练耳卷/基乐科教程 书籍 正版 上海音乐学院 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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出版社： 上海音乐学院出版社

ISBN：9787805536712

商品编码：29867729518

丛书名： 练耳卷基本乐科教程

开本：16开

出版时间：2012-08-01

 

 

 

 

 

目录

 

 

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题词
序
练耳的教与学
单元
要素Ⅰ·曲调
一、C自然大调
二、a自然小调
三、五声调式
要素Ⅱ·音程
一、大、小二度音程
二、大、小三度音程
三、纯四度音程
四、纯五度音程
五、五度内音程综合练习
要素Ⅲ·和弦
大、小三和弦（一）
要素Ⅳ·拍子与节奏
一、2/4拍的常规节奏
二、3/4拍与附点型节奏
三、4/4拍与常用的休止符
四、附点八分音符与十六分音符
五、非常规节奏（切分节奏）
要素Ⅴ·曲式
音乐作品中的模进、重复和通节歌形式
要素Ⅵ·音色
一、音的自然色彩一一民族乐队各乐器音色听辨
二、音的艺术色彩一一和声音程色度差（一）
单元测试 音乐作品中的要素综合听觉分析

第二单元
要素Ⅰ·曲调
一、G（（bG）自然大调
二、e（be）小调的三种型式
三、G（bG）官系统五声调式
要素Ⅱ·音程
一、五度内音程复习
二、纯一度、纯八度
要素Ⅲ·和弦
一、大、小三和弦（二）
二、 Ⅰ、Ⅳ、Ⅴ三和弦
要素Ⅳ·拍子与节奏
一、3/8拍
二、常见节奏型的识别与应用
三、切分音的变化与组合
要素Ⅴ·曲式
旋律发展的方法
要素Ⅵ·音色
一、音的自然色彩一一民族乐队各乐器组音色听辨
二、音的艺术色彩一一和声音程色度差（二）
单元测试 音乐作品中的要素综合听觉分析

第三单元
要素Ⅰ·曲调
一、F（#F）自然大调
二、d（#d）小调的三种形式
三、含一个偏音的七声调式（省略“清角”或省略“变官”）
四、F宫系统含一个偏音的七声调式
要素Ⅱ·音程
大、小六度音程
要素Ⅲ·和弦
三和弦的转位（六和弦）
要素Ⅳ·拍子与节奏
一、常规与非常规节奏综合练习
二、弱起拍及其应用
三、十六分音符的变化与组合
四、非常规节奏（三连音）
要素Ⅴ·曲式
曲调结构
要素Ⅵ·音色
一、音的自然色彩--民族乐队各乐器组结合音色听辨（一）
……
第四单元
第五单元
第六单元
第七单元
第八单元
单元练习
第二单元练习
第三单元练习
第四单元练习
第五单元练习
第六单元练习
第七单元练习
第八单元练习

   

 

 

内容提要

 

 

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《基本乐科教程：练耳卷》是为高等师范院校音乐专业编写的《基本乐科教程》中的练耳分卷。本书体现了对视唱练耳课教学目的的新观念：提高音乐素质、发展音乐记忆和培养创造意识。本书是作者在总结练耳课教学经验基础上，借鉴**外先进教学法，对八个音乐要素（曲调、音程、和弦、拍子、节奏、曲式、织体、音色）通过八个循环（单元）的螺旋式上升，进行音乐听觉训练。本书除包括听辨、听写、听唱、构唱、填充、改错、选择、分析等习题外，为配合学生积极参与课堂活动，增设了“自唱兼听”、“即兴唱曲”、“体态律动”等内容。本书还可作为艺术院校业余办班、教育、进修院校、中师、幼师、文化馆（站），以及中小学音乐教师、音乐爱好者的自学参考书。

 

 

《和声学基础与应用：二十世纪音乐视角》 前言 本书旨在为音乐专业学生及对音乐理论有深入探究需求的学习者提供一套系统、深入的和声学知识体系。不同于传统的调性功能和声学教材，本书将目光投向二十世纪及以后的音乐发展，旨在解析调性瓦解后，新的和声语言是如何构建、如何运作，以及如何在当代音乐创作中得到应用。我们相信，理解和声的演变是掌握现代音乐语汇的关键。 第一部分：功能和声的再审视与边界拓展 (Revisiting Functional Harmony and Its Boundaries) 第一章：传统功能和声的逻辑基石与局限 本章首先回顾了建立在大小调体系之上的传统功能和声的理论框架，包括和弦的构成、连接规则、终止式的严谨性。然而，我们并非止步于此。重点在于剖析在浪漫主义晚期，随着和声色彩的日益丰富（如半音化、扩大延伸音的运用），传统功能体系在解释某些作品时所显露出的局限性。通过对瓦格纳、德彪西等作曲家特定片段的分析，探讨“模糊功能”与“色彩和声”的兴起，为过渡到非功能性体系做理论铺垫。 第二章：等音程体系与非功能性连接 本章深入探讨了基于等音程关系构建的和声结构。我们将重点分析全音音阶（Whole-Tone Scale）、八度音列（Octatonic Scale）在和声构建中的作用。这些体系突破了三度叠加的传统，强调空间感和音色对比，而非传统的解决关系。详细解析了如何利用这些音阶构建出具有特定听觉效果的固定和弦群，以及如何在音乐的“横向”进行中实现非功能性的、基于音色或结构平衡的连接。 第二部分：新调性与集合理论 (Neo-Tonality and Set Theory) 第三章：十二音体系的结构与应用 本章系统阐述了勋伯格开创的十二音技法（Twelve-Tone Technique）。内容涵盖音列的生成、基本形式（原形、逆行、倒影、倒影逆行）的推导与转换，以及音列在旋律与和声中的具体运用原则。尤其侧重于分析音列的内在结构如何决定和声的密度与张力，以及如何避免“意外的调性暗示”。同时，将对比分析韦伯恩和贝尔格在十二音体系中的不同处理方式，探讨其对作品情感表达的影响。 第四章：集合论与音高集合 (Pitch-Class Set Theory) 作为分析非调性音乐的强大工具，本章将详细介绍音高集合理论（Set Theory）。内容包括：音高类的定义、素集（Prime Form）的计算、集合的特征数（Z-Relation, Stepwise Motion）分析。通过集合论的视角，我们可以精确地描述任意一组音符之间的内在关系，无论其是否符合传统和声规律。本章将应用此理论分析斯特拉文斯基和巴托克的某些作品片段，揭示其隐藏的结构对称性。 第三部分：复调织体与音响实验 (Polyphony and Sonic Experimentation) 第五章：复调逻辑的重构 在二十世纪音乐中，复调织体往往不再以严格的对位法为基础，而是探索更自由、更具对比性的线条交织。本章探讨了如何构建多重、独立的旋律线，这些线条可能基于不同的音高集合或音阶，从而在同一时间产生复杂的和声色彩。我们将分析分层复调（Stratified Polyphony）和多中心复调（Multicentric Polyphony）的写作技巧，以及如何通过节奏的错位来强化和声的动态变化。 第六章：集群与微音程的和声实践 本章关注那些彻底超越传统音高概念的领域。集群和声（Cluster Harmony）的构成、密度与演奏技巧是核心内容。深入解析了如何利用相邻音高之间的微小音程差（如四分之一音）来创造具有物理振动感的听觉效果。本章将引入对声学物理学的初步理解，解释这些“非标准”音高组合如何影响听者的感知，并提供在键盘乐器或特定管弦乐配器中实现这些效果的实用方法。 第四部分：节奏与和声的互动 (Rhythm and Harmonic Interaction) 第七章：节奏的等量分割与周期性 和声的意义往往与节奏的组织密不可分。本章探讨了节奏如何成为组织和声材料的新维度。重点分析了节奏的周期性重复、非对称拍号的使用如何影响和声的稳定感和流动性。特别是对“等量分割”（如将一个时间单位平均分成五份或七份）在和声进行中引入的动态张力进行深入研究。 第八章：极简主义的和声停滞与迭代 作为对复杂性的反思，本章专门探讨极简主义音乐（Minimalism）的和声哲学。分析了“过程音乐”中，和声如何通过极其缓慢的、基于加减法或移相的迭代过程而产生。其和声的本质往往是“时间中的和声”，而非“音高上的和声”。通过对莱希、赖利等作曲家作品的分析，理解这种重复和细微变化如何构建出一种冥想式的听觉体验。 结语 本书的目的是拓宽读者对“和声”这一概念的理解范围，鼓励学习者将理论知识与二十世纪以来广阔的音乐实践相结合，发展出具有个人印记的现代和声语言。我们希望它能成为连接传统与前沿创作思维的坚实桥梁。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版和设计简直是教科书级别的典范，光是看着它，就觉得学习的热情高涨了不少。很多市面上其他的教程，要么是内容过于陈旧，要么就是印刷质量让人不敢恭维，但《基乐科教程》完全没有这些问题。它的字体清晰，乐谱的标注精确到每一个细节，即便是初学者也能很快找到重点。更让我赞赏的是，它非常注重“实践操作”的引导。书中提供的不仅仅是“听什么”和“写什么”，更重要的是“怎么听”和“怎么写”的方法论。例如，在处理复杂的节奏型时，它会教你如何用肢体动作去辅助理解拍子和重音，这种多感官结合的学习方式，极大地提高了我的学习效率。我曾经在某个小节的节奏上卡住很久，但遵循了书中的建议，用跺脚的方式去体会，问题迎刃而解。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我的最大感受是“系统性”和“前瞻性”。它不是零散的知识点堆砌，而是一套完整的、贯穿始终的音乐思维构建体系。许多练耳书只关注单音、和弦的识别，但《基乐科教程》将听觉训练与和声学、曲式分析紧密地结合起来。当你听到一段旋律时，你不仅能写出音符，还能大致判断出它处于哪个乐段，使用了哪种和声进行，这种“全景式”的听觉捕捉能力，是其他教材难以企及的。它教会我用“分析的耳朵”去听音乐，而不是仅仅用“被动的耳朵”。每一次完成一章的学习，我都有一种巨大的成就感，因为我感觉自己离真正理解音乐的本质又近了一步。对于任何想要在音乐道路上走得更远、更扎实的人来说，这本书无疑是一笔不可多得的财富。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，一开始我还有点担心，毕竟是名校的教程，会不会难度太大，让人望而却步。但事实证明，我的顾虑是多余的。这套教程的难度递进处理得极其平滑和人性化。它不会一上来就抛出那些让人头皮发麻的三叠音或非功能性和声，而是通过一系列精心设计的“过渡练习”，逐步将你引向更复杂的领域。这种循序渐进的策略，极大地保护了学习者的积极性。对我这种非科班出身，但有强烈自学愿望的人来说，这本书就像是一位耐心的私人教师，它知道什么时候该给你鼓励，什么时候该给你更具挑战性的任务。我特别欣赏它对“听觉记忆”的训练方法，它强调的不是短期记忆，而是构建长期的听觉图谱，这对于日后的演奏和即兴创作都至关重要。

评分☆☆☆☆☆

自从翻开这本教材，我的学习体验简直是天翻地覆的变化。我原本以为练耳就是枯燥地重复听音阶和和弦，结果这套书完全颠覆了我的认知。它的内容编排充满了音乐性，而不是单纯的机械训练。比如，它会引入一些古典时期或浪漫主义时期的著名乐段作为听力材料，这样一来，你在训练耳朵的同时，也在潜移默化地吸收音乐史的知识和不同风格的特点。这种“学以致用”的设计，让我觉得练耳不再是一项孤立的任务，而是整个音乐学习体系中最核心的驱动力。特别是关于旋律的复述和模唱部分，教材提供了非常多样的视角去解析旋律线，帮助我理解为什么某个音符会出现在特定的位置，以及它对前后声部的连接作用。我感觉自己的“音乐耳朵”像被重新校准了一样，看谱子时都能多出几层维度的理解。

评分☆☆☆☆☆

这本《基乐科教程》真的是把我带到了一个新的音乐世界。我一直觉得自己的乐感停滞不前，对音高的辨识和节奏的把握总是差那么一点火候。自从开始使用这套教程，我才真正理解了“耳朵训练”的深度和广度。它不仅仅是教你听出高低音，更重要的是培养你对音乐结构、和声进行和旋律走向的直觉反应。书中循序渐进的练习设计非常巧妙，从最基础的单音听辨，到复杂的和弦结构分析，每一步都像是为你量身定制的阶梯，让你在不知不觉中攀升。尤其是一些关于特定调式和节奏型的练习，我发现自己过去总是靠“死记硬背”来应对考试，现在则能真正地“听懂”它们在音乐中的角色。上海音乐学院出品的教材，果然在专业性和严谨性上无可挑剔，每一个例题都经过了精心的打磨，确保了学习效果的最大化。我个人特别喜欢其中关于听写练习的详细指导，它教会了我如何系统地梳理听到的信息，而不是凭感觉乱写一通。