序列音乐写作与无调性：勋伯格、贝尔格与韦伯恩音乐介绍 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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[美] 乔治·佩尔 著，罗忠镕 译

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• 序列音乐
• 无调性音乐
• 勋伯格
• 贝尔格
• 韦伯恩
• 现代音乐
• 音乐理论
• 作曲技法
• 20世纪音乐
• 音乐史

出版社： 中央音乐学院出版社

ISBN：9787810961431

版次：1

商品编码：10288083

包装：平装

出版时间：2006-12-01

用纸：胶版纸

页数：156

内容简介

　　自第二次世界大战以来，音乐发展上给人印象为深刻的便是十二音作曲法惊人迅速的发展和广泛的传播。不久前，十二音的运动还被看成仅仅是少数偏激者所关心的事。 　　在关于无调性和十二音体系的理论著述方面和对于这个运动的倡导者勋伯格、贝尔格和韦伯恩的音乐技术特点的理解方面虽说都有所发展，但不幸的是前者的发展却很少有迹象表明和后者的进展相称。 　　本书主题材料是按系统而不是按年代顺序论述的。不过，在时期上也给予了足够注意，以便使读者据此能得出一个大致的年代轮廓来。在一首作品的创作和出版日期上凡有较大的分岐者，都把二者的日期注明。

目录

第一版序言 第四版序言 第一章 调性、无调性、十二音 第二章 “自由”无调性 第三章 非十二音序列写作 第四章 集合的动机功能 第五章 同时性 第六章 集合的结构功能 附录1 音集表 附录2 作者来信及《对称，十二音阶，与调性》 索引1 关于基本定义 索引2 关于音乐文献

前言/序言

好的，下面是一份关于音乐史、分析与理论的图书简介，内容不涉及您提到的特定书籍主题（序列音乐写作与无调性：勋伯格、贝尔格与韦伯恩音乐介绍）： 和声的演变：从巴洛克到浪漫主义晚期的音乐语汇 一部深入剖析西方音乐核心语汇如何形成、发展与转化的深度指南 作者：[虚构作者名，如：亚历山大·科尔文] 定价：[虚构定价，如：人民币 128.00 元] 开本：16开 页数：约 550 页 内容概述 本书旨在为音乐学者、学生以及资深音乐爱好者提供一部系统而详尽的著作，聚焦于西方古典音乐传统中至关重要的一个领域：和声的演变及其作为音乐结构基石的作用。我们不会将焦点集中在二十世纪的激进变革上，而是回溯至音乐语言成熟的根基——巴洛克时期确立的功能和声体系，并细致描绘其如何通过古典主义的清晰结构，最终在浪漫主义晚期的张力中达到其表现力的顶峰。 本书将和声视为一种动态的、受历史与文化制约的语言系统。通过对大量乐谱范例的细致剖析，我们探究了和声语法如何从最初的对位驱动（Counterpoint-driven）逻辑，逐步演变为注重垂直音响与情感表达的调性功能体系。 核心章节与探讨焦点 第一部分：巴洛克和声的骨架：数字低音与对位法则的融合 本部分首先确立了西方音乐理论的基础：巴洛克时期构建的功能和声模型。我们考察了数字低音（Figured Bass）实践如何成为一种高效的作曲与即兴创作工具，它不仅是和弦的符号系统，更是作曲家理解和组织音乐材料的思维框架。 从声部进行到垂直协和： 探讨了帕莱斯特里那（Palestrina）风格对位法向巴赫（Bach）时代功能和声的过渡。重点分析了如何通过对导音（Leading Tone）、属和弦（Dominant Function）的运用，建立明确的调性中心感。 和声的逻辑连接： 详细解读了进行句（Phrasing）中，如何利用和弦的进行（Progression），特别是终止式（Cadences）的类型（完全终止、不完全终止、伪终止），来塑造音乐的呼吸与节奏。 色彩的初现： 探讨了巴洛克晚期作曲家，如亨德尔和巴赫，如何在既有的功能框架内，运用借用和弦（Borrowed Chords）和半音进行（Chromaticism），为后来的情感表达埋下伏笔。 第二部分：古典主义的平衡与清晰：形式与和声的辩证关系 古典主义时期，音乐结构达到了前所未有的平衡。本部分分析了海顿（Haydn）、莫扎特（Mozart）和贝多芬早期作品中，和声如何服务于清晰的曲式结构（Form），尤其是奏鸣曲式（Sonata Form）。 调性布局的蓝图： 深入解析奏鸣曲式中呈示部（Exposition）的关键性调性关系——主调与属调（或关系小调）之间的稳定与张力建立。分析了“中后部（Middle Entry）”段落中，如何通过暂时的调性游走来丰富音乐内容，同时又不破坏整体的宏观框架。 主题的物质性： 研究了动机（Motive）的发展如何与和声的变化紧密结合。一个简单的和弦进程如何在不同乐段中通过调性转移和和声“着色”而获得新的意义。 清晰的终止： 考察了古典主义对完全终止的执着追求，以及如何利用终止前和弦（Pre-Dominant Function）的丰富，来增强终止的权威性。 第三部分：浪漫主义的张力与解放：和声的色彩化与扩张 随着情感表达的需求日益高涨，和声的界限开始被不断推移。本部分将重点关注从舒伯特（Schubert）到瓦格纳（Wagner）早期，调性系统如何被推向极限。 远关系转调的魔力： 详述了浪漫主义作曲家如何利用远关系调（Distant Keys），特别是通过共同音或和弦的功能模糊化来实现突然且富有戏剧性的转调，从而营造心理上的震撼感。 半音的饱和： 详细分析了半音进行在增强和声密度中的作用。研究了如李斯特（Liszt）和肖邦（Chopin）作品中，如何通过增六和弦（Augmented Sixth Chords）和降七级和弦（Neapolitan Sixth Chord）的频繁使用，使调性色彩变得异常浓郁和暧昧。 瓦格纳的“和声的悬置”： 选取关键乐段，如《特里斯坦与伊索尔德》中的著名和弦，探讨了和声功能的中断与延迟如何服务于无限的“渴望”与“未满足感”。本部分着重于分析这些现象如何为二十世纪的调性瓦解做了不可逆转的铺垫，但仍将其置于功能和声的范畴内进行分析。 本书的特色与贡献 本书的独特之处在于其“自下而上”的分析方法。它不仅呈现了和声的“是什么”，更深入探究了和声的“如何工作”以及“为何如此改变”。 1. 系统性的历史框架： 摒弃零散的案例研究，提供一个连贯的、跨越三个世纪的和声发展脉络，帮助读者建立宏观视野。 2. 详尽的乐谱分析实例： 选取了大量具有代表性的、但可能被现有教材忽略的过渡性作品进行精细的谱例分析，帮助读者将理论概念转化为实际的听觉和视觉理解。 3. 强调“语境”的重要性： 每一和声现象的出现，都被置于其特定的历史、哲学和审美语境中进行考察，强调音乐语言是活的、不断适应时代需求的工具。 《和声的演变》不是对既有规范的简单复述，而是一次对西方音乐美学核心的深刻探索，它邀请读者重新审视那些被视为“常识”的和声规则，理解它们是如何被构建、被挑战，最终塑造了我们今天所理解的古典音乐的魅力所在。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我之前对这个时期的音乐一直抱有一种敬而远之的态度，觉得它们太过“精英化”，不接地气。这本书完全颠覆了我的这种偏见。作者在论述方法上表现出了极高的耐心和洞察力。他没有一上来就抛出复杂的术语，而是从更基础的、关于人类听觉习惯如何被挑战的角度切入。这种“同理心式”的写作手法，让我感觉作者不是一个高高在上的理论家，而是一个热心的向导，他理解读者的困惑，并一步步引导我们适应新的听觉规则。书中对“动机发展”在无调性音乐中的重塑进行了深入的探讨，这部分内容对我启发最大。它解释了为什么即使没有传统的主调和弦进行，这些作品依然能够保持一种内在的逻辑性和连贯性。作者用非常清晰的脉络梳理了作曲家们如何将一个微小的音乐细胞，通过变形、分解、重组，最终构建起宏大的音乐建筑。读完这部分，我立刻重听了几部经典作品，感觉耳朵一下子被“打开”了，过去听到的噪音和混乱，现在竟然找到了秩序和必然性，这种智力上的愉悦感是无与伦比的。

评分☆☆☆☆☆

如果说有什么地方让我觉得尤其出彩，那一定是作者在收尾部分对未来音乐走向的展望。在详细剖析完这三位大师的贡献之后，作者并没有戛然而止，而是将目光投向了更远的未来，探讨了他们的遗产是如何影响了后来的音乐思潮，从极简主义到电子音乐，都依稀可见这些早期无调性探索的影子。这种具有前瞻性的总结，让整本书的格局一下子变得开阔起来，不再局限于20世纪上半叶的特定圈子。作者的笔触在此处变得更加流畅和富有激情，他似乎在告诉我们，音乐的探索永无止境，而理解了这场早期的“叛逆”，才能更好地拥抱未来的声音。阅读体验上，排版设计也十分精良，页边距适中，字体清晰易读，让人愿意长时间地沉浸其中。这本书的装帧质量也体现了出版方的诚意，拿在手里非常有分量感，让人忍不住想一遍遍翻阅，去咀嚼那些深刻的见解。这绝对是一本值得在书架上占据重要位置，并随时准备再次翻开的、关于现代音乐史的里程碑式著作。

评分☆☆☆☆☆

阅读这本书的过程，对我来说简直是一场跨越时空的音乐沉浸体验。作者非常巧妙地将音乐理论的讲解与历史背景的还原结合了起来，仿佛带着读者亲身走进了那个充满焦虑与创新的维也纳沙龙。我感觉作者最成功的地方在于，他没有将这些作曲家神化，而是将其置于那个特定时代洪流之中去考察他们的选择。例如，书中关于“表现主义”音乐中那种近乎病态的内心挣扎的描绘，非常具有画面感，让人听音乐时不再仅仅关注音高的升降，而是能听出音符间“颤抖”的声音，体会到那种将潜意识完全暴露在舞台上的勇气。书中对于乐谱的引用和图示也处理得非常得当，不是那种让人眼花缭乱的冗长乐段，而是精准地截取关键的、能够说明论点的小片段，并配上作者自己的解读。这种“少即是多”的编辑思路，极大地降低了阅读的门槛。我尤其喜欢其中关于“音色”处理的章节，它打破了我以往对于无调性音乐只关注“和声”的刻板印象，让我意识到，在这些先锋作品中，乐器的音色本身就已经承担起了组织结构和表达情绪的重要功能，这无疑拓宽了我对音乐语言的理解维度。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计就给我留下了深刻的印象。它采用了一种非常内敛而又引人深思的色调，主色调是深沉的蓝与灰，配以烫金的字体，显得既古典又现代。这种视觉上的平衡，恰到好处地暗示了书中内容对于传统与革新之间关系的探讨。当我翻开扉页，看到作者对这部作品的清晰定位——试图用一种更贴近听者而非纯理论家的视角来剖析20世纪早期那场音乐革命——我就知道这不仅仅是一本冷冰冰的教科书。作者的语言选择非常讲究，既有学术的严谨性，又不失文学的美感。特别是初学者，面对那些晦涩的十二音体系或者音列分析时，常常会望而却步，但这本书似乎找到了一个绝佳的切入点，它没有回避技术细节，而是将这些技术如同解剖手术般层层剥开，让我们看到那些看似冰冷的音符排列背后，蕴藏着作曲家怎样的情感脉络和哲学思考。我特别欣赏它在介绍不同作曲家作品时所采用的对比手法，这种对比不是简单的罗列，而是深入到他们如何处理“无调性”这一共同母题时的细微差别，比如A作曲家侧重于结构上的统一性，而B作曲家则更追求情感张力的极致释放。这种细致入微的对比分析，使得即便是初次接触这些作品的人，也能快速抓住核心的审美特质。

评分☆☆☆☆☆

这本书的价值不仅在于对作品的解析，更在于它对作曲家个体命运的关怀。作者在介绍勋伯格及其学派时，非常细腻地描绘了他们在当时社会和音乐界所承受的巨大压力与孤独感。这种人文关怀使得冰冷的音列分析变得有血有肉。比如，书中穿插了一些关于他们私人信件或日记的片段，这些碎片化的信息像一颗颗珍珠，串联起了他们创作背后的挣扎、自我怀疑乃至对未来的期许。这让我明白，伟大的艺术创作往往源于巨大的内在冲突，而这种冲突恰恰是推动音乐语言变革的根本动力。我特别赞赏作者在处理敏感的“去调性化”过程时所采取的立场，他没有进行道德审判，而是将其视为一种不可逆转的艺术探索。这种中立而又充满尊重的态度，使得读者在学习技术的同时，也能获得一种对艺术自由边界的深刻理解。总而言之，这本书提供了一种多维度的阅读体验，它既是音乐分析的工具书，也是一部关于艺术精神的传记侧写。

评分☆☆☆☆☆

非常专业的书，对学习无调性音乐有很大帮助

评分☆☆☆☆☆

goooooooooooooood

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帮一个朋友买的，朋友收到后非常的开心，谢谢！

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这是音乐领域的有一个高深的层次，很想通过这本书掌握序列和无调性的创作

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非常专业的书，对学习无调性音乐有很大帮助

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对序列音乐既好奇又有点畏惧，看懂不是太容易啊