西方舞台设计史 从古希腊到十九世纪 [The History Of Western Stage Design] pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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郑国良 著

图书标签:

• 舞台设计
• 西方戏剧
• 舞台美术
• 历史
• 古希腊
• 罗马
• 文艺复兴
• 巴洛克
• 洛可可
• 十九世纪
• 戏剧史

出版社： 上海人民美术出版社

ISBN：9787532298242

版次：1

商品编码：11917510

包装：平装

丛书名： 上海戏剧学院特色专业建设教材

外文名称：The History Of Western Stage Design

开本：16开

出版时间：2016-04-01

用纸：胶版纸

页数：226

正文语种：中文

内容简介

　　《西方舞台设计史 从古希腊到十九世纪》犹如“看图说话”，对西方戏剧舞台从古希腊的原生态到逐渐成型，又经过古罗马、中世纪、文艺复兴时期、十七至十九世纪等不同历史阶段的变革和演变，直至整个戏剧艺术进入十九世纪后，舞台艺术的持续发展变化过程，均详尽地予以生动解说，并不失时机地注入其独特的学术见解。

目录

第一章 古希腊
一、戏剧黄金时代
二、剧场建筑
三、剧情环境
四、剧场设备
五、人物造型

第二章 古罗马
一、对古希腊的继承
二、剧场建筑
三、布景上的革新
四、人物造型

第三章 中世纪
一、弥撒中萌芽的戏剧
二、演出场所和布景
三、图解文本的特技效果
四、戏装
五、其他演出的造型艺术

第四章 文艺复兴时期
第一节 意大利
一、初期的舞台布景
二、透视布景
三、塞里奥的贡献
四、镜框台口
五、换景技术
六、特技和照明
七、剧场建筑
八、假面喜剧
第二节 英国
一、文艺复兴初期的演出
二、剧场建筑
三、自由的舞台时空
四、舞台服装
第三节 法国和西班牙
一、布尔岗戏院的布景
二、法国宫廷演出
三、西班牙的剧场和布景

第五章 17世纪
第一节 意大利
一、剧场建筑
二、侧幕体系布景
三、布景魔术师托列利
第二节 法国
一、古典戏剧对法国的影响
二、古典主义戏剧的布景和服装
三、机关布景
第三节 英国和德国
一、宫廷假面舞的布景
二、剧场建筑
三、德国的演出造型艺术

第六章 18世纪{29
一、比比艾纳布景世家
二、其他著名布景设计师
三、值班布景
四、布景风格的变化
五、特洛宁荷姆剧场的布景
六、剧场建筑

第七章 19世纪（上）
一、浪漫主义思潮
二、历史准确性
三、箱式布景

第八章 19世纪（下）
一、现实主义的兴起
二、梅宁根公爵对舞美的贡献
三、欧文剧团的成就
四、安图昂和自然主义
五、莫斯科艺术剧院

第九章 19世纪剧场
一、剧场建筑的变化
二、著名剧场
三、拜罗兹节庆剧院
四、舞台技术
五、机械舞台
六、舞台灯光

参考书目

前言/序言

　

好的，这是一份针对您提供的书名《西方舞台设计史：从古希腊到十九世纪》的不包含该书内容的详细图书简介，重点描述其他可能存在的、但与此书主题和时间跨度不同的舞台设计历史主题： --- 书名：《东方舞台艺术的演变：从古代到近现代的流变与融合》 内容简介： 本书旨在深入探究非西方文化圈，特别是东亚、南亚以及中东地区的舞台艺术及其设计传统的独特发展轨迹。我们不再将目光聚焦于欧洲文艺复兴以来的透视法舞台或巴洛克式的宫廷剧场，而是转向那些植根于深厚哲学、宗教和民族叙事基础上的表演空间构建。 第一部分：东亚传统剧场的空间哲学与构建 本部分着重考察东亚三大传统戏剧体系——中国戏曲、日本能乐与歌舞伎，以及朝鲜盘索里的舞台特征。 中国戏曲的虚拟空间： 深入分析中国传统戏曲（如京剧、昆曲）的“一桌二椅”美学。这种极简主义的设计哲学并非是技术上的匮乏，而是高度成熟的象征主义体现。舞台被视为一个灵活的、可以随时转换场景的宇宙。我们将探讨“马鞭”如何代表马匹、“桌子”如何化为山峦或城墙的艺术语言，以及这种空间观如何与道家和儒家的宇宙观相呼应。我们还将详细剖析传统戏台的建筑结构，包括“丹陛”（用于出将入相的台阶）和“天幕”（用于象征天空的结构）在仪式性演出中的作用，及其与观众席的互动关系——即“沉浸式”与“分离式”之间的微妙平衡。 日本的仪式舞台： 详尽考察能乐（Noh）的“镜板”传统，探讨其背后的神圣性与禅宗美学。镜板上绘的松树，不仅仅是装饰，更是连接现世与灵性的媒介。对比分析歌舞伎（Kabuki）舞台的革新，尤其是其引入的“花道”（Hanamichi，穿过观众席的通道）和“廻り舞台”（Mawari Butai，旋转舞台）的机械发明，这些发明极大地增强了戏剧的视觉冲击力和叙事效率，标志着其从祭祀性向娱乐性转化的关键一步。 朝鲜舞台的叙事中心： 考察朝鲜传统表演，如盘索里和假面舞（Talchum），在简朴的户外或临时搭建的舞台上如何通过演员的身体、服装和唱腔来填充整个叙事空间。重点分析其如何利用自然环境，而非固定的建筑结构，来实现舞台效果。 第二部分：南亚与中东的宗教与宫廷舞台 本部分将时间线拉伸至南亚的史诗传统和中东的偶戏文化，这些文化在设计理念上与西方古典主义截然不同。 印度史诗剧场的动态布局： 研究古印度《 नाट्य沙斯特罗》（Natya Shastra）对舞台设计的理论指导，特别是其关于“正方形舞台”（Natyashala）的描述，以及其在不同宗教庆典和宫廷演出中的实际应用。我们将重点关注婆罗多舞（Bharatanatyam）和卡塔卡利（Kathakali）等古典舞蹈如何利用服装、面具和有限的道具来构建宏大的史诗场景，其空间处理方式更侧重于“场域的能量分布”而非“视觉深度的模拟”。 波斯与奥斯曼的偶戏文化： 探讨中东地区，特别是波斯和奥斯曼土耳其帝国中盛行的木偶戏（Karagöz/Hacivat）的独特舞台形式——“光影箱体剧场”。这种表演依赖于精巧的灯光和半透明幕布，创造出一种早期动画般的效果。分析这些箱体舞台如何成为社会评论和民间智慧传播的载体，以及其空间限制如何反过来激发了创造力的爆发。 第三部分：地域性材料、技术与观众互动 本部分超越了特定剧种的界限，聚焦于不同文化在舞台构建中对本土材料的运用，以及其对观众参与度的不同态度。 材料的哲学意涵： 考察东方舞台设计中对竹、纸、丝绸和天然颜料的偏爱，以及这些材料如何与环境光线（如烛光、油灯或自然日光）产生互动。例如，丝绸在不同光线下产生的色彩渐变如何模拟了情感的微妙变化，这与西方舞台追求坚固、持久的布景形成了鲜明对比。 技术与仪式化的分离： 对比东方舞台对大型机械装置（如古希腊的Ekkyklema或文艺复兴的飞升装置）的克制态度。在许多东方传统中，舞台技术的进步服务于增强“仪式感”和“象征性”，而非追求物理上的“逼真再现”。例如，如何通过特定的上场口设计（如“天门”与“地门”）来指示角色的神性或妖性，这是一种纯粹的符号学设计。 观众席的社会功能： 探讨东方剧场中，观众席并非一个等待被“教育”的空间，而是一个参与到特定社会或宗教仪式中的场所。分析传统剧院如何将贵族包厢、平民区域以及表演区域进行划分，以反映当时的社会等级结构，但同时又允许在演出高潮时产生情感上的共鸣与宣泄。 本书的结论部分将总结这些非西方舞台设计传统在面对全球化和现代剧场思潮冲击时所表现出的韧性与适应性，为当代舞台设计探索多元文化语汇提供深厚的历史参照系。本书适合戏剧研究者、舞台美术设计师、文化人类学家以及所有对非主流艺术史感兴趣的读者。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计本身就充满了复古的韵味，厚重的纸张和精心排版的文字，让人一翻开就能感受到一种沉淀了历史的厚重感。内容上，虽然我还没有读完全部，但光是目录和前言部分就足以展现出作者在梳理这个宏大主题时的严谨态度。尤其是对早期戏剧形态与空间关系的探讨，跳脱出了传统仅关注布景美学的视角，而是深入挖掘了建筑、仪式以及社会结构如何共同塑造了舞台的早期面貌。这种宏观的视野让人耳目一新，它不再仅仅是舞台设计师的工具书，更像是一部关于视觉文化与空间观念演变的深度学术著作。我特别期待后续章节如何处理从巴洛克盛期的过度到启蒙时代理性思潮对舞台设计理念的冲击，相信作者定能给出独到的见解。整体来看，这本书的学术价值和艺术鉴赏价值都毋庸置疑，绝对是舞台艺术领域内不可或缺的里程碑式作品。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我最初是冲着某些特定历史时期的剧场革新史料来寻找相关书籍的，这本书的覆盖面之广实在超出了我的预期。它并没有把重点仅仅放在巴黎或意大利的歌剧院体系上，而是相当具有开拓性地将目光投向了更广阔的地理和文化背景，探讨了不同区域的文化冲突与融合如何塑造了各自独特的舞台审美。这种国际化的视角极大地拓宽了我对“西方舞台设计史”这一概念的理解。它让我意识到，舞台艺术的发展从来不是单一线性的，而是充满了区域性的分支和交叉影响。阅读过程中，我不断地被引导去思考那些在主流叙事中常常被忽略的、但同样具有开创性意义的设计实践，这无疑极大地丰富了我对该领域历史的全景式认知。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我最大的启发在于，它成功地将“设计”从单纯的“装饰”中解脱出来，提升到了“空间语言”的高度来审视。作者极其擅长通过对比不同时代对“真实性”和“表现性”的不同追求，来阐述舞台空间是如何作为一种媒介，承担起与观众进行复杂对话的功能。比如，对古希腊圆形剧场宏大尺度与集体情感的关注，与后来巴洛克时期追求幻觉式深度之间的张力对比，被描绘得淋漓尽致。这种对设计意图和空间哲学关系的深刻挖掘，使得读者不再仅仅欣赏舞台画面的美感，而是开始思考：为什么这个时代的设计师选择了这种方式来组织空间？这种思考层次的提升，使得这本书的价值远远超越了单纯的史料汇编，它更像是一本关于如何“思考空间”的经典著作，对任何试图在当代语境下进行空间创作的人来说，都具有深远的启示意义。

评分☆☆☆☆☆

阅读体验上，我发现作者在行文过程中，那种对细节的考究达到了近乎痴迷的程度。他似乎不满足于罗列各个时代著名的设计师和他们的杰出作品，而是着重于剖析技术革新（比如灯光、机械装置的引入）是如何引发艺术思潮的转向的。举个例子，书中对文艺复兴时期透视法在舞台空间营造上的应用分析得极为透彻，不仅仅是描述了其视觉效果，更探讨了这种“观看”方式背后的哲学基础——即以人为中心的、可量化的世界观如何渗透到了舞台艺术的血液里。这种层层递进的分析结构，使得读者在理解某个设计案例时，能够同时把握住其背后的时代精神和技术脉络，避免了将历史碎片化地孤立看待。对于那些希望深入理解舞台艺术发展内在逻辑的专业人士来说，这本书无疑提供了一个极其坚实的理论框架。

评分☆☆☆☆☆

这本书的语言风格非常平实而富有洞察力，读起来完全没有传统学术著作那种晦涩难懂的架势。作者的叙事线索清晰流畅，即便是对于那些对古代剧场形制不甚了解的入门读者，也能通过他充满画面感的文字描述迅速建立起对特定历史时期舞台样貌的直观认识。比如，他在描述中世纪神秘剧的移动舞台和固定场所之间的转换时，那种动态的场景再现，仿佛让人身临其境地感受到了那种群众参与的、流动性的戏剧体验。这种兼顾学术深度与可读性的平衡把握得恰到好处。它不像一本冷冰冰的教科书，更像是一位学识渊博的老者，耐心地为你讲述那些隐藏在历史烟尘背后的精彩故事和技艺演变。我个人非常欣赏这种既保持专业性又不失温度的写作手法。

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这版本太美，书非常不错，质量超级棒，活动买的，超值

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包装很好，送货快

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虽是教材，但是知识内容很系统。

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不错，开阔行业视野！

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很好