中国美术史·大师原典系列 夏圭·溪山清远图 中信出版社 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 中信出版社官方旗舰店

出版社： 中信出版社

ISBN：9787508661810

商品编码：10388263523

品牌：中信出版（Citic Press）

开本：10开

出版时间：2016-05-01

用纸：纯质纸

页数：1

产品特色

编辑推荐

1、8米长卷，完整大图，用经折装的形式呈现给大家，高清复制，纤毫毕现，临摹鉴赏，诸般皆宜。

2、夏圭，南宋四大家之一。

善用秃笔带水作大斧劈皴，人称“拖泥带水皴”。

近景突出，远景清淡，淋漓苍劲，“墨气袭人”。

多作半边小景，被认为系南宋偏安、残山剩水之写照，称“夏半边”。

内容简介

绘晴日江河两岸：群峰、峭岩、茂林、楼阁、长桥、村舍、茅亭、渔舟、远帆，勾笔虽简，形象真实。夏圭擅用墨色的变化，墨色由浓渐淡、由湿渐枯，以墨破水、以水破墨，以浓破淡、以淡破浓，变化无常。空旷的构图，简括的用笔，淡雅的墨色，极其优美地营造出旷远清明的湖光山色。

作者简介

夏圭，又名珪，字禹玉，临安钱塘（今浙江杭州）人，南宋画家。曾为画院待诏、画院祗候。后与李唐、刘松年、马远被合称为“南宋四大家”。

内页插图

前言/序言

本丛书遴选中国美术史优秀的大师及其原典，完整大图呈现给读者——千百年来，这些杰作征服了无数观众，已成为华夏民族的美学基因、东方文明的背景符号！

过去，由于历史条件的限制，这些杰作往往深藏不露，普通读者难以一睹全貌，更无缘亲近赏鉴。本丛书企望“旧时王谢堂前燕”，得以“飞入寻常百姓家”。愿大师原典的灼灼华彩，成为读者的案

头锦瑟、枕边韶华。

——张子康 中国美术馆副馆长，全国美术馆专业委员会副主任

经典画卷的再现与鉴赏：中国绘画艺术的辉煌篇章 本书精选了中国艺术史上多位重量级大师的代表作品，并以严谨的学术态度和生动的叙事方式，带领读者深入领略中国绘画艺术跨越千年的演变脉络与审美精髓。 这是一部集学术研究、艺术鉴赏与文化普及于一体的综合性画册与导读集，旨在为艺术爱好者、历史研究者以及对中国传统文化心怀敬意的读者，提供一个全面而深入的视角，去触摸和理解那些凝固在宣纸或绢帛上的千年风华。 全书内容涵盖了从早期壁画遗迹到宋元明清的成熟期，再到近现代艺术家的创作探索，力求展现中国绘画艺术的广阔图景。我们没有将焦点局限于单一的朝代或流派，而是力求构建一个宏大而富有层次感的艺术谱系。 第一部分：笔墨的源头——早期探索与魏晋风骨 本部分追溯了中国绘画艺术的萌芽与确立阶段。我们将详细探讨汉代画像石、画像砖中的叙事性与象征性表达，这些早期图像如何奠定了后世山水、人物画的基础。重点分析了魏晋南北朝时期，随着玄学思潮的兴起，绘画如何开始关注“神韵”与“气韵”，顾恺之“传神写照”理论的诞生，以及对人物精神气质的刻画达到了前所未有的高度。我们通过对现存壁画局部的高清摹本分析，揭示了早期色彩运用和线条勾勒的技法特点。 第二部分：盛世气象——唐宋绘画的巅峰对决 唐代，是中国绘画的第一个高峰期。本书将重点解析盛唐气象下，吴道子“吴带当风”的雄浑气魄，以及李思训、李昭道的“金碧山水”的富丽堂皇，它们代表了宫廷艺术的极致。进入宋代，随着文人意识的觉醒和审美品位的提升，绘画进入了技法与哲思深度融合的时期。 宋代绘画的精髓在于“理”与“趣”的统一。 我们对北宋“全景式山水”的代表人物如李成、范宽的巨制进行了细致剖析。范宽《谿山行旅图》中那种浑厚、崇高的山体结构，体现了对宇宙秩序的敬畏与理解。同时，本书特别辟出章节探讨“院体画”的精微与写实，如宋徽宗的“瘦金体”与其画鸟的细致入微，展示了皇家艺术对生活观察的极致要求。 第三部分：精神的家园——宋元之际的文人画觉醒 南宋以后，随着政治格局的变化，士大夫阶层对艺术的追求转向了对个体精神世界的抒发。本书重点介绍了“南宋四家”（刘松年、李唐、马远、夏圭），分析他们如何将宏大的山水主题提炼为更具个人情怀的“边角式”构图，体现了在动荡时代中隐逸、疏离的审美倾向。 进入元代，文人画正式成为主流。我们详细阐述了“元四家”（黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙）的艺术主张。倪瓒的“士气”与“逸气”，如何通过极简的笔墨和萧疏的意境，表达了对元朝统治者的隔阂与对传统士大夫精神的坚守。本书收录了大量关于元四家“笔墨”理论的论述，帮助读者理解“以书入画”的深刻内涵。 第四部分：技法与风格的流变——明清的创新与传承 明代，绘画艺术呈现出多元化的发展态势。一方面，“浙派”延续了院体画的写实传统，如戴进的作品。另一方面，“吴门画派”的兴起标志着文人画的进一步成熟，沈周、文徵明在继承宋元的基础上，发展出更具个人情感色彩的笔墨语言。 清代，艺术思潮更为活跃，董其昌的“南北宗论”虽然在后世引发诸多争议，但其影响深远，本书客观梳理了这一理论体系对后世山水画创作的规范和限制。同时，我们也不忘关注“金陵八家”等地方性画派的独特风格，以及清初四僧（如弘仁、髡残）对山水意境的探索，他们以奇崛的笔法，为明末的压抑气氛寻找情感的出口。 第五部分：对景写生与情景交融——构图与意境的解析 本书的后半部分，着重于从技术和哲学层面解析中国山水画的核心要素。 1. 论“皴法”的生命力： 详细对比了披麻皴、斧劈皴、荷叶皴等主要皴法的形成背景、技法特点及其在不同地域山水中的运用效果，展示了皴法如何赋予山石以肌理和生命感。 2. 论“留白”的哲学： 探讨了“计白当黑”的艺术手法，不仅仅是技巧，更是中国传统哲学中“虚实相生”、“有无相生”思想在视觉上的体现，如何营造出空气感、空间感和无穷的想象空间。 3. 论“点景”的灵魂： 分析了桥梁、舟船、人物、树木在山水画中所起到的比例、平衡与情感引导作用，理解“小景”如何点活整幅“大景”，并赋予画面具体的情绪张力。 通过对这些核心元素的细致梳理，读者将能够超越单纯的“看图”，进入到“读画”的层次，真正理解中国画家是如何通过有限的笔墨，构建一个包含宇宙观、人生观和审美观的完整精神世界。本书力求以严谨的文献考证为基石，以清晰直观的图解为辅助，实现传统经典艺术的现代性阐释。

评分☆☆☆☆☆

我必须赞扬一下《明代中晚期江南画坛的地域风格研究》的考据工作。作为一本偏向学术性的著作，它的扎实程度令人肃然起敬。作者几乎是以“侦探”的严谨态度，去梳理了吴门画派内部的流变，以及与松江派之间的微妙张力。书中大量的档案引用、题跋比对，使得那些原本模糊不清的画家归属问题变得清晰起来。最让我印象深刻的是，作者对于“摹古”与“创新”之间关系的界定。他指出，明代中晚期的画家并非简单地重复前人，而是在极度推崇“古法”的背景下，通过对笔墨细节的微调、对题材的偏爱，完成了具有个人印记的“复古式革新”。这种对细微差异的捕捉和系统梳理，帮助我理清了唐寅、文徵明、仇英等人虽然同出一家，但风格核心差异的根源所在。这本书适合那些已经对明代艺术有一定了解，希望进行深度挖掘和交叉验证的进阶读者。

评分☆☆☆☆☆

这是一本关于《中国古代画论中的“意在笔先”解析》的入门级读物，它的优势在于将抽象的哲学概念具象化。我过去对“胸有丘壑”、“意在笔先”这些说法感到云里雾里，总觉得这是画家们给自己“故作高深”的借口。然而，这本书通过对比中国画和西方写实主义绘画的不同出发点，成功地解释了“意”的重要性。它认为，中国画的“意”不是画完之后才有的感悟，而是在动笔之前，画家对自然万物形态、精神、以及自身情感的综合预演。书中提供了大量的“草稿”或“习作”与“定稿”的对比分析（尽管古代画作保存不易，但作者通过文献推测），展示了画家是如何在心中完成构图的精确推敲。这本书没有提供任何绘画技巧，但它彻底改变了我对“创作过程”的理解，让我明白，拿起笔之前，头脑中的画面必须是清晰、坚实的，否则线条必然软弱无力。它更像是一本“心法”秘籍，强调了思考过程比物理动作更为关键。

评分☆☆☆☆☆

拿到这本《宋代文人画的精神气质》时，我原本是抱着一种略带怀疑的态度，毕竟“精神气质”这种东西很虚，很难落到实处。然而，作者的叙事功力令人惊叹。他没有堆砌那些空泛的哲学名词，而是紧密结合当时的社会背景——士大夫阶层的崛起与式微，以及禅宗、理学思想对艺术观念的渗透。这本书最打动我的是，它成功地将艺术品从历史的陈列柜中解放出来，让我们看到画家如何在特定时代背景下，通过“写意”来表达对自我、对自然、对朝政的复杂情感。比如，对苏轼“论画以形似”的反思，以及米芾那种“刷字”般的点苔，都被放在了他们那个“不合时宜”却又无比真诚的时代语境中去解读。读完后，我发现那些看似疏朗单薄的文人画背后，蕴含着比南宋院体更深沉、更具批判性的力量。它提供的不是技法，而是如何“看”画的哲学基础，极大地拓宽了我对中国艺术史的理解维度。

评分☆☆☆☆☆

这本名为《中国古代绘画中的空间叙事》的书籍，简直是为所有对画卷展开感到困惑的读者量身定做的。我过去看长卷，总是觉得画面信息量太大，容易迷失焦点，看完后也说不出个所以然。这本书的核心观点在于，长卷不是一个静态的取景框，而是一个时间轴，画家通过“移步换景”的手法，引导观者的目光进行一场“旅行”。作者细致地分析了“高远、平远、深远”这三种传统空间处理方式，并结合具体的图例，比如如何通过山体的前后遮挡、云雾的虚化处理，来营造出一种连绵不绝的行进感。更精彩的是，它还探讨了“留白”在空间构建中的作用——那不是什么都没画，而是被精心计算过的“未画之景”，是留给观者想象力的呼吸空间。通过这本书，我学会了如何耐心地跟随画家的笔意，从一头走到另一头，去体验那种“千里江山尽在掌握”的宏大感。对于想提升自己观画体验的人来说，这本书提供了清晰的导航图。

评分☆☆☆☆☆

这本《中国古代绘画技法探索》真是本宝藏！我一个半路出家的爱好者，对传统山水画的笔墨结构一直摸不着头脑，总觉得那些大师信手拈来的线条背后藏着巨大的鸿沟。这本书的切入点非常巧妙，它没有直接照搬那些晦涩难懂的古籍，而是用现代的语言和清晰的图例，一步步拆解了“皴法”的演变和应用。比如，它详细对比了披麻皴、斧劈皴在不同山体结构上的效果，还配上了高清的局部放大图，简直是我的“解谜指南”。尤其是关于墨分五色的讲解，我以前总以为就是深浅的问题，这本书让我明白了，润、浓、湿、干四种状态如何通过调水和用笔的力度来精确控制，从而营造出气韵生动的视觉效果。读完前几章，我拿着自己的画笔再去看那些宋元时期的摹本，眼光完全不一样了，那些看似随意的笔触，其实是深思熟虑后的酣畅淋漓。对于想深入理解中国画“骨法用笔”的同行或爱好者来说，这本书绝对是案头必备的工具书，能让你真正感受到古人对线条力量的极致掌控。

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中信员工包装不用心，书都压坏了，痛心！

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