竇娥冤(交響序麯)/21世紀華人作麯傢作品係列 pdf epub mobi txt 電子書 下載 2025

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牟洪 編

圖書標籤:

• 竇娥冤
• 京劇
• 交響樂
• 中國古典
• 21世紀音樂
• 華人作麯傢
• 音樂作品
• 古典音樂
• 戲麯改編
• 原創音樂

店鋪： 錦瑭圖書專營店

齣版社： 中央音樂學院

ISBN：9787810968232

商品編碼：29763718985

齣版時間：2017-08-01

基本信息

• 商品名稱：竇娥冤(交響序麯)/21世紀華人作麯傢作品係列
• 作者：牟洪
• 定價：40
• 齣版社：中央音樂學院
• ISBN號：9787810968232

其他參考信息（以實物為準）

• 齣版時間：2017-08-01
• 印刷時間：2017-08-01
• 版次：1
• 印次：1
• 開本：
• 頁數：66

樂海拾貝：二十世紀與二十一世紀初西方管弦樂作品精選 書籍簡介 本書旨在為讀者呈現二十世紀至二十一世紀初西方管弦樂創作的廣闊圖景與深刻變革。它並非聚焦於某一部特定作品的文獻梳理，而是力求構建一個多元、立體的音樂思想空間，涵蓋瞭從印象主義的餘暉到後現代主義的諸多流派與創新實踐。本書精選瞭在世界範圍內具有代錶性和影響力的作麯傢及其管弦樂作品，深入剖析瞭他們如何迴應時代思潮、如何探索音響的邊界、以及如何重塑傳統管弦樂隊的語言體係。 本書的結構圍繞幾個核心主題展開：“現代主義的拓荒者與調性邊界的探索”、“序列主義、偶發藝術與音色革命”、“極簡主義的迴響與新浪漫主義的復蘇”，以及“跨文化對話與數字時代的音響實驗”。 --- 第一部分：現代主義的拓荒者與調性邊界的探索 (約1900-1945) 本章重點審視瞭二十世紀初，作麯傢們如何掙脫瓦格納式晚期浪漫主義的束縛，開啓瞭管弦樂創作的全新紀元。 一、印象主義的色彩大師與印象派的管弦織體 盡管印象主義常與法國印象派繪畫相聯係，但在管弦樂中，它錶現為對音色（Timbre）和和聲色彩的極端關注，而非嚴格的結構主義。我們將探討德彪西（Claude Debussy）後期作品中對管弦樂隊的“朦朧化”處理，例如他如何使用弱奏、異位組閤以及非功能性和聲來營造流動的、瞬間的聽覺體驗。重點分析其管弦配器中木管組和打擊樂組的微妙運用，這些技巧如何使樂隊的聲音質地變得透明而富有光澤。 同時，我們將考察拉威爾（Maurice Ravel）在繼承與反叛印象主義的實踐。拉威爾的作品，如《圓舞麯》，展現瞭一種更精密的、近乎機械般的配器技藝，其對銅管與弦樂的對比和交織的精妙處理，為後來的配器法奠定瞭新的基準。 二、錶現主義的內在衝突與情感的極度擴張 二十世紀初，奧地利錶現主義音樂的興起標誌著音樂主題從外部世界的描繪轉嚮對人類內心焦慮、恐懼和潛意識的挖掘。勛伯格（Arnold Schoenberg）從調性瓦解的過程中，發展齣十二音體係。本書將詳細解析他在轉型期的管弦樂作品（如《五首管弦樂麯, Op. 16》），探討“音組寫作”如何滲透到配器層麵，使每個聲部都具有同等的結構重要性，從而打破瞭傳統管弦樂中鏇律、和聲與伴奏的層級關係。 繼承其衣鉢的貝爾格（Alban Berg）和韋伯恩（Anton Webern）則在不同方嚮上深化瞭這一探索。貝爾格的作品繼承瞭豐富的浪漫主義情感內核，但以十二音技法進行結構組織，其管弦樂配器中充滿瞭密集的對位和強烈的對比性音響塊。韋伯恩則走嚮瞭極緻的簡潔和精確，他的作品展現齣“點描主義”的管弦樂風格，每一個音符都經過深思熟慮，被置於特定的空間和時間維度中，對後來的極簡主義和音色音樂産生瞭深遠影響。 三、新古典主義的迴潮與結構的迴溯 麵對前衛的無調性探索，一批作麯傢重新審視巴洛剋和古典時期的音樂形式與精神。新古典主義並非簡單的復古，而是一種以現代和聲語言和配器手法來重新詮釋古典結構的嘗試。斯特拉文斯基（Igor Stravinsky）是這一轉變的核心人物。我們將分析他從早期野蠻的節奏衝擊轉嚮對“清晰度”、“力度”和“對位精確性”的追求，探討其在《普爾欽奈拉組麯》或後來的交響麯中，如何運用樂隊來模仿更古老的樂團編製和音響特質，但其內部的張力依然是二十世紀的。 --- 第二部分：戰後實驗：序列、偶發與音色新紀元 (約1945-1970) 二戰後的歐洲，音樂界掀起瞭一場激進的、企圖“從零開始”的革命。 一、嚴密控製下的全麵序列化 達姆施塔特夏令營成為新一代作麯傢思想的熔爐。布列茲（Pierre Boulez）是“第二維也納樂派”激進路綫的繼承者。他的序列思想從音高擴展到節奏、力度和音色，追求對音樂材料的絕對控製。本書將分析其管弦樂作品中如何運用復雜的節拍劃分和高密度的對位來構建聲學迷宮，挑戰聽眾對時間感知的習慣。 二、電子音樂與新的配器思維 電子音樂的興起對傳統管弦樂隊的配器觀念産生瞭顛覆性的影響。作麯傢們開始思考如何用聲學樂器模擬或對抗電子音響。這種影響最顯著地體現在“音色音樂”（Klangfarbenmelodie）的深化上，即鏇律被分散到不同音色、不同樂器組之間，音樂的綫性流動被垂直的音響場取代。 三、偶發性與不確定性的引入 約翰·凱奇（John Cage）以其對“機遇”和“沉默”的哲學探討，徹底動搖瞭作麯傢作為“創造者”的權威地位。在管弦樂作品中，這種不確定性體現為樂譜上開放的指示、樂手的即興空間，甚至是對樂器本身物理限製的探索（如在琴碼上演奏、使用非傳統擊打）。這迫使管弦樂隊不再是音符的精確執行者，而成為瞭一個開放的聲學事件發生場。 --- 第三部分：後現代的迴聲與多元化浪潮 (約1970至今) 進入後現代語境，作麯傢們對現代主義的僵化傾嚮進行瞭反思，音樂風格開始呈現齣前所未有的多樣性。 一、極簡主義的結構與循環復調 受美國極簡主義音樂（如萊希、賴利）的影響，歐洲作麯傢開始將重復、漸變和緩慢的相位移動引入大型管弦樂結構中。這些作品通常具有高度的節奏感和冥想性的音色特徵。我們將探討，當重復的動機被置於大型管弦樂隊的音量和音域中時，會産生何種宏大的、時間感被拉伸的聽覺效果。 二、新浪漫主義與迴歸抒情性 在經曆瞭長期的抽象探索後，一部分作麯傢重新擁抱瞭鏇律、和聲的明確性和情感的直接錶達，形成瞭被稱為“新浪漫主義”或“迴歸調性”的傾嚮。這些作品通常保留瞭二十世紀的配器技巧，但在情感基調上更具可親近性，並且常常藉鑒非西方音樂元素或民間音樂的質地。 三、跨學科融閤與聲學探索 進入二十一世紀，計算機技術和聲學分析的進步極大地拓寬瞭作麯傢的工具箱。許多當代管弦樂作品緻力於探索“微音程”、“泛音列的控製”，以及“聲場空間化”。作麯傢不再僅僅關注樂器組內部的平衡，而是將整個音樂廳作為樂器的一部分，通過復雜的空間移動指示和多聲道錄音技術，創造齣沉浸式的聽覺環境。例如，一些作品專注於“群體動力學”，將樂隊視為一個動態的、自組織的聲音實體進行描繪。 --- 結語：管弦樂隊的未來語境 本書通過對這些關鍵發展階段的梳理，意在說明，二十世紀和二十一世紀初的管弦樂創作是一部關於解放、實驗與再定義的曆史。作麯傢們不斷地挑戰著樂譜的邊界、演奏技藝的極限，以及聽眾的預期。如今的管弦樂隊，已不再是十九世紀的敘事者，而是成為一個極其靈活、能夠承載最尖銳哲學思考與最細膩聲學現象的多元化聲音機器。本書提供瞭理解這一復雜而迷人的音樂領域所必需的理論框架與實例分析。

評分☆☆☆☆☆

這部作品集的名字初看就帶著一種古典與現代的碰撞感，尤其“交響序麯”和“21世紀華人作麯傢作品係列”這樣的標簽，很容易讓人聯想到宏大敘事和前沿的音樂探索。我本以為會聽到那種傳統戲麯鏇律被大規模管弦樂隊重新編織後的震撼，那種將民間悲劇的力量用交響樂的厚重感來重新詮釋的嘗試。想象中，竇娥的冤屈，那種深入骨髓的控訴，應該會被銅管組的爆發力和弦樂組的細膩纏綿交織在一起，形成一種既熟悉又陌生的聽覺體驗。然而，我聽到的更多是一種對“敘事”本身的一種解構。作麯傢似乎並不滿足於簡單地為戲劇配樂，而是將竇娥的故事作為一種引子，去探討更深層次的結構問題，比如時間感、宿命論的循環往復，甚至是現代社會中個體聲音的被壓抑。這種處理方式，無疑挑戰瞭聽眾對於“戲麯音樂”的既有認知。它更像是一部抽象畫，而不是一幅寫實油畫，需要你放下對劇情的預設，完全沉浸於音色和織體本身。

評分☆☆☆☆☆

我一直在思考，作為“21世紀華人作麯傢作品係列”中的一員，它如何迴應瞭我們這個時代特有的焦慮感？這部作品沒有直接引用任何膾炙人口的民間小調，這本身就是一個重要的立場聲明——拒絕懷舊的裝飾，直麵當下的睏境。在某些片段裏，我甚至聽到瞭後極簡主義的影響，那種近乎機械化的節奏型，讓人聯想到現代都市中流水綫般的生活節奏，人與人之間的疏離感被音高和節拍的精確計算所體現。這種將古典悲劇內核置於一個高度現代化的音樂語匯中的做法，讓“冤屈”這個概念不再僅僅是封建社會下的産物，而變成瞭一個可以跨越時代、滲透到任何高壓社會結構中的永恒母題。它提供瞭一個思考的框架：我們的現代生活，是否也藏著另一種形式的“竇娥冤”？

評分☆☆☆☆☆

總而言之，這部作品集更像是一份作麯傢對一個經典文本進行深度哲學剖析的學術報告，而不是一場輕鬆的音樂會。它成功地將民族性的悲劇符號，提升到瞭一個具有普世價值的現代藝術探討層麵。它的優點在於其智性的深度和嚴謹的結構，它不是那種一聽就能哼齣鏇律的作品，但絕對值得反復聆聽和鑽研。每一次再聽，都會因為不同的心境和關注點，從那復雜的聲場織體中捕捉到新的紋理和意味。它挑戰瞭我們的聽覺習慣，也拓展瞭我們對“交響樂”和“傳統戲麯改編”邊界的想象，是一次非常有價值的藝術實踐。

評分☆☆☆☆☆

從純粹的配器法和和聲語言來看，這位作麯傢展現瞭非常成熟的技藝，但更可貴的是他的剋製。在可以盡情炫技的段落，他選擇瞭留白，反而讓少數幾個關鍵音響的齣現具有瞭更強的戲劇性。特彆是中提琴組和低音提琴群在低吟時，那種渾濁、近乎腐敗的音色處理，非常有效地營造瞭一種曆史的塵埃感和時間的重量。我尤其留意瞭其中關於“喊冤”的段落，通常這會是高音區小提琴的尖銳獨奏，但在這裏，作麯傢似乎是讓整個樂隊在同一個極高音區發齣一種近乎電子閤成器般、不帶情感的“嘶鳴”，這讓聽者感到的是一種生理上的不適，而非情感上的共鳴，這無疑是一種高明的處理，因為它強迫聽者麵對的是“聲音的本質”而非“故事的轉述”。

評分☆☆☆☆☆

這次聆聽體驗，最讓我印象深刻的是其對“張力”的拿捏。很多時候，當代音樂為瞭追求新穎和實驗性，容易陷入純粹的音響堆砌，導緻作品缺乏呼吸感和內在的邏輯綫索。但在這部作品裏，無論音樂進行到多麼復雜的對位或者不和諧音程的衝突，總能找到一個情緒的錨點，那個錨點似乎就是竇娥這個形象所承載的“無可奈何”的集體記憶。比如，某一個樂段中，極簡主義的重復動機突然被一陣狂暴的打擊樂撕裂，隨後又迅速迴歸到近乎寂靜的、隻有一個長音懸掛著的空曠感中。這種處理手法，很巧妙地模擬瞭從極度壓抑到瞬間爆發，再到最終的虛無的心理過程。它不是那種直白的“哭訴”，而是一種更內省、更具哲學意味的對苦難的探討。對於那些習慣瞭傳統敘事音樂的聽眾來說，這可能需要一些時間去適應，因為它要求聽者主動去構建自己的情感地圖，而不是被動地跟隨作麯傢鋪設的軌道。