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慕羽 著

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出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787552300628

商品编码：10095972873

出版时间：2012-10-01

作  者:慕羽 著作 定  价:98 出 版 社:上海音乐出版社 出版日期:2012年10月01日 页  数:601 装  帧:平装 ISBN:9787552300628 ●暂无

内容简介

暂无 慕羽 著作 慕羽，北京舞蹈学院副教授，舞蹈学博士，硕士生导师。中国舞蹈家协会会员，中国演出行业协会专家委员会委员，中国音乐剧研究会教学专业委员会委员。
1996年毕业于北京舞蹈学院舞蹈学系，2001年获中国艺术研究院舞蹈学硕士学位（从事西方音乐剧与舞蹈创作跨学科研究），2007年获得中国艺术研究院舞蹈学博士学位（从事中国当代舞蹈创作和政治文化学跨学科研究）。近十年来，曾多次游学于欧洲、北美、南美、东南亚等地，曾赴英国伦敦舞蹈与戏剧学院进修不错艺术教育和管理课程、赴美国杜大学美国舞蹈节NEA艺术评论家学院舞评不错特训班进修舞蹈评论和六周舞蹈学校舞蹈创作课程。2010年至2011年获得国家留学基金管理等

璀璨之声：世界歌剧艺术史纲 引言：穿越时空的旋律 本书旨在为读者构建一部详尽而深入的西方歌剧艺术发展史。歌剧，这一集合了音乐、戏剧、文学、舞台美术的综合性艺术形式，自其诞生之日起，便以其无与伦比的魅力和深刻的情感张力，捕获了无数观众的心灵。我们不关注当代音乐剧产业的运作机制与市场分析，而是将目光投向数百年的艺术演进之路，探寻歌剧如何从巴洛克时期的宗教庆典旁枝，逐步演化为影响世界文化进程的宏大叙事。 本书将按照时间脉络，细致梳理歌剧自17世纪初佛罗伦萨“新艺术歌唱家”的探索性尝试，至20世纪中叶浪漫主义与民族乐派的巅峰对决，以及随后的先锋派实验的复杂图景。我们将重点剖析不同历史时期、不同地域流派的风格特征、核心作曲家及其代表作品的艺术价值与历史意义。 第一部分：巴洛克的回响——歌剧的诞生与早期发展（约1600-1750年） 第一章：佛罗伦萨的曙光与早期风格的确立 本章首先追溯歌剧的起源——16世纪末意大利佛罗伦萨的贵族圈层中，文学家与音乐家们为复兴古希腊悲剧精神所进行的“对话”与实验。我们将详细介绍贾科莫·佩里和朱利奥·卡奇尼的早期作品，特别是《达芙妮》和《欧律狄刻》的残存片段，分析他们对“由演讲式旋律”（Recitative）的探索，以及对歌词清晰度的不懈追求。 随后，焦点转向克劳迪奥·蒙特威尔第。作为第一位真正意义上的歌剧大师，蒙特威尔第的作品，尤其是《奥尔费奥》（L'Orfeo, 1607），被视为歌剧艺术的里程碑。我们将深入分析其如何将富有表现力的宣叙调与更具情感深度的咏叹调相结合，并首次将管弦乐队提升到叙事和烘托情绪的关键地位。本章还将考察威尼斯歌剧院的兴起，分析其商业化对歌剧结构（如“大咏叹调”的出现）产生的影响。 第二章：那不勒斯学派的鼎盛与“正歌剧”的定型 18世纪早期，歌剧的中心转移至那不勒斯。亚历山德罗·斯卡拉蒂（Alessandro Scarlatti）及其后继者，如尼科拉·波尔波拉，确立了“那不勒斯歌剧”的程式化结构，特别是三段体咏叹调（Da Capo Aria，ABA结构）的黄金范式。我们详细阐述这种结构如何成为衡量美声技巧的试金石，以及“卡斯特拉蒂”（阉人歌手）在这一时期扮演的无可替代的中心角色。 本章将剖析“正歌剧”（Opera Seria）的剧本主题——通常基于希腊神话或历史英雄事迹，强调道德教化和对崇高情感的抒发。同时，也将简要提及同期在意大利和法国发展起来的“喜歌剧”（Opera Buffa）的萌芽，作为对正歌剧刻板形式的一种早期反叛与调剂。 第二部分：启蒙与革新——格鲁克与古典主义的成熟（约1750-1820年） 第三章：歌剧改革的呼唤：格鲁克的“简朴”美学 在巴洛克晚期，歌剧因过度炫技和情节的繁复而面临创作危机。克里斯托弗·维利巴尔德·格鲁克（Christoph Willibald Gluck）的出现标志着一次重大的艺术转向。本章聚焦于格鲁克“回归戏剧真谛”的改革理念。我们将深入分析《奥尔费奥与欧律狄刻》（Orfeo ed Euridice）的创作背景，阐述他如何通过简化装饰、强化管弦乐的叙事功能、以及统一合唱在戏剧中的作用，来重塑歌剧的内在逻辑。 第四章：莫扎特与古典歌剧的完美融合 沃尔夫冈·阿玛多伊斯·莫扎特将巴洛克与启蒙运动的精神完美地熔铸一炉。本章将重点研讨莫扎特的德语歌剧（歌唱剧）与意大利语歌剧的创作特点。在《费加罗的婚礼》、《唐璜》等作品中，我们将分析莫扎特如何通过复杂的二重唱、四重唱乃至群体场景，刻画出前所未有的复杂人性——从贵族的虚伪到仆人的智慧，这标志着角色心理描写的飞跃。同时，也将讨论《魔笛》所蕴含的共济会哲学与德语歌唱剧的民族性探索。 第三部分：浪漫主义的洪流——情感的极致表达（约1820-1900年） 第五章：意大利浪漫主义的辉煌与美声的巅峰 19世纪初，意大利歌剧由乔阿基诺·罗西尼（Gioachino Rossini）的“美丽旋律”开创了新的时代。我们将区分罗西尼的喜歌剧（如《塞维利亚的理发师》）的轻快与他早期作品的宏大气势。 随后，我们转向文森佐·贝利尼与伽埃塔诺·多尼采蒂，分析他们如何将“美声唱法”（Bel Canto）推向技术的极致，尤其关注贝利尼对悠长、抒情旋律线的执着。接着，重心转移到朱塞佩·威尔第（Giuseppe Verdi）身上。威尔第的作品是意大利民族精神的投射。本章将细致剖析其创作的三个阶段，从早期的政治热情（如《纳布科多诺佐》）到中期的心理深度挖掘（如《弄臣》），再到晚期对人性复杂性的终极探索（如《奥赛罗》和《福斯塔夫》），研究其如何通过“场面”和“重场大曲”的有机结合，打破传统咏叹调的限制。 第六章：德语歌剧的史诗化与瓦格纳的革命 本章将集中探讨理查德·瓦格纳（Richard Wagner）对西方歌剧的颠覆性影响。我们将首先考察早期德语浪漫歌剧的传统，如卡尔·马利亚·冯·韦伯的《自由射手》，为瓦格纳的激进主义做铺垫。 随后，深入解析瓦格纳“总体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）的理念，探讨他如何用“主导动机”（Leitmotif）体系重塑音乐叙事，用无限旋律取代传统咏叹调与宣叙调的界限。我们将分析《尼伯龙根的指环》的宏大结构、对日耳曼神话的重新诠释，以及他为实现这些构想而进行的乐队编制与舞台技术的革新。同时，也将简要提及瓦格纳对手下的不完善之处，如其对传统美声技巧的排斥。 第七章：通往现代的桥梁：法国抒情歌剧与现实主义 在法国，歌剧发展出了独特的“抒情歌剧”（Opéra Lyrique）风格，以查尔斯·古诺和儒勒·马斯内为代表，强调优美、细腻的旋律和对爱情主题的深入描绘。 然而，本章的重点在于“自然主义”或“真实主义”（Verismo）歌剧的兴起，主要集中在意大利，如皮特罗·马斯卡尼和鲁杰罗·莱翁卡瓦洛的作品。我们将探讨这些作品如何将目光从神话和宫廷转向普通民众的激情、嫉妒与悲剧，分析其音乐语言如何更直接、更具戏剧冲突性。 第四部分：世纪之交的多元探索与尾声（约1900年以后） 第八章：后浪漫主义的余晖与民族乐派的勃兴 进入20世纪，歌剧艺术并未停滞，而是分化出不同的探索方向。本章将审视理查·施特劳斯如何继承瓦格纳的管弦乐传统，同时注入独特的表现主义色彩，分析《莎乐美》和《埃勒克特拉》中对人类心理黑暗面的揭示。 同时，我们将关注欧洲各地的民族乐派作曲家对本土文化的发掘，例如俄罗斯的穆索尔斯基（及其李姆斯基-科萨科夫的改编版《鲍里斯·戈都诺夫》）和捷克的斯美塔那、德沃夏克，他们如何将本民族的民歌、历史叙事融入歌剧创作，赋予歌剧地方色彩。 结语：永恒的舞台 本书最终将总结歌剧艺术数百年间的核心追求：如何用音乐的语言，捕捉人类最深刻的情感体验与最复杂的社会冲突。歌剧艺术的生命力在于其不断吸收新元素、挑战旧有界限的能力，这种对美的永恒追寻，将确保它在未来的舞台上继续发出璀璨的光芒。本书不涉及当代制作的商业模式或技术革新，而是专注于艺术本体的历史演变与审美价值。

评分☆☆☆☆☆

这是一本让我耳目一新的书，它完全打消了我之前对音乐剧的一些固有印象。我一直以为音乐剧就是纯粹的艺术创作，但这本书让我看到了它背后庞大的产业链条和复杂的商业运作。作者以一种非常专业的视角，深入浅出地分析了音乐剧从概念到舞台，再到市场传播的每一个环节。尤其是关于“投资风险与回报机制”的部分，让我对音乐剧的商业模式有了全新的认识。它不再是简单的“好作品就能成功”，而是需要考虑市场需求、观众接受度、宣传推广策略等等多方面的因素。书中对不同国家、不同地区音乐剧产业发展的对比分析，也让我看到了全球化背景下音乐剧产业的特点和趋势。我特别喜欢它对“创新与传统”的辩证思考，如何在保留音乐剧经典魅力的同时，融入新的技术和元素，吸引年轻一代观众，这一点让我觉得非常前沿。这本书让我明白，音乐剧不仅仅是舞台上的华丽表演，更是一场充满智慧和勇气的产业博弈。

评分☆☆☆☆☆

这绝对是一本我近期读到的最引人入胜的书籍之一，完全颠覆了我对音乐剧的认知。以前我总以为音乐剧就是唱唱跳跳，是纯粹的艺术享受。但这本书让我看到了它背后庞大而精密的产业体系。作者以一种非常接地气的方式，剥开了音乐剧这层华丽的外衣，让我窥见了它如何在资本、市场、技术和创意之间找到平衡。特别是关于“制作人”这一角色的解析，我以前从未如此深刻地理解过他们的重要性——他们不仅是出资者，更是整个项目的灵魂人物，需要具备艺术鉴赏力、商业头脑，还要有强大的整合资源能力。书中对经典音乐剧案例的解剖，不仅仅是展示成功，更重要的是剖析了它们在不同发展阶段所面临的挑战，以及如何克服这些挑战。比如，对于一些老牌音乐剧如何“推陈出新”，吸引年轻观众，书中的策略分析非常有借鉴意义。我还特别喜欢它对“数字时代音乐剧的传播与营销”的探讨，这在当下信息爆炸的时代尤为重要。总而言之，这本书让我对音乐剧的理解从“观众”上升到了“行业观察者”，让我看到了艺术与商业结合的无限可能。

评分☆☆☆☆☆

我最近读了一本让我爱不释手的书，它彻底刷新了我对音乐剧的理解。这本书没有局限于对音乐剧本身艺术价值的赞美，而是将目光投向了它背后更为宏大的产业图景。作者以一种非常细腻和专业的视角，将音乐剧的创作、投资、制作、营销、发行等一系列环节梳理得头头是道。我特别惊叹于书中对“风险投资与财务模型”的分析，它让我明白了为什么一部音乐剧的诞生往往需要巨额的资金投入，以及这些资金是如何运作和回收的。书中对“新媒体营销与互动体验”的探讨也让我眼前一亮，它揭示了在数字时代，音乐剧如何利用社交媒体、VR/AR等技术拓展观众群体，创造全新的观演体验。我甚至觉得，这本书的内容对于任何一个想要了解文化产业运作的人来说，都具有极高的参考价值。它不仅仅是关于音乐剧，更是关于如何将创意转化为商业价值，如何在激烈的市场竞争中脱颖而出。这本书让我看到了音乐剧作为一种文化符号的强大生命力，以及它在现代社会中所扮演的重要角色。

评分☆☆☆☆☆

这是一本看了就停不下来的书！我一直对音乐剧充满热情，但总觉得对它背后的运作机制了解得不够深入。这本书就像一把钥匙，为我打开了音乐剧的另一扇大门。它没有枯燥地堆砌理论，而是通过大量生动鲜活的案例，将音乐剧的创作、制作、宣传、发行等各个环节娓娓道来。我印象特别深刻的是关于“IP孵化”的那一部分，作者深入分析了如何将一个看似普通的点子，通过精巧的剧本打磨、动人的音乐创作，最终蜕变成一个能够引发观众共鸣的优秀音乐剧。书中对于音乐剧市场细分、观众群体分析的解读也让我大开眼界，原来成功的音乐剧背后，有着如此周密的市场策略和用户洞察。读完之后，我才明白，为什么有些音乐剧能够长盛不衰，成为一代人的经典，而另一些则昙花一现。这本书不仅让我更加欣赏音乐剧的艺术魅力，更让我对其作为一种文化产业的运作方式有了全新的认识。我迫不及待地想将这本书推荐给所有喜欢音乐剧的朋友，相信你们也会和我一样，在这本书中找到属于自己的惊喜和启发。它不仅仅是一本介绍音乐剧的书，更是一本关于创意、关于梦想、关于如何将艺术转化为商业价值的宝典。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我一开始是被这本书的封面和名字所吸引，觉得它应该会是一本比较轻松愉快的读物，能让我更了解一些经典的音乐剧。没想到，这本书的深度和广度远超我的想象。它不是那种泛泛而谈的介绍，而是非常扎实地剖析了音乐剧这个产业的方方面面。让我印象最深刻的是关于“版权与授权”的章节，它详细解释了音乐剧版权的复杂性，以及如何在跨国界、跨平台进行授权和推广。这让我意识到，一部成功的音乐剧，其商业价值的延伸是多么巨大。书中对于“人才培养与团队建设”的论述也让我受益匪浅，音乐剧的成功离不开每一个环节的专业人士，从编剧、作曲、导演到舞美、灯光、音响，再到宣传和管理人员，这本书都给出了深入的分析。我甚至觉得，这本书的内容可以作为音乐剧专业学生的一本入门教材。读完后，我对音乐剧的感情不再仅仅是欣赏，更多了一份敬意。它是一个复杂而迷人的艺术与商业融合体，而这本书，无疑是理解这个体系的绝佳向导。