乐理自学从入门到精通 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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陈飞 编

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出版社： 人民邮电

ISBN：9787115473127

商品编码：29744465441

开本：16

出版时间：2018-05-01

基本信息

• 商品名称：乐理自学从入门到精通
• 作者：编者:陈飞
• 定价：54.8
• 出版社：人民邮电
• ISBN号：9787115473127

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2018-05-01
• 印刷时间：2018-05-01
• 版次：1
• 印次：1
• 开本：16开
• 包装：平装
• 页数：240
• 字数：689千字

内容提要

陈飞编著的《乐理自学从入门到精通》是针对零 基础音乐爱好者量身定制的乐理从入门到精通教程。
    在本书中，读者将学会乐理的基本知识，为日后的音 乐学习打下坚实的基础。
     本书分为30个章节，包括音乐的基本知识、乐谱 的基本知识、音程、节奏、音阶、和弦、和弦扩展、 调式训练等。作者用详细的文字讲解，配以图解展示 ，让没有基础的读者在理解文字的基础上，再参考展 示图片，轻松学会乐理。这种学习方式让读者在枯燥 的乐理学习过程中，找到快乐并能轻松地坚持下去， 而不会因为一些繁琐的文字性的音乐理论放弃对乐理 的学习。
     本书适合音乐爱好者阅读，也适合音乐培训学校 作为教程使用。
    

目录

Part 01 音乐基础知识
第一课 什么是音
第二课 音的分类
第三课 音的性质
第四课 十二平均律
Part 02 学习五线谱
第一课 什么是乐谱
第二课 五线谱的线和问
第三课 谱号
第四课 调号和拍号
第五课 变音记号
第六课 大谱表
Part 03 音名与唱名
第一课 基市音名与唱名
第二课 升降号写法
第三课 升降号读法
第四课 升降号唱名
第五课 首调唱名法
第六课 固定调唱名法
第七课 练习1
第八课 练习2
Part 04 音程
第一课 音程的基本概念
第二课 音程的名称
第三课 音程推算练习1
第四课 音程推算练习2
第五课 音程弹奏练习
Part 05 节奏入门
第一课 初识节奏
第二课 学习使用节拍器
第三课 学习八分音符
第四课 学习连音线
第五课 学习休止符
第六课 学习附点音符
Part 06 节奏进阶训练
第一课 节奏型组合强化训练1
第二课 节奏型组合强化训练2
第三课 学习切分音
第四课 学习十六分音符
第五课 学习三连音
第六课 节奏型组台强化训练3
第七课 节奏型组台强化训练4
……

《音乐鉴赏与情感表达：从聆听到共鸣的旅程》 书籍简介 导论：超越音符的界限 本书旨在为广大音乐爱好者提供一个系统而深入的视角，来理解音乐是如何超越单纯的听觉刺激，成为人类情感表达与文化传承的重要载体。我们不侧重于枯燥的规则推演，而是着眼于音乐作品的“呼吸”与“灵魂”。通过剖析不同历史时期、不同地域风格的音乐范例，读者将建立起一套灵活、直观的音乐鉴赏框架，学会如何“聆听”音乐的叙事，并最终实现与创作者情感上的深度共鸣。 本书的结构设计，将引导读者从基础的听觉敏感度训练开始，逐步深入到对复杂结构、和声色彩以及织体布局的感知，最终聚焦于音乐在社会语境中的意义和功能。 --- 第一部分：唤醒听觉的耳朵——基础感知与情境构建 第一章：声音的物理学与心理学：音乐的原材料 本章将探讨声音如何被我们的感官接收并转化为大脑中的“音乐体验”。我们不会陷入深奥的声学公式，而是关注频率、音色和强弱这些要素如何直接影响我们的情绪——例如，为什么高音区常与紧张或喜悦相关联，而低音区则带来沉稳或压抑感。 听觉聚焦训练： 引导读者练习分辨不同乐器在合奏中的独立声部（“声部追踪”）。 情绪的物理对应： 讨论特定频率范围与人类基础情绪（恐惧、放松、兴奋）的关联。 第二章：节奏的律动与身体的共振 节奏是音乐的骨架，也是最能引起身体本能反应的元素。本章深入探讨节奏的层次结构，从单纯的节拍到复杂的复节奏（Polyrhythms）。我们将分析不同文化中节奏模式所蕴含的哲学意义。 文化脉动： 对比西方古典音乐的方正节奏与非洲、拉丁美洲音乐中自由流动的复合节奏，探究它们如何反映了各自的社会结构和生活节奏。 静默的力量： 深入分析“休止符”——音乐中的留白——在构建张力与推动叙事方面的关键作用。 第三章：旋律的线条与记忆的锚点 旋律是音乐中最容易被记住的部分，也是情感表达的直接载体。本章关注旋律的“轮廓”和“走向”，而非其音高组合。 动机与发展： 如何通过一个简短的音乐动机（Motif），作曲家能够构建起宏大的音乐篇章。通过巴赫或莫扎特的作品实例，展示动机的变形、模仿与再现。 音阶的“性格”： 探讨大调、小调以及各种调式（如多利亚调式、弗里吉亚调式）所带来的固有情绪色彩，理解它们如何为音乐设定基调。 --- 第二部分：和声的色彩与织体的深度 第四章：和声的逻辑与情感的张力 和声是音乐情感深度的核心。本章将避免使用过于技术的术语，而是将和弦视为“声音的群落”，探究它们之间的关系如何制造和解决张力。 协和与不协和的辩证： 解释为什么“不和谐音”并非错误，而是音乐叙事中不可或缺的冲突点。通过德彪西或晚期浪漫主义音乐，展示色彩性的和声运用。 功能和声的“语法”： 简要介绍主和弦、属和弦等核心元素如何像句子中的主谓宾一样，构筑起音乐的逻辑走向，以及打破这种逻辑时产生的“惊奇感”。 第五章：复调与主调：织体的空间布局 织体（Texture）决定了音乐听起来是单薄还是丰满，是清晰还是迷雾重重。本章对比分析不同织体如何塑造听觉空间。 单音与主导： 欣赏早期音乐或某些民谣中，旋律如何清晰地位于听觉的焦点。 对位法的对话： 深入探究赋格曲等复调音乐中，不同声部如何互相追逐、模仿和融合，形成一个复杂而有序的“声音迷宫”。 第六章：配器：乐器的语言与情感的温度 配器是作曲家赋予音乐“身体”的过程。本章侧重于分析不同乐器的音色特性如何服务于情感表达。 木管乐器的细腻表达： 探究长笛的轻盈、双簧管的忧郁以及巴松管的幽默感。 弦乐组的情感广度： 分析小提琴、中提琴、大提琴、低音提琴各自在描绘广阔情感场景中的独特贡献。 打击乐的戏剧性： 鼓、钹、定音鼓如何在不发出旋律的情况下，精准地标记场景的高潮与转折。 --- 第三部分：风格、历史与跨界：音乐的语境解读 第七章：西方音乐史的风格快照：从巴洛克到现代 本章以宏观视角审视西方音乐流派的演变，关注每个时代风格背后的社会思潮。 巴洛克的秩序与激情： 理解宏大叙事、对位严谨与装饰手法的内在联系。 古典主义的清晰与平衡： 探究奏鸣曲式如何体现启蒙时代的理性精神。 浪漫主义的个人史诗： 侧重于音乐如何成为个人情感的宣泄口，以及标题音乐的兴起。 第八章：非西方音乐的听觉地图：全球视野 音乐鉴赏不应局限于欧洲传统。本章将引导读者领略世界其他伟大音乐传统中的鉴赏要点。 印度古典音乐的微观世界： 介绍“拉格”（Raga）的概念，理解即兴创作与旋律框架的关系。 中日传统音乐的意境： 探讨留白、气息和对“自然之声”的模仿，如何构成其独特的审美体系。 第九章：流行音乐的解构与文化解码 流行音乐是当代最直接的情感交流方式。本章分析流行音乐的结构如何适应大众传播，并探讨其文化意义。 歌曲结构的效率： 分析流行歌曲（如AABA结构）在信息快速传递上的优势。 节奏与身份认同： 探讨摇滚、嘻哈、电子音乐等流派的节奏模式如何成为特定社群身份的宣言。 --- 结语：成为音乐的共同创作者 本书的最终目标，是帮助读者从被动的“听众”转变为主动的“体验者”和“解读人”。音乐鉴赏不是寻找标准答案，而是一场持续的、个人的发现之旅。掌握了聆听的工具和语境，每一次的播放，都将成为一次与历史、文化和作曲家灵魂的深度对话。请带着这份新的敏感度，去探索你从未注意到的音乐细节，让音乐真正融入你的生活脉搏。

评分☆☆☆☆☆

这本书的厚度和内容量让我这个学渣感到压力山大，但翻阅之后，发现它的结构设计非常人性化。我一直觉得乐理学习最大的障碍是缺乏一个清晰的路径图，常常不知道学完这个应该去哪里，容易迷失方向。这本书在这方面做得非常出色，它把整个乐理体系拆分成了好几个递进的模块，从最基本的音高、节奏开始，逐步过渡到调式、功能和声，最后甚至涉及到了二十世纪的一些现代和声概念。我尤其欣赏它在“拓展阅读”部分的处理。每当一个重要知识点讲完后，它会推荐一些相关的音乐片段或者更深入的理论探讨方向，这极大地激发了我主动探索的欲望。我发现自己不再是被动地接受知识灌输，而是主动地去寻找和验证书本上的内容。比如讲到调式时，它会立刻给出不同调式在不同音乐风格中的应用范例，这让我对音乐的理解立刻立体了起来。我之前总觉得调式是高冷的理论，现在感觉它们就是音乐的“调味料”，用对了地方，味道就对了。这本书就像一个耐心的向导，知道什么时候该快进，什么时候该慢下来细品。

评分☆☆☆☆☆

我是一个偏重理论研究的音乐系学生，平时接触的教材大多是德文原版或者非常晦涩的中文翻译本，动辄就是厚厚的名词解释和复杂的公式推导，让人读起来非常累。这次偶然接触到这本《乐理自学从入门到精通》，真是眼前一亮。这本书的语言风格非常“接地气”，但请注意，“接地气”绝不等于“肤浅”。它的优势在于，它能用最简洁明了的语言，解释清楚那些看似深奥的理论内核。比如，它解释“转调”时，没有直接抛出“关系调”的概念，而是先描绘了音乐情绪如何在不同色彩间转换的场景，这让“为什么需要转调”这个问题变得直观易懂。而且，这本书的排版考虑到了长期阅读的需求，纸张的质感很好，印刷清晰，长时间阅读眼睛也不容易疲劳。在高级和声部分，它没有回避那些复杂的增减和弦，但它提供了一种“函数式”的分析方法，让你能像解数学题一样去拆解和声进行，而不是仅仅靠听觉去“感觉”，这对我做学术分析帮助极大。它成功地架起了一座从基础认知到高级分析的桥梁。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我买这本书的时候其实已经对基础乐理有点了解了，但总感觉自己的知识体系里有太多“黑洞”，很多地方只是“会用”但并不“理解原理”。这本书真正帮我填补的，是关于曲式分析的部分。很多乐理书写到和声就戛然而止，或者只是简单提一下什么是“呈示部”、“发展部”。而这本书，对不同体裁的曲式结构，比如奏鸣曲式、回旋曲式，甚至是一些巴洛克时期的复调结构，都做了非常细致的图解和步骤分解。它甚至提供了一个分析工具箱，教你如何一步步地去解剖一首复杂的古典音乐作品。我拿了一首贝多芬的奏鸣曲来尝试套用书中的分析框架，结果发现，以前听起来像是一堆快速跑动的音符，现在竟然能清晰地听出主题的回归、副部的转调和尾声的收束。这种“看见”音乐结构的能力，是单纯听觉训练无法给予的。此外，书里还提到了很多关于音乐的“潜规则”，比如某些作曲家偏爱的和声进行模式，这些都不是教科书上必须讲的，但却是真正能提升音乐鉴赏力和创作深度的“内幕消息”。这本书的价值，就在于它超越了“入门”的范畴，真正做到了“精通”的门槛铺垫。

评分☆☆☆☆☆

这本乐理书，拿到手沉甸甸的，感觉内容肯定很扎实。我本来是抱着试试看的心态买的，毕竟市面上的乐理书很多，要么讲得太学术，让人望而却步，要么又过于简化，很多核心概念一带而过。这本书的封面设计就很吸引人，简约又不失专业感。翻开内页，排版清晰，图文并茂，这点非常重要，因为乐理本来就抽象，没有好的视觉辅助很难理解。我个人对和声学特别头疼，复杂的转位、功能分析总是让人一头雾水。这本书在讲解这些部分时，似乎用了不少生活化的比喻，让我这个初学者也能快速抓住重点。比如讲到属七和弦解决时，那种“急切想回家”的感觉，描述得非常生动。而且，它还包含了大量的练习题，而且很多练习题是带着解析的，这对我这种自学者来说简直是福音。做完练习，能立刻知道自己哪里没搞懂，而不是做完了一头雾水。书里还穿插了一些音乐史上的小故事，让枯燥的学习过程增添了不少趣味性。总体来说，对于想系统学习乐理，但又苦于找不到一本既深入浅出又实用的教材的人来说，这本书绝对值得一试。我期待着接下来的学习旅程能更加顺畅。

评分☆☆☆☆☆

老实说，我是在一个乐友群里被强烈推荐这本书的，当时我正在为准备一个乐队排练的配器工作焦头烂额。我之前学的乐理有点零散，很多基础概念像是蒙着一层纱，看不真切。这本书最让我惊喜的是它对节奏和节拍的讲解部分。市面上很多书把节奏写得跟鬼画符一样，五线谱、复杂的拍号转换，看得人眼花缭乱。但这本书的处理方式非常巧妙，它用了大量的图示和口诀来帮助记忆和理解，甚至还提供了很多可以跟着打拍子练习的节拍器提示。我试着跟着书上的指引，把一些我一直搞不清楚的复节奏型敲了出来，那种顿悟的感觉真是太棒了！此外，它对配器和声部进行处理时的建议也特别实用，不是那种纯理论的堆砌，而是直接告诉你“在实际创作中，你可以这样操作”。我用了书中一个关于织体密度的建议，在给钢琴伴奏编配时，立刻让整体听感提升了一个档次。这本书给我的感觉是，它不仅仅是教你怎么“知道”乐理，更是教你怎么“运用”乐理。这对于一个实践导向的学习者来说，价值无可估量。