的结构功能》的姊妹篇，程度在前，两者相加便是勋伯格的和声体系。世界三大体系一是欣德米特，二是勋伯格，三是梅西昂。目前国内还没有一个出版社完整出齐过这三大体系的和声理论，此选题可完善勋伯格体系的中国出版。

内容简介

《勋伯格和声学》是一本世界名著，如今第1个中译本终于出书，一提起阿诺德·勋伯格，便自然想到“十二音体系”，但这却并非“十二音体系”的论述。《勋伯格和声学》是一本传统的、基础的和声学，勋伯格正是以此培养出阿尔班-贝尔格、安东-韦伯恩大师这样的高徒，勋伯格在这里不是让学生“配和声”而是“写和声”，他的主要目的是给学生打下基本的基础，只要这个基础坚实稳固。在上面盖出的高楼大厦何愁不能烁今震古，如今，我们的主要目的虽然是创作现代音乐，但学习传统却是通往现代音乐的必经之途。

目录

序言
英译者序
勋伯格
第一章 大调音阶的自然音和弦
和弦的排列
音阶的正三和弦和副三和弦的连接
把音阶上的正三和弦和副三和弦连接成短句
Ⅶ级上的三和弦
三和弦的转位
六和弦
平行八度和五度
使用六和弦的三和弦连接
六四和弦
七和弦
七和弦的转位
连续七和弦的连接

第二章 小调调式
小调中的自然音_一和弦
小调中三和弦的转位
小调中的七和弦及其转位

第三章 没有共同音的和弦的连接
第四章 关于获得较好和声进行的一些提示；关于两个外声部旋律的处理；关于结束、终止式、伪终止式以及终止六四和弦
指导规则
结束与终止式
伪终止式
终止式中的六四和弦

第五章 大调和小调中，VII较自由的处理
第六章 转调
第七章 来自教会调式的副属和弦和其他非自然音和弦
指导规则
减七和弦
指导规则

第八章 节奏与和声
第九章 转调，续
向第三和第四个上五度循环调的转调
向第三和第四个下五度循环凋的转调

第十章 小下属关系
指导规则

第十一章 在调性的边缘
增三和弦
增六五、增四三、增二与增六和弦，以及其他一些游移和弦

第十二章 通过连续步骤和中间调向第Ⅱ、第Ⅴ和第Ⅵ循环五度，并到第Ⅶ和第Ⅷ循环五度，以及到关系更近的循环五度调的转调
相隔五个和六个五度的调

第十三章 为圣咏配和声
终止式

第十四章 和声外音
留音，经过音，换音，先现音

第十五章 对九和弦的一些观察
第十六章 扩大这个体系的一些增补的观念
三和弦、七和弦及几和弦的变化
存熟悉的和声进行中省略一些环节的简化进行
三和弦与其他所有三和弦、所有七和弦连接，所有七和弦相互连接
几个其他的问题：七度音上行的可能性；减L和弦的低音；莫扎特和弦；八部和弦
增补几种转调设计
几个附加的细节

第十七章 全音音阶及其五音和六音和弦
第十八章 四度叠置的和弦
索引
译后记（罗忠镕）

音乐的边界：二十世纪初的风格演变与和声探索 本书深入考察了二十世纪初欧洲音乐语境下，作曲家们如何面对传统调性体系的瓦解，并积极探索新的和声语言与结构组织方式。我们聚焦于技术革新如何影响了音乐的听觉体验，以及作曲家群体内部对于“美学”与“规范”的深刻反思。 第一章：调性溶解的时代背景 本章首先描绘了十九世纪末德奥音乐语境下的审美疲劳与结构危机。瓦格纳晚期作品所展现的对功能和声的极限拉伸，实际上预示了传统调性框架的不可持续性。我们将分析社会思潮（如尼采哲学对既有价值的颠覆）如何投射到音乐创作中，催生出对确定性与明确性的质疑。 1.1 从“延长”到“悬置”：晚期浪漫主义的结构张力 详细梳理布鲁克纳、马勒等作曲家在交响乐结构中如何处理和声的不确定性。探讨“延宕”技巧的演变，从单纯的情绪铺陈，转向结构核心的缺失。重点分析特定乐段中，主导和弦的反复回避如何制造出持续的听觉期待与最终的落空感。 1.2 印象主义的色彩转向与和声的平面化 考察法国作曲家（如德彪西、拉威尔）如何通过引入全音音阶、五度叠置以及对纯粹音色组合的偏好，来削弱传统功能和声的驱动力。这一流派并未完全抛弃调性中心，而是将其“模糊化”，使和声更侧重于横向而非纵向的逻辑关联。分析这些和声技法如何服务于对瞬间印象与氛围的捕捉。 第二章：新维度的拓展：非传统音集与泛调性实践 随着传统功能和声的松动，作曲家们开始系统性地探索基于新原则组织音高的可能性。本章将细致剖析这些先驱性尝试，它们是未来十二音体系的“前奏”。 2.1 斯克里亚宾的“神秘和弦”与高次泛音的应用 斯克里亚宾晚期作品（如《普罗米修斯》）显示出强烈的向“超越性”美学的追求。我们研究他如何通过使用基于四度叠置而非三度的和弦结构（如“神秘和弦”），来构建一个全新的、内在于自身逻辑的调性系统。分析这种和声语言在色彩上如何表现出其形而上学的意图。 2.2 基于音高类（Pitch Class Set）的早期思考 虽然系统化的集合论理论尚未完全成熟，但部分作曲家已开始不自觉地或有意识地运用某些特定的音高组合，这些组合在音高间的间隔关系上具有内在的平衡性。探讨如何从这些早期实践中，辨识出对“避免功能性”的潜在需求。 2.3 调式复兴与民间音乐的滋养 分析欧洲各地的民族乐派（如捷克、俄国）如何从本国民间音乐和古老的教会调式中汲取养分，以替代日益僵化的德奥传统。这些调式的使用，直接地为和声带来了新的色彩和组织原则，例如多调性的并置或在特定调式内进行的有限度的和声游走。 第三章：结构重塑：节奏、动机与形式的革新 和声的改变必然要求音乐结构和形式的相应调整。当和声不再提供清晰的终止感时，作曲家必须寻找其他手段来界定段落、建立对比和维持连贯性。 3.1 节奏的独立化与“节拍密度”的运用 本章探讨了节奏如何从依附于和声进行的角色中解放出来。分析特定作曲家如何通过不规则的节拍划分、复杂的复节奏（polyrhythms）以及密集的节奏动机变化，来替代传统调性解决所提供的结构框架。节奏的驱动力成为组织音乐材料的首要因素。 3.2 动机发展的新逻辑：非功能性的变异 审视动机如何在缺乏功能性支撑下进行发展。这包括对音高、音程、音色进行纯粹的、非功能性的变异和片段化处理。分析作曲家如何利用织体的密度和乐器配器的变化，来标记音乐的“时间点”而非“调性位置”。 3.3 篇幅的压缩与扩张：对奏鸣曲式的挑战 讨论在新的和声语言下，宏大叙事结构（如奏鸣曲式）所面临的挑战。一些作曲家选择大幅压缩乐章篇幅，专注于瞬间的“和声快照”；另一些则通过不断引入新的和声材料和节奏织体，实现结构上的无限扩张，直至其内在逻辑的极限。 第四章：美学立场与听众反应 音乐的变革从来不是孤立的技术行为，而是与时代精神紧密相连的文化事件。本章旨在考察这些新兴和声实践背后的哲学立场，以及它们在首次公演时所引发的巨大争议。 4.1 纯粹主义与客观性的追求 探讨一部分作曲家如何试图通过摒弃主观情绪化的表现，转而追求一种更具“建筑感”或“客观性”的音乐构造。这种美学倾向往往伴随着对高度清晰的结构逻辑的强调，即使这种逻辑不再是传统的调性逻辑。 4.2 激进表现主义的心理投射 对比上述纯粹主义倾向，本章也分析了另一极端——表现主义。在这一取向中，和声的冲突、极端的不和谐音程被用作表达内在心理创伤、焦虑和梦魇的直接媒介。在这里，和声不再是“被组织”的，而是“被倾泻”的。 4.3 评论界的首次冲击与听众的分化 记录并分析当时乐评人对这些新声音的最初反应——从彻底的排斥和嘲讽，到少数先锋派支持者的热情拥护。这种极端的反馈，恰恰印证了音乐语言在关键转折点上对听觉习惯的巨大冲击力。 本书通过对这些复杂和声技法、结构重塑以及美学思辨的细致梳理，旨在提供一个二十世纪初音乐革新的全景视角，理解在那段关键时期，作曲家们是如何勇敢地走出了传统藩篱，为后来的音乐发展开辟出多样的道路。

评分☆☆☆☆☆

第一次阅读《勋伯格和声学》，我便被其深厚的学术底蕴和独特的解读视角所折服。这本书的魅力在于，它能够将看似枯燥的乐理知识，转化为一段段引人入胜的音乐故事。作者在讲解和声原理时，并没有止步于简单的理论框架，而是深入挖掘了这些原理背后的历史渊源和哲学思考。我特别喜欢书中对“协和与不协和”关系的探讨，作者并没有将二者简单对立，而是展现了它们在不同历史时期、不同文化语境下的动态平衡与相互转化。这种辩证的视角，让我对音乐的美学有了更深刻的认识。书中的乐谱例证极为丰富，从早期格里高利圣咏的朴素，到印象派音乐的色彩斑斓，再到爵士乐的自由探索，作者都选择了极具代表性的音乐片段，并进行了细致入微的和声分析。这种“理论与实践”相结合的讲解方式，让我能够直观地感受到和声变化所带来的音乐效果，也让我对不同音乐风格的形成有了更清晰的认识。这本书不仅仅是知识的传递，更是对音乐思维方式的启迪，它引导我用更广阔的视野去审视音乐，去体会音乐的无限可能性。

评分☆☆☆☆☆

《勋伯格和声学》这本书，是我近年来读过的最具有启发性的音乐理论著作之一。它不仅仅是一本教材，更像是一部关于音乐如何“思考”的哲学著作。我非常欣赏作者在处理理论问题时所展现出的严谨而又不失灵动的文风。书中对于和声在音乐发展中的“功能性”的探讨，让我对许多过去模糊的概念有了清晰的认识。作者并没有将和声视为孤立的规则，而是将其置于音乐的整体结构和情感表达之中，去探究它在其中扮演的角色。我印象深刻的是关于“离调”和“转调”的部分，作者通过大量不同时期、不同风格的音乐例子，详细讲解了离调和转调的各种手法，以及它们是如何丰富音乐的色彩，制造戏剧性的张力，并引导听众的情绪的。这些分析不仅仅是技术层面的讲解，更是对音乐“叙事”能力的揭示。书中对一些“非主流”的和声现象的讨论，也让我耳目一新，例如，作者并没有回避一些历史上曾被视为“异端”的和声处理，而是将其置于更广阔的音乐语境中进行考察，展现了音乐理论的开放性和包容性。这本书让我对音乐的理解，从“听”升级到了“思考”，也让我对未来音乐的发展充满了期待。

评分☆☆☆☆☆

自从翻开《勋伯格和声学》这本书，我感觉自己像是闯入了一个既古老又充满未知的音乐迷宫。这本书的魅力在于它不仅仅是陈列理论，更是在讲述“为什么”。作者并没有满足于告诉你“是什么”，而是不断地追问“为什么会这样”。我被书中对和声起源的探讨深深吸引。他是如何从最朴素的音响关系中，一步步构建出我们今天所知的复杂和声体系的？书中对一些早期音乐文献的解读，让我看到了理论发展过程中的反复与探索，以及不同文化背景下对音乐声音的理解差异。我尤其喜欢其中对于“泛音列”的介绍，作者用非常形象的比喻，解释了为什么某些音组合在一起听起来和谐，而另一些则不然。这不仅仅是物理学上的解释，更是为理解音乐的“美学”奠定了基础。书中的一些章节，对不同作曲家在和声运用上的风格差异进行了细致的剖析，例如，分析了巴赫在赋格中的严谨逻辑，莫扎特在歌剧中对角色心理的刻画，以及贝多芬在交响曲中对冲突与统一的戏剧性处理。这些分析都让我对这些伟大的作品有了更深的理解，也让我对和声的“表现力”有了更深的体会。总的来说，这本书给我带来了很多启发，让我开始从更深层次去思考音乐的本质。

评分☆☆☆☆☆

这本《勋伯格和声学》真的是我近期读到的一本让我耳目一新的书。刚拿到手的时候，就被它厚实的体量和精美的装帧吸引了。我是一个对音乐理论一直怀有好奇心，但又常常被枯燥的公式和术语吓退的读者。然而，这本书的开篇就非常吸引人，作者并没有直接进入理论的深水区，而是从音乐史的大背景出发，讲述了和声学在音乐发展中的演变，以及勋伯格本人所处的时代和环境。这种宏观的视角让我一下子就觉得，这不仅仅是一本关于“理论”的书，更是一部关于音乐思想的探索史。我特别喜欢其中对早期和声理论发展的梳理，那些古老的调式、对位法的讲解，配以丰富的乐谱例证，让我仿佛穿越回了巴赫、莫扎特生活的时代，感受他们是如何构建和声的。读起来一点也不觉得枯燥，反而像是在听一场精心准备的音乐故事会。作者的语言非常生动，即便是一些相对复杂的概念，也能被他解释得通俗易懂。我印象最深的是关于“不协和音”的那一部分，作者并没有简单地将其定义为“错误的音”，而是深入探讨了不协和音在不同时期、不同文化语境下的功能和意义，以及它们是如何逐渐被接受并成为音乐不可或缺的一部分的。这种颠覆性的解读，让我对和声有了全新的认识，也为我后面理解更现代的和声观念打下了坚实的基础。

评分☆☆☆☆☆

我一直觉得，学习音乐理论就像是在攀登一座高峰，而《勋伯格和声学》这本书，无疑给了我一条非常清晰且引人入胜的登山路线。这本书的结构设计非常巧妙，它不是那种上来就抛出一堆艰涩概念的书，而是循序渐进，将复杂的问题层层剥开。我尤其欣赏作者在讲解每一个和声概念时，都会引用大量的经典音乐片段来作为例证。这些例子不再是抽象的音符组合，而是充满了情感和表现力的音乐乐句，这使得理论的学习变得格外生动有趣。比如，在讲解调性发展时，作者会引用贝多芬交响曲中的精彩片段，详细分析乐句的动机如何发展，和声如何变化，以及这些变化是如何服务于音乐的整体情绪的。这让我感觉我不再是一个旁观者，而是参与到音乐创作的思考过程中。书中对于不同时期和声风格的对比分析也做得非常出色，从古希腊的单音音乐到文艺复兴时期的复调，再到巴洛克时期的功能和声，作者都进行了详尽而富有洞察力的阐述。他对于每个时期音乐家在和声运用上的特点和创新，都有非常精辟的总结。读这本书，不仅仅是在学习知识，更是在培养一种对音乐细致入微的感知能力。我发现自己开始能够更敏锐地捕捉到音乐中和声的微妙变化，以及这些变化所带来的情感冲击。