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店铺： 河南美术出版社旗舰店

出版社： 陕西人民出版社

ISBN：9787536821880

商品编码：12435351897

开本：16

出版时间：2008-05-01

穿越时空的艺术长卷：中国美术史精粹 中国，一个拥有五千年灿烂文明的国度，其艺术史更是如同一部波澜壮阔的长卷，镌刻着民族的精神、文化的脉络以及历史的变迁。本书并非是对某一特定教材的简单复述，而是旨在为读者呈现一幅更为宏观、更为细腻的中国美术发展图景。我们试图剥离教学大纲的框架，从艺术作品本身出发，追溯其产生的时代背景、艺术家的创作意图，以及它们在历史长河中所扮演的角色。 一、史前时期：文明初萌，浑朴的力量 当历史的帷幕徐徐拉开，中国的美术便以一种原始而野性的姿态展现在我们面前。仰韶文化、龙山文化、红山文化……这些闪耀着文明曙光的史前遗址，为我们留下了令人惊叹的艺术瑰宝。 陶器艺术的先声： 史前陶器，是那个时代最直接的艺术表达。从遍布彩绘图案的仰韶文化彩陶，到黑陶艺术的巅峰龙山文化，这些器物不仅仅是生活用品，更是承载着先民们对自然的敬畏、对生命的赞美以及对宇宙的朴素认知。那些流畅的线条、抽象的几何纹样、生动的动物形象，无不展现出古人非凡的想象力和对美的早期追求。它们是远古的歌谣，是凝固的舞蹈，是人类文明初啼的有力证明。 雕塑与绘画的雏形： 在陶器之外，史前遗址中也发现了零星的雕塑和绘画作品。例如，红山文化中的玉龙、玉猪龙，造型圆润，线条简洁，透露出神秘的宗教色彩。而各地发现的岩画，虽然技法尚显粗糙，但描绘的狩猎场景、神灵崇拜，以及生活中常见的动植物，为我们勾勒出史前社会生活的基本面貌。这些作品虽然简朴，却蕴含着强大的生命力和对世界的好奇。 二、青铜时代：礼乐文明的辉煌 夏、商、周三代，是中国历史上一个充满神秘色彩的时代，更是青铜艺术的黄金时期。这一时期的艺术，与政治、宗教、祭祀紧密相连，形成了独特的“礼乐文明”的辉煌。 青铜器的艺术革命： 青铜器，是这一时代的标志。从商代晚期到西周早期，青铜器的铸造技术达到了顶峰。那些庄重、肃穆、神秘的青铜礼器，如鼎、簋、尊、爵等，纹饰繁复，工艺精湛。饕餮纹、夔龙纹、凤鸟纹……这些神秘的纹样，不仅是装饰，更是记录着氏族图腾、神话传说以及社会等级的象征。每一件青铜器都仿佛一座小型的时间胶囊，承载着那个时代的信仰、权力和审美。它们的恢弘气势，至今仍能震撼人心。 早期文字的艺术化： 金文，即铸刻在青铜器上的铭文，是这一时期重要的文字载体。这些字迹古朴、线条遒劲，本身就具有很强的艺术性。它们不仅记录了历史事件、政治宣言，更展现了文字从图形化向符号化的演变过程，是研究中国文字发展和书法艺术的重要依据。 玉器与漆器的精进： 青铜之外，玉器和漆器也在这一时期得到了长足的发展。商周时期的玉器，雕琢精细，线条流畅，造型多样，寓意丰富，常用于祭祀和装饰。漆器则以其鲜艳的色彩和精美的纹饰，展现了古人对生活美学的追求。 三、秦汉时期：统一的帝国，宏大的叙事 秦汉王朝的建立，标志着中国进入了一个大一统的时代。艺术在这一时期，也呈现出磅礴大气、写实生动的特点，为后世树立了典范。 秦代的雄浑气魄： 秦始皇陵兵马俑，是秦代艺术最杰出的代表。这支规模宏大的地下军团，以其写实的造型、生动的神态、精湛的工艺，展现了秦代军队的威武雄壮，也折射出秦朝强大的军事实力和统一的帝国气象。每一个兵马俑都仿佛有生命，他们的表情、动作、服饰，都经过精心雕琢，充满了历史的厚重感。 汉代的辉煌与生机： 汉代的艺术，在继承秦代的基础上，更加注重表现生活的丰富性和艺术的感染力。 画像石与画像砖： 汉代的画像石和画像砖，是中国古代绘画艺术的瑰宝。它们以简洁的线条、生动的构图，描绘了宴饮、出行、神话故事、历史传说等丰富的内容。这些作品不仅是珍贵的历史图像资料，更是展现了汉代人民对生活的热爱、对神话的想象以及对宇宙的理解。东汉的“汉宫图”、“百戏图”等，更是堪称当时的“生活百科全书”。 佛教艺术的兴起： 随着佛教的传入，佛教艺术在汉代开始萌芽。新疆克孜尔千佛洞、敦煌莫高窟等地的早期壁画，虽然受到印度和中亚艺术风格的影响，但也逐渐融入了中国本土的审美情趣，为后来佛教艺术的繁荣奠定了基础。 书法艺术的成熟： 汉代的书法，篆、隶、草、行各体日臻成熟。尤其是隶书的成熟，形成了端庄、厚重的风格，如《曹全碑》、《乙瑛碑》等，为后世行书、楷书的发展奠定了基础。 四、魏晋南北朝：精神的探索，艺术的蜕变 这是一个社会动荡、思想解放的时代，也是中国艺术发生深刻变革的时期。士人阶层崛起，玄学盛行，艺术开始从为政治、宗教服务，转向更多地关注个体生命体验和精神世界的探索。 玄学与名士风度： 魏晋时期，名士们追求“飘逸”、“旷达”、“自然”的精神风貌，深刻影响了艺术的走向。书法艺术在这一时期得到了空前的发展，王羲之的行书，被誉为“天下第一行书”，其飘逸洒脱、龙飞凤舞的笔势，正是那个时代精神风貌的绝佳体现。顾恺之的绘画，以其“传神写照， in Chinese, this means capturing the spirit and likeness. The emphasis on capturing the inner spirit rather than mere outward appearance marked a significant shift in Chinese painting theory and practice. His "Luoshenfu Tu" (洛神赋图), though surviving only in later copies, is a testament to his skill in conveying emotional depth and ethereal beauty. 佛教艺术的繁荣与本土化： 随着佛教在中国北方和南方的传播，佛教艺术得到了空前的发展。北朝的石窟艺术，如云冈石窟、龙门石窟，展现了佛教造像的雄浑、壮丽，以及不同地域、不同时期的艺术风格。这些佛像，既保留了佛教的神秘庄严，又逐渐融入了中国传统的审美元素，如丰满的面容、飘逸的衣带，形成了独特的“中国式”佛教艺术。 绘画的写实与写意并存： 这一时期的绘画，在继承汉代写实的基础上，逐渐向写意方向发展。曹不兴、宗炳等画家的作品，虽然多已失传，但从文献记载中，我们可以窥见其对自然山水和人物精神的深刻描绘。 五、隋唐时期：盛世气象，多元融合 隋唐是中国历史上一个辉煌的时代，经济繁荣，文化昌盛，艺术也呈现出前所未有的开放、包容和雄浑的气象。 绘画的辉煌： 人物画的巅峰： 阎立本、吴道子等大师，将中国人物画推向了新的高峰。阎立本的人物画，造型严谨，线条流畅，注重刻画人物的性格和身份，代表作如《步辇图》、《历代帝王图》。吴道子的“吴带当风”的画风，以其豪放飘逸的线条，表现出人物的动态美和精神气质，被誉为“画圣”。 山水画的成熟： 尽管山水画在这一时期尚未完全独立，但已显露出蓬勃发展的势头。李思训的“金碧山水”，色彩绚丽，富丽堂皇；王维的山水画，则追求诗情画意，意境悠远，为后世山水画的发展奠定了基础。 佛教壁画的鼎盛： 敦煌莫高窟的隋唐壁画，是这一时期佛教艺术的集大成者。规模宏大，色彩绚丽，技法多样，内容丰富，不仅展现了佛教的教义，也描绘了世俗生活、社会风貌，是研究隋唐社会、文化、艺术的宝贵资料。 书法艺术的鼎盛： 隋唐时期，书法艺术达到了一个新的高度。初唐的欧阳询、虞世南、褚遂良，继承晋人传统，法度严谨。颜真卿的楷书，雄浑厚重，刚劲有力，开创了新的书风。草书大家张旭、怀素，更是以其狂放不羁的笔势，展现了中国书法的极致之美。 雕塑艺术的辉煌： 隋唐雕塑，造型丰满，生动传神，代表作如唐代墓葬出土的陶俑，以及龙门石窟、敦煌莫高窟的佛像，都展现出盛唐时期开放、自信、充满活力的艺术风格。 六、宋元时期：文人艺术的崛起，写意画的兴盛 宋代，是中国艺术史上一个极其重要的转折点。文人阶层逐渐成为艺术创作的主体，绘画更加注重写意、抒情，并与诗、书、画相结合，形成了独特的文人画风。 宋代的绘画典范： 山水画的巅峰： 宋代山水画达到了前所未有的高度。范宽的《溪山行旅图》，构图宏伟，笔力雄健，展现了北方山水的壮丽；郭熙的《早春图》，笔法细腻，墨色丰富，表现出南方山水的温润。全景式山水、写实性描绘，以及对自然精神的体悟，成为这一时期山水画的突出特点。 花鸟画的兴盛： 宋代花鸟画也取得了辉煌的成就。赵佶的《芙蓉锦鸡图》，色彩鲜艳，工笔细腻，展现了宫廷画院的精致风格。而文人的写意花鸟，如徐熙、黄筌的作品，则更加注重表现花鸟的生命活力和自然情趣。 人物画的世俗化： 宋代人物画，开始更多地关注市民生活和历史故事，如张择端的《清明上河图》，更是以其精细的笔触，描绘了北宋都城汴京的繁华景象，成为千古传颂的杰作。 元代的艺术变迁： 元代，蒙古族的统治带来了新的文化元素，也对传统艺术产生了影响。文人画在元代继续发展，黄公望、吴镇、王蒙、倪瓒等“元四家”，以其高逸脱俗、笔墨简练的画风，将写意山水推向了一个新的境界。他们的作品，往往寄托着对社会现实的不满和对隐逸生活的向往。 七、明清时期：传统艺术的继承与创新，多元风格的并存 明清时期，是中国传统艺术的巩固和发展时期。在继承前代优秀传统的基础上，涌现出众多杰出的艺术家，他们的作品风格多样，各具特色。 明代绘画的多样化： 明代绘画，在继承宋元文人画的基础上，出现了更加注重表现个性和情感的趋势。浙派（如戴进）、吴门画派（如沈周、文徵明、唐寅、仇英）等，各自形成了独特的风格。宫廷画院也继续发展，涌现出许多工笔重彩的作品。 清代艺术的复兴与变异： 清代艺术，既有对传统的继承，也有对创新的探索。扬州八怪（如郑燮、金农）以其率真、奇特的风格，挑战了当时的传统画坛。同时，宫廷画院也继续活跃，涌现出郎世宁等中西融合的画家。 陶瓷、漆器、织绣等工艺美术的繁荣： 明清时期，中国工艺美术达到了新的高峰。景德镇的青花瓷、彩瓷，漆器的雕刻，丝织品的图案，都达到了极高的艺术水准，成为世界闻名的中国艺术瑰宝。 结语： 中国美术史，是一部充满生命力的历史。从史前的朴拙到秦汉的雄浑，从魏晋的飘逸到隋唐的盛大，从宋元的写意到明清的传承与创新，每一个时期都留下了独具魅力的艺术印记。本书旨在提供一个观察中国艺术的独特视角，引导读者走进这些艺术作品，感受它们所蕴含的时代精神、民族情感和审美追求。我们相信，通过对这些艺术瑰宝的深入了解，读者不仅能欣赏到中国艺术的博大精深，更能从中汲取智慧，感悟人生。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计就给我一种厚重而又不失艺术感的感觉，沉稳的色彩搭配和考究的字体选择，让人一眼就能感受到它是一部严谨的学术著作。我是一名对中国传统文化情有独钟的普通爱好者，平日里除了阅读一些通俗的历史读物，也一直渴望能系统地了解中国悠久而璀璨的美术发展脉络。之前也零散地接触过一些美术史相关的资料，但总是感觉碎片化，缺乏一条清晰的主线。当我在书店看到这本书时，内心就有一种莫名的契合感，仿佛它就是我一直在寻找的那把钥匙，能够开启我认识中国美术世界的另一扇大门。书的内容厚度也相当可观，翻阅目录时，里面详尽的章节划分，从远古时期一直延伸到近现代，每一个时代都设置了细致的讨论点，这让我对接下来的阅读充满了期待。我尤其对其中关于陶瓷、绘画和雕塑的部分产生了浓厚的兴趣，希望能够通过这本书，深入了解不同朝代这些艺术形式的演变、风格的特征以及背后所蕴含的社会文化意义。书中提到“增订本”，这暗示着它可能在内容上有所更新和补充，这对于一本学术著作而言至关重要，能够保证其信息的新颖性和权威性。我迫不及待地想知道，作者是如何将如此庞杂的美术史内容，以一种易于理解且引人入胜的方式呈现出来的。

评分☆☆☆☆☆

当我第一次拿到《中国美术史教程（增订本）》这本书时，就被它厚实的体量和精美的装帧所吸引。我一直认为，一本好的学术著作，不仅要有严谨的学术内容，还要有赏心悦目的外观，而这本书在这两方面都做得非常出色。我是一名对中国传统文化充满好奇的学习者，一直希望能够通过系统性的阅读，深入了解中国美术的发展历程。《中国美术史教程（增订本）》这本书，无疑是我一直寻找的那本“宝藏”。书中对中国美术史的梳理非常系统和全面，从远古时期的岩画、陶器，到商周的青铜器，再到秦汉的墓葬壁画，直至唐宋元明清的绘画、雕塑、书法、工艺美术等，几乎涵盖了中国美术史的方方面面。我尤其喜欢书中对佛教艺术和道教艺术的阐述，作者是如何将佛教和道教的教义、思想，巧妙地融入到艺术创作中，并形成了独特的艺术风格，这一点让我对中国传统宗教文化有了更深的认识。这本书的语言风格也非常学术化，但又不失通俗易懂，作者用严谨的逻辑和生动的语言，将复杂的艺术史知识娓娓道来，让我在阅读过程中，能够轻松地理解和吸收。

评分☆☆☆☆☆

这本书就像一位博学而耐心的引路人，带领我一步步走进中国美术的瑰丽世界。从史前时期的岩画，到商周的青铜器，再到秦汉的壁画，直至唐宋的绘画，每一个时期都有着独特的魅力和辉煌的成就。我尤其喜欢书中对唐代美术的描述，作者是如何将盛唐的开放包容、多元文化的融合，体现在当时的绘画、雕塑和工艺美术上，这一点让我对那个辉煌的时代有了更深的感悟。书中对佛教造像的分析也让我印象深刻，作者不仅仅是简单地介绍佛像的样式，而是深入分析了不同时期佛教造像风格的演变，以及这些演变如何与当时的社会文化和政治气候相呼应。这一点让我看到了艺术史研究的深度和广度，它不仅仅是对艺术品的欣赏，更是对历史、文化、哲学等多方面知识的融汇贯通。这本书的语言风格非常简洁明了，没有过多的学术术语堆砌，让读者能够轻松地阅读和理解。我尤其欣赏书中对一些重要艺术家的解读，作者是如何将他们的生平、创作理念以及艺术成就，有机地结合起来，形成一个完整而生动的艺术画像。

评分☆☆☆☆☆

我是一名退休多年的中学美术教师，在教书育人的几十年里，中国美术史一直是我课程中非常重要的一部分。我一直认为，要培养学生的审美情趣和民族文化认同感，就必须让他们了解我们自己民族的艺术传统。所以，多年来我一直在寻找一本能够兼顾学术深度和教学实用性的参考书。《中国美术史教程（增订本）》这本书，无疑是我的一个惊喜。我首先被它严谨的学术态度所打动，书中对史料的考证和引用的准确性，以及对各种艺术流派的辨析，都体现了作者深厚的学术功底。但更让我欣喜的是，这本书的叙述方式并不是那种刻板的学术报告，而是充满了人文关怀和生活气息。作者在描述一件艺术品时，常常会穿插一些与之相关的历史故事、民间传说，甚至是当时的诗词歌赋，这使得原本可能略显抽象的艺术品变得鲜活起来，让读者能够更直观地感受到艺术的魅力。尤其是在讲述一些民间艺术和工艺美术时，书中展现出的细致和耐心，让我看到了作者对中国传统文化的深切热爱。作为一名教师，我深知这一点的重要性，因为它能帮助学生建立起一种亲近感，让他们觉得中国美术史并不是高高在上的殿堂，而是源自生活，服务于生活的。这本书的“增订本”也让我看到了作者与时俱进的态度，相信其中一定包含了最新的学术研究成果。

评分☆☆☆☆☆

我是一名在海外生活多年的华人，虽然身在异国他乡，但对祖国文化的思念从未减退。我一直想通过阅读来加深对中国传统文化的理解，而美术史，在我看来，是了解一个民族精神气质最直接的途径之一。《中国美术史教程（增订本）》这本书，我是在网上偶然看到的，它的题目就牢牢抓住了我。阅读这本书的过程中，我仿佛置身于一条穿越时空的河流，从史前文明的壁画，到唐代的壁画，再到宋代的山水，元代的青绿山水，明清的文人画，每一幅画卷都让我心潮澎湃。我尤其惊叹于中国古代艺术家们精湛的技艺和非凡的创造力，他们是如何在有限的材料和工具下，创造出如此丰富多彩、意境深远的艺术作品。这本书的内容非常扎实，它不仅仅罗列了重要的艺术家和作品，更重要的是，它解析了不同时代艺术风格的形成背景，以及这些艺术如何反映了当时的社会、政治和宗教信仰。对于我这样一个长期在国外学习和工作的人来说，这种深度解读尤为重要，它能够帮助我更清晰地理解中国艺术的独特之处，以及它在世界艺术史上的地位。这本书的“增订本”让我觉得非常幸运，意味着我能够接触到更新的研究和更全面的信息，这对于我这样一位渴望了解最新学术动态的读者来说，具有很高的价值。

评分☆☆☆☆☆

这本书带给我的，是一种沉浸式的阅读体验。刚拿到书的时候，我就被它高质量的印刷和精美的插图所吸引。每一张图片都清晰地展示了艺术品的细节，配合着详实的文字介绍，仿佛我能亲身走进博物馆，近距离地欣赏这些国之瑰宝。这本书在内容编排上非常有条理，从时间顺序上清晰地展现了中国美术的发展历程，让我能够很容易地追踪不同时期艺术风格的演变和传承。我特别喜欢书中对佛教艺术和道教艺术的阐述，这两部分的内容都做得非常深入，不仅介绍了佛教和道教在中国传播过程中对艺术产生的巨大影响，还详细分析了不同时期佛教造像和道教绘画的特点，以及它们如何与当时的社会文化相结合。作者在处理这些复杂课题时，展现出了极高的专业素养和严谨的态度，但同时又不失语言的生动性，让读者在学习知识的同时，也能感受到艺术的感染力。阅读过程中，我经常会停下来，仔细地揣摩书中对某个艺术品或艺术流派的解读，然后回过头再去对比图片，会有豁然开朗的感觉。这本书的“增订本”更是让我觉得物超所值，我知道艺术史的研究是一个不断发展的过程，作者能够不断更新和完善自己的著作，这说明了他对待学术的态度非常认真，也为我们读者提供了更可靠的学习资料。

评分☆☆☆☆☆

当我翻开《中国美术史教程（增订本）》这本书时，我首先被它所呈现出的宏大视角所吸引。作者并没有拘泥于对某个特定朝代或某个艺术门类的深入研究，而是以一种更加广阔的视野，为读者勾勒出了中国美术史的整体轮廓。这本书的结构设计非常巧妙，它将不同时期的美术成就，如同星辰般点缀在历史的长河中，让读者能够清晰地看到中国美术是如何在漫长的岁月中，不断地发展、演变，并最终形成其独特的风格和魅力。我尤其欣赏书中对“意境”这一概念的阐述，作者是如何将中国传统文化中“天人合一”的哲学思想，巧妙地融入到对山水画、花鸟画等艺术形式的解读之中。这让我深刻地认识到，中国美术不仅仅是对自然景物的描摹，更是一种精神的寄托和情感的表达。这本书的语言风格也很独特，它既有学术著作的严谨性，又不失文学作品的感染力。作者在描述一些重要的艺术作品时，常常会运用生动形象的比喻，让那些抽象的美学概念变得触手可及。我尤其喜欢书中关于青铜器和玉器部分的描述，作者是如何将这些古代的器物，解读出它们所蕴含的社会意义、宗教信仰，甚至是当时人们的生活方式，这一点非常引人入胜。

评分☆☆☆☆☆

这是一本我一直期待的能够帮助我系统梳理中国美术史的书籍。我深知中国美术史的博大精深，想要在一个相对较短的时间内，对其有一个全面的认识，选择一本优秀的教材至关重要。《中国美术史教程（增订本）》这本书，恰恰满足了我的这一需求。它从时间维度上，清晰地勾勒出了中国美术发展的脉络，从史前时期一直到近现代，每一个阶段都有详尽的介绍和深入的分析。我特别欣赏书中对不同朝代美术风格的对比分析，作者是如何通过对作品的细节解读，展现出不同时代美术所呈现出的独特风貌。例如，在解读唐代绘画的雄浑大气与宋代绘画的细腻雅致时，书中用了很多生动的例子来对比说明，让我能够很容易地理解其中的差异。这本书的插图质量也非常高，每一幅图片都经过精心挑选，并且与文字内容紧密配合，让读者在阅读文字的同时，能够直观地欣赏到艺术作品的魅力。我尤其喜欢书中关于明清绘画的论述，作者是如何将文人画的兴起和发展，与当时的社会背景和文人思想相结合，这一点让我对明清时期中国美术的发展有了更深的理解。

评分☆☆☆☆☆

作为一名美术专业的学生，在求学过程中，我接触过不少关于中国美术史的教材和参考书，但《中国美术史教程（增订本）》这本书，却给了我一种耳目一新的感觉。这本书的视角非常独特，它并没有仅仅停留在对各个时期艺术作品的罗列和风格的介绍，而是深入探讨了艺术作品背后所反映的社会思潮、哲学观念以及当时文人士大夫的生活方式。例如，在讲到宋代绘画时，书中不仅仅描述了山水画的意境如何深远，更结合了当时的理学思想，解释了为何士大夫们会如此钟情于描绘自然之美，以及这种对自然的观察和体悟如何渗透到他们的艺术创作中。这一点非常重要，因为艺术从来都不是孤立存在的，它与时代精神、文化土壤息息相关。这本书的语言也相当精炼，虽然是学术著作，但并不枯燥乏味，反而充满了逻辑性和启发性。作者在梳理艺术史时，善于抓住不同时期的核心特征，并将其与前后的发展进行巧妙的联系，形成一种动态的历史观。我尤其欣赏书中对一些重要艺术家的解读，不仅仅是介绍他们的生平，更重要的是分析他们艺术风格的形成原因，以及他们在美术史发展中所扮演的关键角色。这本书让我对“教程”二字有了更深的理解，它不仅仅是知识的传授，更是对学习者思维方式的引导。

评分☆☆☆☆☆

我是一名对中国古典哲学非常感兴趣的普通读者，一直认为中国美术史与中国哲学思想有着密不可分的联系。《中国美术史教程（增订本）》这本书，正好满足了我这方面的求知欲。我发现，书中在分析不同时期艺术作品的风格特征时，都会深入挖掘其背后所蕴含的哲学思想。例如，在解读宋代山水画时，作者不仅仅是描述了其笔墨的技巧和构图的特点，更重要的是，它联系了当时的理学思想，解释了为何士大夫们会如此钟情于描绘自然之美，以及这种对自然的观察和体悟如何渗透到他们的艺术创作中。这一点让我非常受启发，我认识到，很多时候，一件艺术品的价值，不仅仅在于其视觉上的美感，更在于它所承载的文化内涵和思想深度。这本书的语言风格非常清晰流畅，虽然涉及的都是比较专业的艺术史概念，但作者用非常易于理解的方式进行阐释，让我这个非科班出身的读者也能轻松地读懂。我尤其喜欢书中对佛教艺术的解读，作者是如何将佛教的教义和中国本土的哲学思想相结合，是如何影响了中国绘画、雕塑和建筑的发展，这一点让我对佛教在中国文化中的作用有了更深的认识。