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店铺： 文宇图书专营店

出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787552311860

商品编码：29525863009

出版时间：2016-12-01

商品详情

 

音乐的殿堂：弦音的诗篇与技艺的精进 一、古典音乐的宏伟叙事：一部跨越时代的交响 本书并非致力于零基础的乐器入门指导，而是深入探索古典音乐的恢弘世界及其背后的文化意蕴。我们将带领读者穿越时空，探访巴赫的严谨对位，莫扎特的优雅灵动，贝多芬的激情澎湃，以及浪漫主义时期勃拉姆斯和马勒那深邃的情感表达。 （一）西方音乐史的脉络梳理：从格里高利圣咏到二十世纪先锋 本卷详述了西方音乐自中世纪萌芽至近现代发展的完整轨迹。重点剖析了不同历史阶段的音乐风格特征、主要的作曲技法演变，以及社会思潮对音乐创作的深刻影响。例如，文艺复兴时期复调音乐的成熟，巴洛克时期“音乐的革命”（如协奏曲、奏鸣曲的形成），以及维也纳古典乐派如何确立了奏鸣曲式这一核心结构。我们不会涉及任何关于如何持弓或调整音高的具体操作指南。 （二）管弦乐队的构建与功能解析 书中对交响乐团的编制进行了细致的描摹。从弦乐组（小提琴、中提琴、大提琴、低音提琴）的音色特性与功能分配，到木管组、铜管组、打击乐组的独特音色与在乐队中的作用，都有详尽的论述。分析了指挥家如何在复杂的织体中调和各声部，实现作品的整体平衡与情感表达。内容完全聚焦于理论分析和艺术鉴赏，不涉及任何演奏技巧的教授。 （三）歌剧艺术的深度剖析：人声与戏剧的融合 我们将深入解析歌剧这一综合性艺术的结构。从意大利的早期歌剧咏叹调（Aria）到宣叙调（Recitative），再到德奥的音乐剧（Musikdrama）的“无限旋律”理念，对瓦格纳的“主导动机”系统进行专题研究。探讨不同时代对人声美学的追求，以及舞台表演与音乐表达的相互作用。重点在于对经典剧目如《费加罗的婚礼》、《尼伯龙根的指环》的文本与音乐的互文性分析。 二、和声与对位的精深理论：音乐思维的架构 本书的第二部分，是为有一定音乐基础，渴望深入理解作曲原理的学习者准备的，内容高度理论化，完全脱离了入门练习册的范畴。 （一）传统功能和声学的系统建构 详尽阐述了从三和弦到七和弦、九和弦的构建规则，以及大小调体系下的和声功能（主、属、下属）在乐句发展中的作用。重点讨论了转调的技法，包括平行转调、关系和弦转调、以及复杂减七和弦在远关系转调中的应用。书中包含大量复杂的和声进行示例，但这些示例是作为理论阐述的工具，而非练习曲目。 （二）巴赫式的对位艺术：赋格曲的逻辑 本书用专门的章节来解构巴赫晚期作品中对位法的精妙。详细分析了模仿、卡农、以及标准的赋格曲的结构要素：主题的呈示部、展开部、再现部。探讨了反向、逆行、增值、减值等对位手法在构建复杂织体中的逻辑关系。读者将学会如何从技术层面拆解复调音乐的内在逻辑，而不是学习如何拉奏某个片段。 （三）配器法与织体设计 探讨如何根据不同乐器的音域、音色特性以及演奏性能，构建有效的管弦乐织体。分析了如何利用音区的高低、声部的疏密、以及乐器的音色组合来达到特定的心理效果（如“明亮感”、“朦胧感”）。例如，对比了使用双簧管与单簧管演奏同一旋律时，在整体配器中所产生的细微差别及其对听觉感知的影响。 三、二十世纪及当代的音乐探索：突破边界的声音实验 此部分聚焦于音乐语言的革新与多元化，是对传统“悦耳”概念的挑战与拓展。 （一）无调性音乐的诞生与发展 系统梳理了勋伯格、贝尔格、魏本伯格的“十二音体系”（Dodecaphony）的建立过程和操作规则，这是一种完全不同于传统调性的组织方式。随后探讨了序列主义（Serialism）如何将十二音原则扩展到节奏、力度和音色等其他音乐元素上。 （二）随机音乐与机遇美学 深入分析了约翰·凯奇等作曲家如何引入“偶然性”作为创作手段。讨论了“留白”在音乐结构中的重要性，以及如何通过掷骰子、抛硬币等方式决定乐谱元素，从而使得每一次演奏都成为独一无二的事件。这部分内容纯粹是关于作曲观念的探讨。 （三）电子音乐与声波的重塑 概述了从具体音乐（Musique concrète）到纯电子音乐（Elektronische Musik）的发展历程。分析了如何将现实世界的录音（噪音、环境声）进行剪辑、变速、反转等处理，使其成为新的音乐材料。探讨了合成器技术在构建前所未有的音响景观方面的贡献。 四、音乐美学与批判性聆听指南 本书的最后一部分，是关于如何提升对音乐的理解深度，从被动的听众转变为积极的鉴赏者。 （一）现象学视角的音乐感知 引入音乐现象学的观点，探讨听者在体验音乐时，主体意识与声音客体之间的互动关系。讨论了“预期”与“实现”在音乐愉悦感中的作用，以及结构性张力如何引导听觉体验。 （二）跨文化音乐的对话 简要介绍非西方传统音乐，如印度拉格（Raga）体系的即兴原则，以及中东旋法（Maqam）的音高特性，以拓宽读者的音乐视野，理解音乐的普适性与地域性。这部分内容旨在提供参照系，而非教授任何异域乐器的演奏法。 （三）专业乐评的构建与辨识 指导读者如何阅读和撰写专业的音乐评论。区分描述性分析（Descriptive Analysis）与规范性评价（Prescriptive Judgment）的界限，并教授如何运用准确的音乐术语来表达对作品的深刻见解。 总结： 本书是音乐学院学生或资深乐迷的理论深化读物，旨在提供宏大的历史视角、严谨的理论框架和前沿的艺术思潮，完全侧重于音乐的“知”与“思”，而非乐器的“习”与“练”。

评分☆☆☆☆☆

对于乐理部分的处理，这本书展现出了极高的编排智慧，完全没有落入传统乐理书的窠臼。我曾经尝试过几本乐理书，要么是干巴巴的数学公式，要么就是大段的黑白文字堆砌。然而，在这本教材里，乐理知识被巧妙地融入了小提琴演奏的具体场景。比如，在讲解“音程”时，它会立刻关联到“为什么这个把位按这个音会听起来和谐或不和谐”，用耳朵去“感受”乐理，而不是单纯用脑子去“记忆”概念。甚至连“拍号”的讲解，都不是抽象的定义，而是通过模拟弓法的快慢和力度变化来体现节奏的强弱划分。这种“情境化教学”的方式，使得那些原本晦涩的理论变得直观易懂，我甚至觉得，这本书不仅仅是在教我拉琴，更是在培养我对音乐结构的基本审美直觉。

评分☆☆☆☆☆

关于乐曲和练习部分的编排，简直可以用“渐进式惊喜”来形容。我原本以为入门曲目会是那些枯燥的音阶和“小星星”的变奏，但这本书的选曲品味非常高。第一阶段的曲目虽然简单，却能让人很快奏出像样的旋律，比如那些改编自民间小调的部分，听起来已经有了“音乐”的样子，而不是生硬的音符组合。更厉害的是，它的练习曲设计，不是那种机械重复的“地狱模式”。每一个练习片段都紧密结合了前一章刚刚学到的技巧，比如，学了“揉弦前的准备动作”后，紧接着的练习曲就会自然而然地引入需要轻微揉弦的乐段。这种“学完即用，用中求精”的闭环设计，让练习的效率大大提高，我不再需要时刻盯着目录去查找“这个练习是练什么的”，因为它们内在的逻辑线索非常清晰，流畅得像一条自然的河流。

评分☆☆☆☆☆

这套教材给我的最大感受是其背后蕴含的“自洽的体系”。它不像市面上很多拼凑的教程，这里讲一点指法，那里贴一段乐理，缺乏一个核心指导思想。但《无师自通》从选材、到排版、到练习的递进，都围绕着一个明确的目标——让自学者在没有老师的情况下，也能建立起一套规范的演奏习惯和正确的审美观。特别是那张附赠的CD，它的示范速度控制得极其精准，既有慢速的拆解，也有接近正式演奏速度的范例，这对于校准听觉和动作至关重要。我发现，光是反复听和模仿CD里的演奏细节，比如换把时的微小处理，甚至弓子在弦上接触点的细微调整，就已经让我对“好的声音”有了更具象的认识。这套书真正做到了“授人以渔”，它教给我的不仅仅是“如何拉出这个音”，更是“如何去听，如何去判断”。

评分☆☆☆☆☆

作为一个完全零基础的“乐盲”，我最怕的就是那种上来就抛出一堆专业术语，让人望而生畏的教材。但这本《无师自通玩转小提琴》的开篇简直像一位和蔼可亲的老师在耳边细语。它没有急着教我如何持弓，而是花了大篇幅去介绍小提琴的各个部件，用非常形象的比喻，比如把琴弦比作“声音的神经”，把音柱比作“琴的灵魂”。这种娓娓道来的讲解方式，极大地降低了我的心理门槛。最让我感到惊喜的是，它对“如何放松”的强调。在很多其他教程中，放松往往是一笔带过，但这本书专门开辟了一个章节，配有慢速的拉伸图解，教你如何活动肩膀、手腕，仿佛在做一个瑜伽入门课。这种注重“身体感受”而非纯粹“技巧堆砌”的教学思路，无疑是专为我这种“手僵硬星人”量身定做的，让我觉得学习不再是一场煎熬，而是一场缓慢的身体觉醒。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计简直是心头好，封面那拉丝的哑光处理，拿在手里质感十足，完全不像市面上那些廉价的入门教材。我尤其欣赏它那种克制而高级的配色，深沉的墨绿配上烫金的字体，透露出一种对音乐的敬畏感。翻开内页，纸张的厚度和白度都恰到好处，即便是长时间对着谱子练习眼睛也不会感到疲劳。更值得称赞的是排版，五线谱和指位图的比例拿捏得非常精准，不会让人觉得拥挤，即便是初学者也能迅速定位到关键信息。CD的收纳方式也设计得很巧妙，没有随意地用塑料袋糊弄了事，而是用一个专门的卡槽固定在封底内侧，非常安全稳固。这种对细节的关注，让我感觉作者和出版方是真的用心在做产品，而不是敷衍了事地想赚一笔快钱。光是这份对“物质载体”的尊重，就已经让我对后续的学习内容充满了期待，毕竟好的工具是成功的一半，拿着它，就仿佛已经踏上了优雅的音乐殿堂。