表演秀系列(第4级古典乐曲) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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[美] 南希·菲伯尔兰德尔·菲伯尔... 编

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• 古典乐
• 钢琴谱
• 儿童钢琴
• 初级
• 练习曲
• 古典音乐
• 乐谱
• 技巧提升
• 表演级
• 4级

店铺： 火把图书专营店

出版社： 人民音乐

ISBN：9787103051375

商品编码：29772614213

开本：16

出版时间：2016-06-01

基本信息

• 商品名称：表演秀系列(第4级古典乐曲)
• 作者：编者:(美)南希·菲伯尔//兰德尔·菲伯尔|译者:刘琉
• 定价：33
• 出版社：人民音乐
• ISBN号：9787103051375

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2016-06-01
• 印刷时间：2018-03-01
• 版次：1
• 印次：2
• 开本：16开
• 包装：平装
• 页数：29

内容提要

南希·菲伯尔、兰德尔·菲伯尔编的《表演秀系 列(第4级古典乐曲)》为钢琴之旅系列丛书中的“表 演秀系列”配套曲集。“钢琴之旅”系列教材是人民 音乐出版社和美国海伦德公司共同出资合作的图书出 版项目。该套“表演秀”系列按照难度级别分为1—6 级，与课程用书级别配套。每级又按照不同的音乐类 型分为“精选曲集”、“古典乐曲”、“流行音乐” 、“爵士/布鲁斯”、“儿童歌曲”、“*喜爱的歌 ”等七本。
    

作者简介

南希·菲伯尔与兰德尔·菲伯尔结合了各自作曲家与演奏家的背景，使众多钢琴教师与学生成为其追随者。这对夫妇组合已出版了超过200种的专业图书，其中就包括在世界范围内广受赞誉的“钢琴之旅”系列出版物。 菲伯尔夫妇认为，学习钢琴不仅是为了个人情感的表达与演奏的成功，*重要的是为了发展孩子的音乐创造性与认知能力。这个理念也全面地体现在菲伯尔夫妇的文章、教材以及教学实践中。

目录

C大调中的I、IV、V7和弦
军队进行曲
《bE大调小号协奏曲》主题
《“惊愕”交响曲》主题
特雷巴克舞曲(俄罗斯舞蹈，选自芭蕾舞剧《胡桃夹子》)
广板(选自《第九交响曲——自新大陆》)
拨弦波尔卡
G大调中的I、IV、V7和弦
笑之歌(选自歌剧《蝙蝠》)
咏叹调(选自《农民康塔塔》)
在树林里的小男人(选自歌剧《汉泽尔与格蕾太尔》)
女人善变(选自歌剧《弄臣》)
丢失了一分钱的愤怒
F大调中的I、IV、V7和弦
** 7首波罗维茨舞曲(选自歌剧《伊戈尔王子》)
序曲(选自歌剧《威廉·退尔》)
南国玫瑰圆舞曲(维也纳华尔兹)
古典音乐名词解释
音乐术语词典

演奏的艺术：深入探索管弦乐的辉煌与技巧 本书收录了一系列精选的、适合中高级演奏者深入钻研的管弦乐作品选段。我们聚焦于那些在音乐史上具有里程碑意义的篇章，旨在帮助演奏者超越单纯的音符模仿，真正把握作曲家创作时的情感内核与精湛的演奏技术要求。 本书并非针对初学者，而是为那些已经掌握了基础乐理和乐器演奏技巧的音乐爱好者、专业学生以及乐团成员准备的“进阶手册”。我们深知，要将古典音乐的魅力淋漓尽致地展现出来，仅凭乐谱是不够的；还需要对和声结构、对位法、管弦配器法以及历史演奏风格有深刻的理解。 内容导航与核心主题： 第一部分：巴洛克时代的精妙织体——清晰度与装饰的平衡 本部分选取了巴赫、亨德尔以及维瓦尔第等大师的代表作片段。这些作品以其严谨的复调结构著称，要求演奏者具备极高的独立声部处理能力。 对位法的解剖： 我们将详细分析赋格曲或协奏曲中，不同声部（如小提琴I、II、中提琴、大提琴与低音提琴）之间的追逐、模仿与交织。重点讲解如何保持每个声部的清晰度（Clarity），确保听众能够分辨出旋律线的走向，而非陷入一团模糊的音响之中。 装饰音的准确性与情感表达： 巴洛克音乐充满了三连音、颤音、回音等装饰音。本书不仅提供了这些符号的演奏规范（例如，颤音的起始音和方向），更重要的是探讨了在不同情感背景下（如庄严的慢板与活泼的快板）装饰音的速度与力度变化，避免机械化地演奏。 弓法与音色的历史考证： 针对弦乐演奏者，我们深入探讨了使用巴洛克时期弓法（如较短、更清晰的断弓）对整体音色带来的影响，鼓励演奏者尝试不同历史时期的演奏法，以期更贴近原作意图。 第二部分：古典主义的结构与平衡——奏鸣曲式的逻辑构建 海顿、莫扎特和贝多芬的作品是古典主义音乐的基石。本部分侧重于理解宏大结构下的精妙平衡。 主题的呈示与发展： 深入解析奏鸣曲式（Sonata Form）中呈示部、发展部和再现部的功能。对于乐团，这要求所有声部必须对主要动机（Motif）的“身份”有共同的认识，并在发展部中体现出紧张感和不确定性。 力度标记的层次性（Terraced Dynamics）： 古典主义音乐不像浪漫主义那样依赖持续的渐强或渐弱。我们强调了古典时期音乐中“强”与“弱”之间的突变性，如何通过精确的力度标记（如 p 到 f 的突然转换）来描绘戏剧冲突。 清晰的歌唱性（Singing Quality）： 尤其在莫扎特的慢乐章中，旋律的线条至关重要。本书提供了如何通过弓法的平滑过渡和气息的精准控制，使管弦乐的合奏听起来如同一个训练有素的独唱家。 第三部分：浪漫主义的激情与色彩——管弦配器的深度挖掘 肖邦、勃拉姆斯、柴可夫斯基以及早期马勒的作品，标志着管弦乐音响的巨大拓展。本书将重点放在色彩的调配上。 配器色彩学的应用： 分析作曲家如何利用不同乐器的音色组合来描绘特定的场景或情绪。例如，如何通过木管乐器（双簧管、单簧管）与低音提琴的低吟结合，营造出既忧郁又深沉的背景。 情感的极端化处理： 浪漫主义要求演奏者敢于拥抱情感的广阔范围。本书指导演奏者如何处理那些极端的力度标记（如 pppp 和 ffff），以及如何通过延音和呼吸的控制，使渐强（Crescendo）具有史诗般的张力。 导管与对话： 在大型交响乐中，经常出现一个声部（如圆号或大提琴）突然承担起叙事者的角色。我们需要学习如何让这些“导管”在整体音响中脱颖而出，同时又不破坏整体的融合度。 第四部分：现代技法的前奏——20世纪的挑战与革新 本部分着眼于德彪西、拉威尔乃至斯特拉文斯基等作曲家带来的全新挑战，预示着20世纪音乐的到来。 音色与纹理的探索： 德彪西的“印象派”音乐要求演奏者思考“声音本身”而非仅仅是旋律。我们讨论了如何使用非传统的弓法（如靠近琴码或指板的演奏）、特殊指法或气息控制来创造“音色纹理”（Timbric Texture）。 节奏的复杂性： 斯特拉文斯基等人的作品常包含不规则的拍号和复杂的切分节奏。本书提供了系统的节奏训练方法，确保乐团在面对这些突变的节奏时，仍能保持高度的同步性和内在的驱动力。 不和谐音的理解： 对于这些作品中大量出现的九和弦、增和弦或无调性片段，本书旨在帮助演奏者理解其功能性——它们并非“错误”的和声，而是服务于新的美学表达，并指导演奏者如何以自信和清晰度来演奏这些“新声音”。 本书的价值在于提供了一个结构化的学习路径，将管弦乐演奏从“阅读乐谱”提升到“诠释音乐”的层次。它要求读者投入大量的时间进行细致的声部分析和技术打磨，是致力于提升演奏深度与广度的严肃音乐学习者的必备参考书。

评分☆☆☆☆☆

我是一个偏爱浪漫主义晚期和印象派作品的乐手，对于更早期的古典作品，我总是觉得少了点“色彩”。抱着试试看的心态拿起了这本乐谱集，结果收获了意想不到的惊喜。这本书的选材范围其实比我想象的要宽泛得多，它并没有局限于某一个固定的时代风格，而是像一个策展人一样，精心挑选了那些在“戏剧冲突”和“情感爆发点”上具有共性的作品。比如，其中收录的一段巴赫的G大调选段，在经过精心处理后，听起来竟然有了近乎德彪西般的流动感，这绝对是编者高超的音乐解读能力所致。它教会了我如何用现代的听觉习惯去“重新演绎”古典作品，而不是僵硬地遵循古老的诠释。这本书的编排逻辑非常流畅，从相对平缓的引入到高潮迭起的收尾，形成了一个完整的听觉弧线。这使得我在练习时，不再是孤立地攻克单个技巧难点，而是能将整首曲子视为一个整体的“叙事结构”来把握。对于想要拓宽自己曲目风格的演奏者来说，这本书提供的视角是极其宝贵的。

评分☆☆☆☆☆

这部乐谱集简直是为那些渴望在古典音乐的殿堂里大放异彩的演奏者量身定做的“进阶秘籍”！我最近一直在寻找一套既能挑战我的技巧，又能让我真正沉浸在巴洛克或古典时期的精髓中的曲目。打开这本书，首先被它精美的装帧和清晰的排版所吸引，这对于长时间阅读乐谱的人来说是极大的福音。里面的选曲恰到好处地平衡了难度与悦耳度，不像有些“高级”乐谱那样晦涩难懂，而是精选了那些在音乐会上经常出现的、富有表现力的作品。比如，里面收录的那些赋格练习片段，对于提高我的复调思维和手指独立性起到了立竿见影的效果。我尤其欣赏编者在某些技巧难点处所做的细微标记，它们不是那种生硬的“照做不误”的指示，而是更像一位经验丰富的大师在耳边轻语，指导你如何用更具音乐性的方式去克服技术上的障碍。我已经开始练习其中一首奏鸣曲的慢板乐章了，那种细腻的情感表达需求，真的让我对“表演”二字有了更深一层的理解——它不仅仅是把音符弹对，更是要讲述一个故事。这本书无疑是我近期音乐学习中最有价值的投资之一。

评分☆☆☆☆☆

当我拿到这本书时，最让我眼前一亮的，是它对“难度分级”的精准把控。我通常购买的教材要么是“初学者的天堂”，要么是“职业演奏家的挑战”，很少有能真正抓住“进阶”这个黄金分割点的。这本书的难度定位非常成熟，它收录的曲目，要求演奏者已经具备扎实的音阶基础和基本的触键控制力，但又尚未达到需要花费数月时间才能啃下来的“巨著”级别。这非常适合那些准备从业余水平迈向半专业演出的音乐爱好者。其中关于力度层次的标记尤其值得称赞，作者没有简单地写上“p”或“f”，而是使用了更丰富的术语来描述情绪的渐变，比如“dolce e con fuoco”（柔美而热烈地），这极大地丰富了我对音乐表情的理解和实践。通过练习其中的一些中速赋格，我发现自己对乐曲内部声部的平衡控制能力有了质的飞跃。这本书真正做到了“授人以渔”，它不仅给了你曲子，更教会了你如何去思考和处理这些曲子，这种教学的深度是许多普通乐谱所不具备的。

评分☆☆☆☆☆

我不得不说，这本书在“演奏性”和“学习效率”之间找到了一个近乎完美的平衡点。我过去常常遇到这样的困境：一首曲子在技术上可行，但放在真实的表演场合中总显得有些“水土不服”，缺乏那种能抓住听众注意力的核心魅力。这本书则完全避开了这种陷阱。它里面的每一首曲目，都像是一个经过精心打磨的“小宝石”，无论单独演奏还是串联起来，都能散发出强烈的光芒。我非常喜欢它对节奏处理的细微提示，尤其是在一些看似简单的三连音和切分音型中，编者给出的节奏弹性建议，让原本平直的旋律立刻鲜活了起来，充满了生命力。这本书的价值，不仅仅体现在它收录了多少首名曲，更体现在它如何指导你将这些名曲“内化”为自己表演的一部分。我甚至在练习中发现，通过对这些曲目的深入研究，我反过来能更好地理解和演奏我正在学习的其他更复杂的作品。这是一种相辅相成的学习体验，它让枯燥的技巧训练变得充满期待和乐趣。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我是一个对教材的“可操作性”要求极高的人。很多所谓的“大师精选”，拿到手后发现排版拥挤不堪，连指法标记都模糊不清，简直是在考验我的视力和耐心。然而，这本《表演秀系列》完全颠覆了我的预期。它的纸张质感厚实，油墨印刷清晰锐利，即便是对着昏暗的练习室灯光，每一个音符和休止符都看得一清二楚。但更重要的是它对“表演”这个概念的诠释。它收录的曲目不仅仅是技术展示，更是对听众情绪的精准调动。我特别喜欢其中几首选自协奏曲的精简改编版，它们保留了原作的戏剧张力，却又巧妙地缩短了篇幅，非常适合在小型音乐沙龙或者非正式的汇报演出中使用，能让听众在短时间内体验到高水平古典音乐的魅力。我感觉作者在选曲时，已经替我们考虑到了舞台效果和观众的接受度，这在我以往接触的教材中是很少见的。它更像是一本“舞台表现力速成指南”，而不是单纯的指法练习册。我已经迫不及待想把其中一首炫技片段加入我的下一场独奏会曲目单了。