文艺复兴的秘密语言：解码意大利艺术的隐秘符号体系 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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[美] 理查德·斯坦普 著，吴冰青 译

图书标签:

• 文艺复兴
• 意大利艺术
• 艺术史
• 符号学
• 隐秘符号
• 文化研究
• 艺术解读
• 图像学
• 历史
• 艺术理论

出版社： 北京时代华文书局

ISBN：9787569900033

版次：1

商品编码：11648697

包装：精装

开本：16开

出版时间：2015-02-01

用纸：铜版纸

页数：224

编辑推荐

适读人群 ：艺术、美术爱好者与研究者
　　大16开全四色印刷，逼真展示100多件艺术珍品。
　　分析意大利艺术大师100多件作品中多层隐秘的涵义
　　解码波提切利、达芬奇、米开朗琪罗、多那太罗、曼特尼亚、马萨乔、乌切诺和许多其他艺术家所使用的符号“语言”
　　揭示色彩、透视、意象等的运用中所涉及的秘密信息和神圣符号体系
　　给予现代观赏者一把带插图的钥匙，开启绘画、雕塑和建筑中的谜团，获得关于文艺复兴思想潮流的最新领悟。

内容简介

　　《文艺复兴的秘密语言：解码意大利艺术的隐秘符号体系》通过100余件艺术珍品，解析文艺复兴时期画家、雕塑家或建筑师将某种更具体的涵义编码进画布或文本、胸像或建筑——也许甚至是一种爆发性的政治情绪，或者暗中表达的异教信仰。全书针对文艺复兴艺术符号语言的基本元素，包括色彩、几何、光与影、比例、透视和姿势语言，提供了一个覆盖广阔的导引，使用的例证涵盖克里韦利的《天使报喜》到多那太罗的《抹大拉的玛利亚》，并围绕十数个主题，包括神话、战争与和平、死亡与永恒进行分析。
　　每件作品都以全彩色展示，尽显其辉煌；然后，通过一种独创的称作“选择性孤立”的技术，逐一拆开，以揭示它所包含的象征符号，并诠释其谜一般的涵义。

作者简介

　　理查德·斯坦普，曾在剑桥大学学习自然科学和艺术史，拥有意大利文艺复兴雕塑研究的哲学博士学位。在现场与录制艺术学院学习一年后，现在他一半时间研究艺术史，一半时间从事表演。他在伦敦国家艺术馆、泰特现代艺术馆、泰特不列颠艺术馆任教，并为海外艺术史项目到意大利各地博物馆和教堂进行现场讲解。他为英国第四频道写作并主持了“国家艺术馆藏品”和“泰特现代艺术馆”系列节目，而且为其他节目定期撰稿。

目录

引言
第一部分 旧思想产生新艺术
文学
绘画
雕塑
建筑
装饰艺术
第二部分 文艺复兴的语言
物件及其意义
徽标与缩语
色彩
光与影
透视
比例
神圣几何
在哪里与为什么
旧与新
我们周围的世界
躯体与头脑
手势与身体语言
赞助
男性与女性
形式与功能
故事与宣言
涵义的层级
人与天使
圣徒
美德与恶行
神与女神
第三部分 主题解码
圣经
教会
天与地
古代艺术
神话
寓言
学术
政府
权力与财富
战争与和平
生活与社会
死亡与永恒
年表
深化读物
索引 （中英对照）

精彩书摘

　　文艺复兴的艺术辉煌为世人普遍称赏，但在21世纪的今天却并不总是那么容易理解。其中包含的符号与象征，曾经是日常生活的一部分，如今却不为我们所熟悉了，而这便是本书意欲解释的。对于绘画与雕塑的涵义有了更深入的理解，我们的赞美之情只会更加炽热。
　　“文艺复兴(Renaissance)”一词的内涵可以有无数解释，询问任何一位历史学家或艺术史家，你都有可能得到一个不同的定义。这个词语源自法语“重生”，本身并无争议，有争议的是它的外延。部分原因是当时的艺术家、作家并不知晓这个概念。实际上它成为一个常用词语要到19世纪末，晚于1860年瑞士历史学家雅各?布克哈特(1818—1897)完成著作《意大利文艺复兴时期的文化》，以及1878年该书被译成英文。之后，这个法语单词因一位德国演说家而流行起来，尽管其人来自法语也是官方语言之一的国家。归根到底，文艺复兴是整个欧洲都感受到的一种现象，不过本书与布克哈特的著作一样，仅限于讨论意大利。虽然半岛各地政治上并未统一，艺术上又十分多样化，意大利艺术还是形成了一个作品体，它萌生于同一种根本的民族精神，与阿尔卑斯山以北的作品所传达的旨趣、技法和意义迥乎不同—即使北欧艺术被证明的确是15世纪意大利绘画的最大影响者之一。
　　除了限定将要讨论的地理范围，本书也限定所考虑的时间跨度。关于文艺复兴涵盖的历史时期，已有很多争论。文艺复兴的某些最典型特征，例如对古典时代艺术的兴趣甚至依赖，实际上可以从早至13世纪的艺术作品中看到（特别是13世纪中期尼古拉?皮萨诺的雕塑作品），而在14世纪早期乔托的绘画作品中，空间的现实主义描绘和强烈的人文主义精神就已十分明显了。文艺复兴背后的思想意识，很多已经体现在14世纪以来的文学作品中，不过大多数权威相信，它的完全成熟及其在视觉艺术中的表现，要到15世纪才会看到。到了16世纪中叶，宗教改革对天主教会的冲击，对意大利生活与总体文化的冲击，意味着艺术的本质和目的都在发生变化，因此本书极少选录1550年以后的作品，绝大多数作品都来自之前150年。
　　文艺复兴艺术包括一些世界最著名的肖像画，其魅力来自于新思想的探索和旧思想的再发现。艺术家不再着力于表现一个象征性领域，而重在描绘我们生活、呼吸于其中的世界。一个最好的例子，达芬奇在《蒙娜丽莎》（见上）中的一项成就不单是人物周围虚构然而看起来非常真实的风景，还包括这幅作品统一于同一种气氛的意识，即是她呼吸的空气与吹拂远方山峦的空气是一样的。风景的发现只是布克哈特挑选出来的主题之一，他还着眼于日益增长的对于个人的兴趣，这种兴趣艺术地展示在肖像画的发展过程之中，而肖像画是新兴的商人阶级记录财富与社会地位所偏好的方式。文艺复兴艺术家了解古典肖像作品的重要性，但在当时没有一件样品传世。不过古罗马的胸像却非常之多，而且极有影响力。《蒙娜丽莎》又一次体现了这种趋势。多年来她的身份一直充满争议，然而最近的文档证据证实，正如艺术家、作家乔尔乔?瓦萨里于16世纪猜测的那样，她就是格拉迪尼(Lisa Gherardini)，一位富有的丝绸商人乔康多(Francesco del Giocondo)的妻子。许多城市，特别是佛罗伦萨，其经济实力很大程度归功于商人和工匠组成的行会，而这些行会的赞助跟乔康多这样的个人赞助同等重要，甚至有过之而无不及。
　　然而，最重要的是，对于个人的兴趣说明了人类自身是如何成为值得研究的对象的—通过描绘人们如何生活，在哪里生活，他们如何感受，如何反应，特别是他们的外貌形象如何。人类精神与人体形态的高贵感，完美地体现在米开朗琪罗的雕塑《大卫》上。这件雕塑也是文艺复兴的典型产物—它不是作为一件独立的艺术作品而被创作的，它原本是一个装饰主题的一部分，其意义与它将安放的位置不可分割地联系在一起。
　　不同于文艺复兴的其他入门简介，本书将不采用时间纵览的方式呈献艺术作品，而是按主题细分条目。我们将巡览大约两个半世纪的意大利艺术作品的不同特征与基本元素，目的是交给你必要的工具，使你能够分析和解码无数并不包含于此的其他作品。第一部分介绍不同形式的艺术产品：文学、绘画、雕塑、建筑和装饰艺术。第二部分着眼于每件作品的单个元素，比如光与影，以此建立起一套符号与意义的词汇，这些词汇也许对于今天的我们并不那么显而易见。熟悉了文艺复兴艺术的语言，在第三部分我们将探索更广阔的主题，并分析这个时代若干更丰富更复杂的创造，让这些激发灵感的作品呈现它们的秘密。
　　……

前言/序言

光影的密语：拜占庭艺术中的神圣几何与象征秩序 导言：跨越时空的对话 本书旨在带领读者深入探寻拜占庭艺术这一辉煌文明的视觉语言。拜占庭帝国，横跨千年，其艺术不仅是宗教信仰的载体，更是一套复杂的、由几何学、神学和宇宙观交织而成的象征符号体系。与西方文艺复兴时期对人文主义和自然主义的探索不同，拜占庭艺术的核心在于对“彼岸世界”的描绘与再现，它通过对光线、色彩和形式的极端程式化处理，试图构建一个超越尘世的、神圣的秩序。 我们将抛开对“写实主义”的传统偏见，进入一个以“超越性”为最高追求的艺术世界。本书不是一本简单的艺术史叙述，而是一次对拜占庭视觉编码的解码尝试，揭示隐藏在金色马赛克、圣像画和建筑穹顶之下的深层含义。 第一章：神圣空间：建筑的几何学基础 拜占庭的建筑实践是其艺术哲学的物质体现。君士坦丁堡的圣索菲亚大教堂（Hagia Sophia）是这一时期的巅峰之作，其设计理念远超工程学范畴，它关乎如何将世俗空间转化为天国的预演。 穹顶的宇宙观： 穹顶不再仅仅是屋顶，而是“天穹”的象征。本书将分析拱顶、半穹顶和鼓座（Pendentive）的结构如何服务于象征意义。特别是鼓座上的四个三角帆形拱（Squinch），它们如何以几何的精确性，将方形的基础转化为圆形的穹顶——这象征着从物质世界（方形）向神性世界（圆形）的过渡。 光线与“神圣的物质性”： 拜占庭建筑师将光线视为上帝恩典的物质显现。我们考察材料的选择，如大理石的抛光处理和马赛克的运用，目的在于最大化地散射和折射光线。这种处理使得墙壁和结构仿佛消融，只剩下漂浮的、闪烁的“光之领域”。 中轴线的隐喻： 从巴西利卡式布局到集中式布局的演变，反映了对宇宙中心概念的重新定位。我们探讨建筑轴线如何引导信徒的目光和心灵，最终汇聚于至高点——圣坛或中央穹顶，即“上帝的宝座”。 第二章：马赛克的编年史：光、色与位序 马赛克是拜占庭艺术中最具代表性的媒介，它通过数百万块微小的彩色玻璃和金箔碎片，构建了一个永恒的图像世界。 金底的意义： 拜占庭马赛克几乎总是使用金色背景。这绝非为了炫耀财富，而是“非物质性”和“永恒”的明确符号。金色代表了没有时间和空间限制的“神圣光芒”（Lux Divina）。我们分析黄金碎片的倾斜角度如何捕捉并反射教堂内部的光线，使图像在不同角度下产生动态的、几乎是呼吸般的效果。 人物的程式化与“去物质化”： 拜占庭圣像人物的描绘摒弃了古典雕塑的立体感和肌肉结构。人物通常面容瘦长、表情庄严、目光直视前方。这种处理被称为“去物质化”，即剥离肉体的重量感，强调灵魂的本质。手臂、衣褶的简化和图案化，是服务于清晰传达神学信息的视觉语法。 色彩的层级体系： 拜占庭的色彩运用严格遵循等级制度。深红（象征君权与牺牲）、深蓝（象征人性与天空）和紫色（君士坦丁大帝的颜色）都有其不可替代的象征功能。我们将对照不同时期（如查士丁尼时代与中拜占庭时期）的色彩饱和度和对比度变化，分析其背后的神学修正。 第三章：圣像的凝视：媒介与媒介的界限 圣像（Icon）是拜占庭信仰的核心，它们被视为“通往神圣的窗户”。理解圣像，就是理解拜占庭人如何看待可见世界与不可见世界的互动。 “描绘不可见之物”的悖论： 圣像画的创作受到严格的神学约束，尤其是针对“图像破坏论”的争论之后。本书将探讨，圣像画是如何在描绘肉身基督的同时，成功地暗示了其神性本质。重点分析透视法的颠覆——“反向透视”的使用。 反向透视的视觉逻辑： 在传统欧洲绘画中，所有线条汇聚于一个消失点。然而，在圣像中，线条往往向外发散，图像的边缘成为视觉的汇聚点。这种手法要求观者将自身置于图像的“中心”，而非将图像置于观者面前。这象征着神圣秩序并非在画面内部展开，而是从画面向观看者辐射。 神圣的模板： 圣像画家遵循固定的“模板”（Paradeigma），从不追求个人风格的创新。这种坚持的背后是维护图像的“真实性”——即确保图像所承载的神圣原型信息不被世俗情感所污染。我们将细致比较不同地区和不同圣像类型（如基督全能者、圣母怜悯者）中，面部特征和手势的细微差别，揭示这些“不可变动”的含义。 第四章：象征的交响：文字与图像的融合 拜占庭艺术极少出现纯粹的叙事画面，即使描绘历史事件，也往往被转化为高度符号化的神学论断。 铭文的结构作用： 圣像和壁画上的希腊文或拉丁文铭文并非仅仅是注释，而是图像结构不可分割的一部分。它们定义了图像的身份，并完成了与经文的直接链接。我们分析铭文在画面中的位置、字体风格（如大写体的使用），如何影响整体的视觉平衡和神学焦点。 手势与姿态的词汇表： 拜占庭人物的手势是高度规范化的“视觉词汇”。例如，祝福的手势、祈求的姿态、指向圣经的动作，每一个都对应着特定的神学教义或祷文。本书将整理并解释这些“身体语言”的含义，展示其作为一种精炼的非口头交流系统的效能。 “图注”的层次： 从早期帝国对《旧约》主题的隐喻性引用，到中后期对特定圣徒传记的程式化再现，我们考察拜占庭艺术家如何利用预先确立的符号体系，在有限的空间内承载无限的教义信息。例如，葡萄藤、鱼、锚等早期基督教符号在拜占庭语境中的演变与固定。 结语：永恒的凝视 拜占庭艺术的精髓在于其拒绝时间流逝。它不追求捕捉瞬间的生动，而是致力于表达永恒的真理。通过对光线、几何和程式化的精妙运用，拜占庭工匠和神学家共同建立了一套完整的、旨在将凡人引导至神圣领域的视觉语言。理解这套语言，便是理解一个伟大帝国对“彼岸”的执着与信仰。本书旨在提供一把钥匙，使当代读者得以穿透层层表象，直抵那片辉煌而深邃的金色光芒之中。

评分☆☆☆☆☆

这部作品简直是一场视觉盛宴，作者以极其细腻的笔触，将我们带入了那个充满神秘与魅力的文艺复兴时期。我原以为我对达·芬奇和米开朗基罗的作品已经有了相当的了解，但这本书揭示出的那些隐藏在画作肌理之下的符号系统，彻底颠覆了我的认知。读到关于色彩运用和构图布局的解析时，我简直屏住了呼吸。作者那种抽丝剥茧的分析能力令人惊叹，他不是简单地罗列事实，而是引导我们去“阅读”艺术品，去理解那个时代精英阶层是如何通过视觉语言进行交流的。特别是关于一些世俗肖像画中，那些看似不经意的摆件，如何暗藏着家族的政治诉求或宗教信仰的微妙立场，那种层层递进的解读，让人感觉自己仿佛拥有了一把开启历史大门的钥匙。全书的叙事节奏把握得极好，既有学术的严谨性，又不失文学的感染力，让人一口气读完后，还想立刻再去翻看那些经典画册，重新审视每一个细节。

评分☆☆☆☆☆

我不得不说，这本书的文字功力达到了一个新的高度。它有一种独特的韵律感，读起来就像在聆听一场精心编排的巴洛克音乐会，充满了层次感和情感的张力。作者在描述那些文艺复兴巨匠们创作心境时，那种富有诗意的文字，仿佛将我们带入了工作室的现场，感受着颜料的气味和画笔的沙沙声。与市面上很多偏重于“八卦”或纯粹的“唯美”描述的艺术书籍不同，这本书直指核心，它探讨的是艺术作为一种权力工具、一种秘密社群交流方式的本质。特别是当作者分析那些赞助人如何通过委托特定的主题和符号，来巩固自身地位时，那种权力与美学的交织，展现了极高的思想穿透力。这本书的深度，足以让资深的研究者感到新鲜，而其可读性，又足以让普通爱好者沉醉其中，是罕见的雅俗共赏之作。

评分☆☆☆☆☆

这本书的魅力在于它构建了一个全新的认知框架，让我们不再是站在现代的视角去评判历史，而是真正沉浸到文艺复兴时期人们的思维模式之中。我尤其欣赏作者在处理复杂的宗教寓言和哲学思辨时的那种游刃有余。他巧妙地将晦涩难懂的托马斯主义、新柏拉图主义等思潮，通过具体的艺术实例展现出来，使得原本遥不可及的理论变得鲜活可感。比如，书中对某一幅祭坛画中人物手势的解读，居然可以关联到当时佛罗伦萨的某个政治派系的兴衰，这种跨领域的联想和论证，展现了作者深厚的跨学科功底。阅读体验非常畅快，语言风格时而如同一位沉静的历史学家，时而又像一位激情的艺术鉴赏家，两者完美融合，避免了纯理论书籍的枯燥，也超越了一般艺术普及读物的肤浅。对于任何想深入了解那个黄金时代艺术内核的人来说，这绝对是一本不容错Ig的案头书。

评分☆☆☆☆☆

这本书的出版，无疑为我们理解文艺复兴时期的人文精神提供了一把非传统的钥匙。它没有过多纠结于艺术家们的生平轶事，而是将焦点完全锁定在了他们创作的“为什么”和“如何被理解”上。我非常赞赏作者在处理不同文化元素融合时的审慎态度，比如如何将古典神话的元素与新兴的基督教教义巧妙地嫁接到同一画面中，形成一种既传统又革新的视觉叙事。这种“解码”的过程，让观赏艺术品从一种被动的接受，转变成了一种主动的探秘。全书结构犹如一个精巧的迷宫，每深入一层，都会发现新的出口和更广阔的风景。合上书本的那一刻，我感到自己的世界观被拓展了，那些曾经习以为常的文艺复兴经典，现在在我眼中都焕发出了全新的光彩，充满了未被言说的秘密。

评分☆☆☆☆☆

读完全书，我最大的感受是震撼——震撼于人类创造力的深度和广度，以及历史的复杂性。作者似乎拥有某种“透视眼”，能够看穿艺术家精心设置的每一个陷阱和机关。最让我印象深刻的是关于“消失的点”和“视错觉”在秘密信息传递中的应用。这不仅仅是技术层面的探讨，更是对观看者主动性的挑战。作者通过详细的图解和对比分析，将这些看似玄奥的技巧，拆解成了可以理解的步骤，让人恍然大悟，原来我们在欣赏这些杰作时，一直都在参与一场智力游戏。这本书的论证逻辑严密，每一步推导都建立在前文扎实的基础之上，如同在铺设一条精密运作的钟表齿轮系统。尽管内容涉及大量的历史背景知识，但作者的引导非常到位，即便是对艺术史不太熟悉的读者，也能跟随其思绪畅通无阻地领略到其中的精妙。

评分☆☆☆☆☆

很喜欢这本书，因为看了丹布朗的小说而对这些产生了兴趣，书中内容如果再挖掘的深一点就更有意思了

评分☆☆☆☆☆

书质量很好，快递也很给力！

评分☆☆☆☆☆

好。

评分☆☆☆☆☆

好评

评分☆☆☆☆☆

非常好

评分☆☆☆☆☆

版次：1

评分☆☆☆☆☆

徽标与缩语

评分☆☆☆☆☆

从符号到主题，从具体到抽象，印刷精美，分析有道，不错的文艺复兴艺术读本。

评分☆☆☆☆☆

理查德·艾尔曼（Richard Elmann，1918—1987），1918年，艾尔曼生于密歇根州的海兰帕克。他曾在耶鲁和都柏林的圣三一学院就学，曾任教于哈佛大学、耶鲁大学、西北大学、埃默里大学、芝加哥大学、印第安纳大学和牛津大学。在牛津大学，他担任戈德史密斯英国文学教授一职，还是新学院的研究员。在撰写《詹姆斯·乔伊斯传》（1959年国家图书奖获得者）之前，他还撰著了《叶芝：其人其面具》和《叶芝的身份》，出版乔伊斯传后，除了其他广获赞誉的书籍之外，他整理了两册乔伊斯书信，还撰著了《国家征用权》和《都柏林四杰》。1987年5月，《奥斯卡·王尔德传》杀青之际，艾尔曼在牛津去世，为了此书，他曾耗时二十年进行研究、调查和撰述。