曆代經典山水石法解析：李成、範寬、郭熙 pdf epub mobi txt 電子書 下載 2025

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蕭海春 繪

圖書標籤:

• 山水畫
• 李成
• 範寬
• 郭熙
• 繪畫技法
• 中國畫
• 藝術史
• 繪畫理論
• 曆代繪畫
• 石法

齣版社： 上海書畫齣版社

ISBN：9787547910443

版次：1

商品編碼：11761030

包裝：平裝

叢書名： 曆代經典山水石法解析

開本：8開

齣版時間：2015-08-01

用紙：銅版紙

內容簡介

　　曆代經典山水解析係列是海上著名山水畫傢蕭海春先生近幾年緻力於傳統山水畫教學實踐的課徒畫稿。學習山水畫最基本的入門方式是畫好樹法與石法。蕭海春先生多年來精研傳統經典山水，尤其對經典山水作品中的樹法、石法加以提煉、分解、研習，將經典山水樹、石的各類技法演繹並傳承下去。本書是此套係列中關於石法的一本圖譜，選取瞭李成、範寬和郭熙經典山水作品中石法作品作為範例。這是一套很好的學習山水畫技法的圖譜資料。

作者簡介

　　蕭海春，1944年生，江西人，彆署抱雪齋、煙雲堂。1964年畢業於上海工藝美術學校。自幼喜愛繪畫，早年曾從事玉雕創作，並獲得工藝美術大師稱號。現為中國工藝美術大師，中國美術傢協會上海分會會員，上海中國畫院兼職畫師，上海市突齣貢獻專傢協會會員

內頁插圖

前言/序言

《中國古代繪畫技法探微：筆墨意韻與時代變遷》 本書旨在深入探討中國古代繪畫，特彆是山水畫在不同曆史時期所展現齣的獨特筆墨技法、審美取嚮與時代精神的演變。我們將跨越悠久的曆史長河，從魏晉風度的飄逸寫意，到唐宋的雄渾壯麗，再到元明清的文人化與程式化，細緻梳理中國畫在技法層麵的發展脈絡，力求呈現一部詳盡而富有洞察力的繪畫技法史。 第一章：中國畫的起源與早期發展——綫條的生命與精神的初探 本章將追溯中國繪畫的源頭，從原始社會岩畫的樸拙象徵，到商周青銅器與玉器上的饕餮紋、雲紋等裝飾性圖案，揭示綫條在早期藝術中的奠基作用。我們將重點分析東晉顧愷之《洛神賦圖》等作品，探究其“以形寫神”的理論與實踐，理解“六法”之說在中國畫發展初期的指導意義，特彆是“骨法用筆”和“隨類賦彩”的早期形態。這一時期，繪畫主要服務於宗教、政治或貴族階層，技法尚未完全獨立，更多地融入瞭書法、工藝美術的特點。我們將通過對傳世文獻的梳理，如《曆代名畫記》，來理解當時對繪畫藝術的評價標準和審美趣味。 第二章：唐宋山水畫的雄渾與壯麗——程式的建立與氣韻的勃發 唐宋是中國山水畫的黃金時期，也是山水畫技法體係真正成熟的關鍵階段。本章將深入剖析唐代山水畫的風格特徵，如李思訓的金碧輝 't, 強調其賦彩的瑰麗與構圖的宏大，以及其對後世工筆山水的深遠影響。隨後，我們將著重探討宋代山水畫的輝煌成就，重點分析“全景山水”和“小景山水”的不同錶現手法。我們將研究宋代畫傢如何通過對自然山川的細緻觀察，將山、水、樹、石、雲、霧等自然元素進行程式化處理，並賦予其獨特的筆墨錶現力。 筆墨的探索與發展： 本章將詳細闡述宋代畫傢在用筆、用墨上的精進。例如，對皴法的初步探索，如披麻皴、斧劈皴等，盡管此時尚未形成後世那樣成熟的體係，但其雛形已顯現，為後來的發展奠定瞭基礎。墨法的運用，如積墨、破墨、宿墨等，在宋代山水畫中開始得到初步的實踐，展現齣墨色濃淡變化所帶來的視覺衝擊力和立體感。 構圖的創新與意境的營造： 宋代山水畫的構圖講究“可行、可望、可遊、可居”，追求空間的深遠與層次感。我們將分析點景人物的運用，如何通過渺小的人物來襯托山水的宏偉，烘托齣人與自然的和諧或人對自然的敬畏之情。對“氣韻生動”的追求，更是宋代山水畫的核心。我們將探討畫傢如何通過筆墨的組閤，色彩的搭配，以及整體氛圍的營造，來傳達畫麵的生命力和精神內涵。 不同地域風格的對比： 本章還將初步觸及宋代不同地域的山水畫風格差異，如北方山水的雄渾壯闊與南方山水的秀麗溫婉，盡管此時地域風格的區分尚不如後世明顯，但其萌芽已可辨。 第三章：元代文人畫的崛起與筆墨的解放——寫意精神的升華 元代是文人畫發展的關鍵轉摺點。本章將探討文人畫興起對山水畫技法産生的深刻影響。文人畫強調“士氣”和“逸格”，將繪畫視為個人情感、學識和品格的抒發，而非單純的技藝模仿。 筆墨的自由與意趣： 在技法層麵，元代畫傢更加注重筆墨自身的錶現力，強調“書畫同源”，將書法中的行筆、轉摺、疾徐等用筆技巧融入繪畫。皴法趨於簡化和寫意化，如捲雲皴、解索皴等，更注重筆觸的痕跡感和墨色的韻味。水墨技法的運用更加純熟，強調墨色的層次和暈染效果，營造齣朦朧、空靈的意境。 意境的追求與象徵意義： 元代山水畫的構圖往往更加自由，不受嚴格的寫實約束，追求畫麵整體的意境和象徵意義。畫傢善於運用象徵性的筆墨語言，如枯木、寒鬆等，來寄托個人的情懷與誌嚮。我們將分析趙孟頫、黃公望、王濛、吳鎮等元四傢的代錶作品，理解他們如何將個人的人格魅力與繪畫技法融為一體。 第四章：明代山水畫的多元化與程式的定型——繼承與創新並存 明代山水畫在繼承元代文人畫精神的基礎上，呈現齣更加多元化的發展態勢。本章將分析明代畫壇的主要流派及其技法特點。 浙派的粗放寫實： 探討以戴進為代錶的浙派山水畫，其特點是構圖雄闊，筆法粗放，色彩濃重，注重寫實，但又帶有江湖畫派的野逸之氣。我們將分析其用筆的力度感和墨色的對比。 吳門畫派的清雅秀潤： 重點分析以瀋周、文徵明、唐寅、仇英為代錶的吳門畫派，他們繼承瞭元代文人畫的雅逸風格，但又各自發展齣獨特的麵貌。瀋周的渾厚蒼潤，文徵明的溫潤秀麗，唐寅的飄逸灑脫，仇英的工細嚴謹，這些不同的風格都體現在其筆墨的運用和構圖的安排上。我們將深入研究其皴法的精煉與變化，以及水墨暈染的細膩程度。 中後期的新變： 探討明代中後期，如董其昌等人的齣現，他們對繪畫理論進行瞭係統性總結，提齣瞭“南北宗論”，對後世山水畫的發展産生瞭巨大影響。董其昌強調“讀萬捲書，行萬裏路”，並將文人畫的理論推嚮新的高度，其“以書入畫”的理念，對後世山水畫的筆墨錶現産生瞭深遠影響。 第五章：清代山水畫的集大成與個性化——傳統技法的深化與時代印記 清代山水畫在繼承明代成就的基礎上，既有對傳統的集大成，也有個性化的創新。本章將梳理清代山水畫的主要發展脈絡。 “四王”的摹古與程式化： 重點分析王時敏、王鑒、王翬、王原祁等“四王”的繪畫風格。他們以摹古為宗，推崇元人，將傳統的皴法、墨法、構圖進行瞭係統性的梳理與整閤，形成瞭程式化的繪畫語言。我們將分析他們如何通過對古代名傢作品的深入學習，將前人的技法融入自己的創作，形成一種典雅、精謹的風格。 “新安畫派”的地域特色： 探討以漸江、查士標、汪之意、孫逸等為代錶的新安畫派，他們善於描繪徽州地區特有的山水風光，筆墨簡練、蒼勁，意境蕭散，形成瞭獨特的地域風格。 個性化山水畫的探索： 關注石濤、八大山人等畫傢的獨特風格。石濤的“筆墨有自傢麵目”，強調創新與個性，其恣肆汪洋的筆墨，奇崛的構圖，都打破瞭傳統的程式束縛。八大山人的簡潔、枯澀的筆墨，以及其作品中蘊含的孤傲與疏離，都體現瞭強烈的個人情感。 晚清的變革與影響： 簡要提及晚清時期，隨著西方繪畫思潮的傳入，中國山水畫也受到一定衝擊，部分畫傢開始嘗試融閤中西技法，為近現代山水畫的發展埋下瞭伏筆。 第六章：中國山水畫技法體係的特徵與哲學意蘊——天人閤一的永恒追求 在對各個曆史時期的山水畫技法進行深入剖析後，本章將對中國山水畫的技法體係進行總結與提煉。 筆墨作為核心語言： 強調中國山水畫以筆墨為核心，筆的力道、速度、轉摺，墨的濃淡、乾濕、暈染，共同構成瞭繪畫的錶現語言。分析不同的筆法（如中鋒、側鋒、逆鋒）和墨法（如焦墨、淡墨、濕墨）如何根據描繪對象和錶現意境而靈活運用。 皴法的多樣性與象徵性： 梳理中國山水畫中豐富的皴法，如披麻皴、斧劈皴、雨點皴、荷葉皴、馬牙皴、解索皴、捲雲皴等，分析其在錶現山石肌理、體量感和空間感方麵的作用，以及它們所蘊含的象徵意義。 構圖的虛實相生與意境營造： 探討中國山水畫構圖的特點，如留白（虛）、實景（實），虛實相生，以達到畫麵的空靈與深遠。分析“三遠法”（高遠、深遠、平遠）的運用，以及如何在有限的畫麵中錶現無限的空間。 天人閤一的哲學思想： 深入探討中國山水畫技法背後所蘊含的哲學思想，特彆是“天人閤一”的觀念。山水畫並非簡單地描摹自然，而是通過對自然的觀察與理解，將自然之美、生命之靈與人的精神世界相融閤，達到一種物我兩忘的境界。畫傢的情感、學識、品格都通過筆墨得以體現，使山水畫成為一種具有哲學深度和人文關懷的藝術形式。 本書的敘述力求嚴謹而不失生動，將曆史文獻、理論分析與對經典作品的解讀相結閤，旨在為讀者提供一個係統、深入的中國古代山水畫技法研究視角，讓人們更深刻地理解中國畫獨特的藝術魅力和文化價值。

評分☆☆☆☆☆

郭熙的“斧劈皴”在書中得到瞭非常精彩的講解。我以前隻知道有“斧劈皴”，但總覺得它是一種非常寫實的錶現技法，畫齣來的山石有些“硬邦邦”的。這本書讓我顛覆瞭這種看法。作者深入分析瞭郭熙的“斧劈皴”，指齣這不僅僅是對山石外形的描摹，更是對山石內在結構和紋理的刻畫。書中通過大量的圖例，展示瞭郭熙是如何通過粗壯的筆觸、方摺的筆鋒，來錶現山石的堅硬、堅實，以及那種嚮上勃發的生命力。我尤其喜歡書中對“斧劈皴”所錶現的山石“骨感”的解讀，它讓山石不僅僅是石頭，更是具有生命的骨骼，支撐著整個山體。書中還提到瞭郭熙在運用“斧劈皴”時，常常將之與“捲雲皴”等其他皴法相結閤，形成虛實相生、剛柔並濟的效果，這讓我對“斧劈皴”的運用有瞭更靈活的理解。我曾嘗試用“斧劈皴”畫山，總覺得畫麵過於單調，讀瞭這本書，我纔明白，關鍵在於如何將“斧劈”的棱角與周圍的“虛”結閤起來，如何讓“剛”中透齣“柔”。

評分☆☆☆☆☆

這本書對我學習李成山水畫的“筆墨趣味”有著撥亂反正的作用。我之前總是陷入對“形似”的過度追求，認為畫得越像，就越好。但李成的畫作，尤其是他對於“淡墨”和“飛白”的運用，讓我明白，山水畫更重要的是“筆墨趣味”，是筆墨在紙上所産生的獨特韻味和生命力。書中細緻地分析瞭李成如何利用“枯筆”和“濕筆”的對比，如何通過“飛白”産生的“斷”與“續”，來錶現山石的質感和肌理。我曾經認為“飛白”是一種“失誤”，但李成卻能將之化為“神來之筆”，營造齣一種空靈、飄逸的美感。書中還提到瞭李成作品中的“詩意”，即畫中有詩，詩中有畫，這種意境的營造，不僅僅依賴於筆墨，更依賴於畫傢的情感投入和文化修養。我曾嘗試模仿李成，總覺得畫麵缺乏“韻味”，不夠“耐看”，讀瞭這本書，我纔明白，關鍵在於對“筆墨趣味”的理解，在於如何讓筆墨在紙上“吟唱”齣生命的鏇律。

評分☆☆☆☆☆

郭熙的“氣勢”在我閱讀本書的過程中，得到瞭升華。我一直認為，山水畫最重要的是“意境”，而郭熙作品中的“氣勢”正是營造意境的重要元素。書中對郭熙“三遠法”的解析，不僅僅是空間上的拓展，更是情感上的引導。他通過構圖上的“變化”，讓觀者在欣賞山水時，能夠感受到一種“高瞻遠矚”的胸懷，一種“悠然自得”的意境。我之前畫山水，總是在構圖上“死闆”，不知道如何纔能讓畫麵“活”起來。這本書讓我明白，郭熙的構圖，講究“藏”與“露”，“虛”與“實”的結閤，使得畫麵既有視覺衝擊力，又不失含蓄之美。書中還提到瞭郭熙對“雲”和“水”的運用，這些元素在郭熙的畫作中，不僅僅是景物，更是連接山體、烘托氣氛、營造意境的重要手段。我曾嘗試模仿郭熙，總覺得畫麵不夠“靈動”，不夠“有生氣”，讀瞭這本書，我纔明白，關鍵在於對“氣勢”的把握，在於如何讓畫麵“流動”起來。

評分☆☆☆☆☆

範寬的“筆勢險峻”給我留下瞭極其深刻的印象。我一直覺得範寬的畫是那麼的“硬朗”，那麼的“紮實”，仿佛可以直接觸摸到山岩的粗糲。這本書恰恰滿足瞭我對這種“硬朗”背後的探究。書中詳細解析瞭範寬標誌性的“雨點皴”，不僅僅是說他用點來畫石頭，而是深入分析瞭這些“點”的形態、分布、大小、枯濕，以及它們如何組閤成具有體量感和質感的山體。書中還提到瞭範寬畫山時，特彆注重錶現那種“突兀”和“崚嶒”的形態，仿佛是在錶現大自然的鬼斧神工，一種未經雕琢的原始力量。我以前畫山石，總喜歡畫得圓潤一些，總覺得那樣更“美”，但範寬的畫作告訴我，山石的美，更在於它的力量感和生命力，在於它曆經風雨侵蝕後留下的痕跡。書中通過對範寬筆法的深入解析，讓我意識到，畫好山石，不僅僅是技巧，更是對自然造物的敬畏和體悟，是對那些“不動聲色”的自然力量的捕捉。

評分☆☆☆☆☆

這本《曆代經典山水石法解析：李成、範寬、郭熙》真是讓我大開眼界，尤其是對李成、範寬、郭熙這三位宋代山水畫巨匠的石法解析，簡直是醍醐灌頂。作為一名業餘的山水畫愛好者，我一直對這些大師的筆墨技巧感到好奇，但苦於找不到係統的、深入的講解。讀瞭這本書，我纔真正明白，原來他們筆下的山石並非憑空想象，而是有著一套嚴謹的邏輯和深刻的觀察。書中對李成的“捲雲皴”和“蟹爪皴”的講解，細緻到每一筆的起承轉閤，每一墨的濃淡乾濕，讓我感覺仿佛親眼看到李成在案頭揮毫潑墨。特彆是書中對“捲雲皴”的分析，不僅闡述瞭其形似之處，更深入探討瞭其背後蘊含的地理特徵和審美取嚮。李成畫中的山石，那種蓬勃而上的力量感，那種層層疊疊的體積感，在作者的細緻解析下，變得無比清晰。而對於範寬那“雨點皴”的講解，更是讓我驚嘆於他對於自然山川的體悟之深。書中通過大量的範寬作品細節圖，展示瞭“雨點皴”是如何錶現齣岩石的堅硬、粗糙以及山體的巍峨。我以前總覺得範寬的山水太過雄渾，甚至有些笨重，但讀瞭這本書，纔理解到那是一種“力拔山兮氣蓋世”的雄壯之美，是經過他對黃土高原地貌的長期觀察和提煉的結果。作者還特彆指齣，“雨點皴”的落筆角度、密度和枯濕程度，都與他想要錶達的山體質感息息相關，這讓我對如何運用皴法有瞭全新的認識。

評分☆☆☆☆☆

這本書對於我這樣還在摸索階段的畫者來說，無疑是一本寶貴的“秘籍”。我尤其欣賞書中對李成“淡墨法”的闡述。以前我總覺得淡墨很難畫齣山石的體積感和層次感，容易顯得軟弱無力。但是，書中通過對李成作品的細緻解讀，我發現他運用淡墨，並非是簡單地稀釋墨汁，而是通過墨色的微妙變化、筆法的靈活運用，甚至藉助紙張的吸墨性，來營造齣山石的朦朧之美和空靈之感。書中分析瞭李成如何利用“漲墨”和“宿墨”技巧，在淡墨中注入生命力，讓山石呈現齣一種溫潤而富有韻律的美感。我曾嘗試模仿李成的淡墨山水，總覺得效果不盡如人意，現在迴想起來，就是因為沒有真正理解他“以少勝多”的繪畫理念。書中通過對李成筆墨的“解剖”，讓我明白，淡墨不是沒有力量，而是需要更高的技巧和更深的功力纔能駕馭，它能夠錶現齣一種“潤含春雨”般的細膩質感，一種“空山新雨後”的清透意境，這在我之前的認知裏是完全沒有的。

評分☆☆☆☆☆

郭熙的部分更是讓我對山水畫的構圖和意境有瞭更深層次的理解。他提齣的“三遠法”，即高遠、深遠、平遠，在書中得到瞭非常生動的闡釋。我一直以為“三遠法”隻是簡單的空間錶現手法，但書中通過對郭熙作品的分析，讓我明白這是一種對自然景象的立體呈現，是一種能夠引導觀者情緒、營造空間縱深感的藝術策略。比如，“高遠”如何通過疊加的山巒和低垂的雲霧來營造齣一種仰視的壯麗感；“深遠”又如何通過層層推進的景物和渺遠的山巒，將觀者的視綫引嚮無限的遠方，産生一種幽邃悠遠的感覺。更讓我印象深刻的是，書中不僅講解瞭“三遠法”的理論，還結閤郭熙的實際畫作，一一拆解瞭他是如何在構圖上實現這些“遠”的。例如，書中分析瞭郭熙《早春圖》中，如何利用前景的樹石、中景的山巒和遠景的隱約山峰，巧妙地將三種“遠”的意境融為一體，使得畫麵既有層次感，又充滿瞭呼吸的空間。我之前畫山水畫，總是在構圖上感到空泛，不知道如何布置景物纔能讓畫麵既飽滿又不失靈動，讀瞭郭熙的部分，我纔找到瞭方嚮，也更加體會到瞭中國山水畫“虛實相生”的妙處。

評分☆☆☆☆☆

這本書對於我來說，更像是一本“工具書”，或者說是一本“指南”。對於李成，書中不僅解析瞭他的石法，還深入探討瞭他的“墨氣”和“意趣”。我發現，李成畫的山石，有一種“煙籠霧罩”的朦朧美，墨色濃淡變化豐富，層次感極強。書中細緻地分析瞭李成如何利用“渲染”和“暈染”等技法，讓山石在朦朧中呈現齣豐富的細節，仿佛置身於江南的煙雨之中。我之前畫山石，總喜歡把輪廓畫得清晰，但李成的畫作讓我明白，有時候，“看不清”反而是另一種美，它能引導觀者去想象，去體味。書中還提到瞭李成作品中的“筆簡意賅”，即用最少的筆墨，卻能錶達齣最豐富的意境，這對於我這種新手來說，是極其寶貴的經驗。我曾嘗試模仿李成，總是覺得畫麵過於“平淡”，沒有“氣韻”，讀瞭這本書，我纔明白，關鍵在於對“墨氣”的把握，在於如何讓筆墨在紙上“活”起來。

評分☆☆☆☆☆

我對範寬的“厚重”風格一直情有獨鍾，而這本書對我深入理解其“厚重”的根源起到瞭關鍵作用。書中詳細剖析瞭範寬的“雨點皴”，不僅強調其錶現岩石質感的特點，還深入探討瞭這種皴法背後所蘊含的“雄渾”和“蒼勁”的審美追求。我以前總覺得“雨點皴”的“點”過於零碎，不夠大氣，但書中通過對範寬作品細節的放大展示，讓我看到瞭這些“點”的排列組閤所形成的強大視覺衝擊力，以及它們如何共同構建齣巍峨壯麗的山巒。書中還強調瞭範寬在畫山時，對“骨骼”的重視，即山體的內在結構和支撐力。他不像李成那樣追求朦朧的美感，而是更加注重山體的“實”，注重那種“不動如山”的穩重和力量。我曾嘗試模仿範寬，總覺得畫麵不夠“壓抑”，不夠“有分量”，讀瞭這本書，我纔明白，關鍵在於對“厚重”的處理，在於如何讓筆墨在紙上“沉”下去，而不是“飄”起來。

評分☆☆☆☆☆

範寬的山水畫，在我看來，一直是一種“宏大敘事”，而這本書則讓我看到瞭這種“宏大”背後的“細節”與“匠心”。書中對範寬“雨點皴”的深入解析，讓我不再僅僅看到畫麵的整體震撼，更能體會到每一筆“點”所蘊含的能量和生命。我以前覺得範寬的畫，筆法“粗糙”，不夠“細膩”，但這本書讓我看到，他的“粗糙”是建立在對自然造物的深刻體悟之上的，是經過提煉和概括的。書中還強調瞭範寬在畫山時，對“結構”的重視，他不僅僅是畫山的外形，更是在描繪山體的內在骨骼和肌肉。這種對“結構”的把握，使得範寬的山水畫，即使在宏大的尺度下，也顯得堅實有力，充滿生命力。我曾嘗試模仿範寬，總覺得畫麵不夠“厚重”，不夠“紮實”，讀瞭這本書，我纔明白，關鍵在於對“結構”的理解，在於如何讓筆墨在紙上“支撐”起整個山體，如何讓畫麵“凝固”住大自然的雄偉力量。

評分☆☆☆☆☆

還可以，初學山水可買，但樹石畫法沒有步驟示意。

評分☆☆☆☆☆

還可以，初學山水可買，但樹石畫法沒有步驟示意。

評分☆☆☆☆☆

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評分☆☆☆☆☆

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