电影公开课 电影声音之美：电影录音和音响表现的基本方法/上海戏剧学院规划建设教材 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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[日] 下牧建春 著，陈铖 译

图书标签:

• 电影
• 声音
• 录音
• 音响
• 电影制作
• 电影技术
• 上海戏剧学院
• 教材
• 影视
• 艺术

出版社： 上海人民美术出版社

ISBN：9787558603334

版次：1

商品编码：12105669

包装：平装

丛书名： 上海戏剧学院规划建设教材

开本：16开

出版时间：2017-05-01

用纸：胶版纸

页数：206

正文语种：中文

内容简介

　　《电影公开课 电影声音之美：电影录音和音响表现的基本方法》是抵达声音美学的一条重要通道，或者说是一根重要拐杖。下牧建春先生立足于自己长期的美妙影视实践积累，加上在高等艺术院校的浪漫教学工作体验，《电影公开课 电影声音之美：电影录音和音响表现的基本方法》娓娓道来，既是系统完整，又是轻重有度，既是技术教学，又是美学教育，既是教科书，又是工具书，因此，它既适合影视类相关专业的教学之用，也适合一线以及初学录音艺术者的自备和自学之用。

内页插图

目录

1 声音漫谈
1．1 声音漫谈
1．2 从声音的度量衡开始
1．3 “最小声音”是什么
1．4 声音的表达
1．5 最小听觉
1．6 听觉感度
1．7 最小声音的听觉范围
1．8 给声音划分三六九等
1．9 如何让声音真实还原
1．10 分贝到底是怎么一回事
1．11 为什么“分贝”会出现负数
1．12 电影的最大声音

2 电影声学
2．1 声音高低是什么
2．2 人耳可听频率范围
2．3 音乐基音
2．4 有关音色
2．5 声音三属性
2．6 音量刺激和反应的操作原理
2．7 理想和现实问题
2．8 电影音量跨度问题
2．9 音量开关的等分和构造
2．10 残响的定义
2．11 回音是什么
2．12 隔音和吸音
2．13 两种声音叠加

3 辨认话筒
3．1 话筒种类
3．2 话筒的规格参数
3．3 拍摄现场常用话筒
3．4 话筒杆和防风罩
3．5 指向性话筒个性
3．6 微型话筒
3．7 无线话筒

4 录音设备
4．1 电影录音方式
4．2 录音机原理
4．3 录音机构成
4．4 数字录音原理
4．5 声音采样和释放
4．6 机器操作入
4．7 热身
4．8 外连话筒操作
4．9 录音前的确认事项
4．10 录音辅助器材
4．11 小调音台机能
4．12 音量接轨
4．13 其他配件
4．14 数字录音机功过

5 现场收音
5．1 台词收音基本问题
5．2 台词的临场感
5．3 台词收音表现
5．4 话筒偏转和声音表现
5．5 歌舞场面如何收音
5．6 台词整理

6 对白双片
6．1 对白双片概念
6．2 给明星的声音打扮打扮
6．3 台词加工方法
6．4 台词分轨的必要性
6．5 双片制作近况
6．6 双片审查

7 声音设计
7．1 声音制作对象
7．2 声音要素平衡
7．3 《卖火柴的小女孩》
7．4 声音设计入
7．5 声音分类、分组、分轨
7．6 声音风格
7．7 选曲窍
7．8 音乐剪接技巧

8 调音基本
8．1 调音控制台
8．2 调音控制台的用法
8．3 调音控制开关说明
8．4 总线控制器
8．5 “上机架”是什么
8．6 声音工作站概念
8．7 调音的三个范畴
8．8 音量管理观念
8．9 调整音质
8．10 调整音效
8．11 调音的定义
8．12 实用调音技巧

9 创作天地
9．1 电影声音的性格
9．2 音效的戏剧作用
9．3 使用音效的注意事项
9．4 学生案例《一刀两断》
9．5 混音是什么
9．6 电影音响表现范围
9．7 混录的物理要求

10 一切为了观众
10．1 电影声音标准
10．2 欣赏电影的声场
10．3 放映现场的噪声规定
10．4 作品完成了该怎么办
10．5 实践是检验真理的标准

前言/序言

　　声音是我们熟悉的而又看不见摸不着的东西，用文学语言描述声音是非常困难的。本书定位为电影声音制作教学，理应围绕录音器材操作方法进行讲解。但是，话筒和录音机等音响设备五花八门，声音制作工序繁多，所涉及的知识领域极广，讲起来真是头绪纷繁。本书按电影生产工序进程编写，将其分为三个阶段，介绍了学习里程中应该知道的知识和相关技巧。为了方便你的行程，我制作了一张地图（参看右页图）。
　　这张地图对你十分重要，当你迷路的时候，回过头来看看地图，然后调整一下方向，继续行动。
　　由于影片制作题材和规模等情况不同，上述路线多少会有所变化，但是，专业的电影声音制作基本如此，可以分为三个阶段，九个环节，每一个步骤都是不可缺少的，否则作品质量就会下降许多。换句话说，我们的声音制作必须满足每一步路径的要求，否则就不可能产生优秀的电影作品。

《光影的律动：摄影艺术与视觉叙事》 内容提要 本书深入探讨电影摄影的理论基础、技术实践与艺术表达，旨在为电影制作者提供一套系统而全面的视觉语言构建指南。全书围绕“如何用光影讲述故事”这一核心命题展开，从光学原理的底层逻辑出发，层层递进至镜头选择、构图设计、场面调度、灯光运用以及后期调色等各个环节。通过对经典影片案例的细致剖析，结合当代电影制作的前沿技术，本书力求搭建一座连接技术工具与艺术想象的桥梁，培养读者对电影画面美学的高度敏感性和精准的视觉控制力。 第一部分：光影的物理与哲学基础 第一章：视觉的建立：人眼、胶片与数字传感器 本章首先回顾人类视觉系统的生理学基础，解释我们如何感知光线、色彩和运动。随后，详细阐述电影成像介质的发展历程，重点比较胶片摄影与数字摄影在感光度（ISO）、宽容度（Dynamic Range）以及色彩还原上的本质区别。深入解析曝光三角（光圈、快门速度、感光度）的相互制约关系，强调理解这些物理参数是实现精确视觉控制的第一步。本章特别关注“数字成像流程”中的去马赛克（Demosaicing）过程，及其对最终画质的影响。 第二章：镜头语言的语法：焦距、视角与景深 镜头不仅是收集光线的工具，更是叙事视角的载体。本章系统梳理不同焦距镜头（广角、标准、长焦）所带来的空间压缩与拉伸效果，以及它们在心理学层面上对观众情绪的微妙引导。景深（Depth of Field）的控制被视为电影构图的核心技术之一，本章详细解析光圈、主体距离和焦距如何共同决定焦点范围，并区分了浅景深（强调主体）与大景深（展现环境信息）在叙事中的应用策略。此外，还探讨了鱼眼镜头、移轴镜头等特殊镜头在突破常规视觉限制时的艺术潜力。 第三章：空间重塑：构图的经典法则与现代解构 构图是二维平面上的空间组织艺术。本章从经典的“三分法”、“黄金分割”引入，讲解如何利用线条、形状、肌理和负空间来引导观众视线。重点分析了画面平衡（对称与非对称）的建立，以及如何通过前景、中景、背景的层次感来增强画面的立体感和信息密度。针对电影特有的“动态构图”，本章探讨了摄影机运动（平移、俯仰、跟拍）如何与画面内的元素保持或打破平衡，从而创造视觉张力或稳定感。 第二部分：灯光——塑造情绪与质感的无形之手 第四章：照明的科学与美学：三点布光法的再认识 灯光是电影摄影的灵魂。本章从基础的“三点布光法”（主光、辅光、轮廓光）入手，阐明它们各自的功能——确定方向感、消除阴影、分离主体。在此基础上，深入剖析了光线的“硬度”与“软度”（使用柔光箱、反光板、遮光板等），及其对皮肤质感和物体表面肌理的影响。本章强调，灯光的设计必须服务于故事背景和人物状态。 第五章：色彩的情感光谱：色温、色彩心理学与电影调性 本章将技术层面的色温（开尔文值）与艺术层面的色彩心理学相结合。讲解了冷色调（蓝、青）与暖色调（红、黄）如何分别烘托气氛，以及如何运用对比色和近似色来增强画面的视觉冲击力。通过分析不同类型电影（如黑色电影、浪漫喜剧）的色彩方案，指导读者建立具有统一风格的色彩调性，并探讨了滤镜在这一过程中的作用。 第三部分：运动的叙事：场面调度与摄影机运动 第六章：场面调度的空间逻辑：调度人物与镜头的交织 场面调度是导演的“空间剧本”。本章区分了“舞台式”与“电影式”的调度，重点解析了人物在镜头内外的移动如何影响叙事节奏和信息释放的优先级。深入探讨了“空间深度”的运用——如何引导观众的注意力在前景的动作、中景的反应和背景的细节中自由切换。 第七章：摄影机运动的语法：机械与情感的连接 摄影机的运动是电影区别于戏剧表演的关键。本章详细分类讨论了基础运动（推、拉、摇、移）的运用场景。例如，推轨镜头（Dolly Shot）如何表现人物的沉思或逼近的危险；摇摄（Pan）如何暗示角色的探寻或环境的广阔。同时，对复杂的运动（如手持、斯坦尼康、无人机拍摄）的应用及其带来的主观性、不安定感或宏大视角进行了探讨，强调每一次运动都必须是“有目的”的。 第四部分：从采集到呈现：技术集成与视觉风格的统一 第八章：数字时代的影像流程：从 RAW 到最终 DIT 本章聚焦于现代电影制作的技术链条。详细介绍数字中间片（DI）流程的概念，以及摄影师在现场对影像进行“预设”（Look Development）的重要性。讨论了色彩空间管理（如Rec. 709与DCI-P3）以及代理文件制作，确保影像信息在后期制作中得到最大限度的保留和转化。 第九章：风格的统一：摄影指导与导演的协作 成功的电影视觉是导演意图与摄影指导执行力的完美结合。本章侧重于沟通的艺术，探讨了摄影指导如何通过制定详细的“摄影蓝图”（Shot List, Lighting Diagrams）来精确传达其视觉方案。通过对多位影史著名摄影师（如罗杰·狄金斯、维托里奥·斯托拉罗）工作方法的剖析，展示如何发展出具有个人辨识度的视觉风格，并使其完美融入整体叙事和主题表达之中。 结语：构建你的视觉词典 本书的最终目标是培养读者将技术知识内化为直觉反应的能力，使每一次对光圈的调整、每一次镜头的选择，都成为服务于故事表达的有意为之的艺术决策。电影摄影是对现实的精确捕捉，更是对主观感受的视觉重构。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计颇具匠心，拿到手上时，就能感受到那种对细节的重视。纸张的质感非常棒，印刷色彩饱满而不失内敛，封面设计简洁有力，一眼就能抓住“电影”和“声音”这两个核心要素。作为一名对影视制作充满热情的爱好者，我一直苦于找不到系统介绍声音环节的入门读物，市面上大多要么过于学术化，要么零散不成体系。这本书的出现，简直就像是在茫茫书海中找到了一座灯塔。虽然我还没有完全深入研读内容，但仅凭这精良的制作水准，我已经对内含的知识体系充满了信心。它不仅仅是一本教材，更像是一件经过精心打磨的艺术品，让人愿意捧在手里细细品味，也让人相信编写者在内容组织上必然是下足了功夫，绝不会是敷衍了事的产物。这种从外在到内在的整体协调感，极大地提升了阅读的愉悦度。

评分☆☆☆☆☆

从书名《电影声音之美》中，我嗅到了一丝不同于纯技术手册的气息。这暗示着本书的视野或许并不局限于“如何录制”和“如何编辑”的技术层面，而是更深层次地探讨声音如何服务于叙事、烘托情绪，乃至构建起一个完整的电影世界观。优秀的电影声音设计，往往是“润物细无声”的，它引导着观众的情感走向，却不喧宾夺主。我非常好奇，上海戏剧学院的这套规划教材，是如何平衡“学院派的严谨性”与“艺术创作的灵活性”的？书中是否探讨了声音母题的运用、环境声场的构建逻辑，以及如何通过音效的动态范围变化来制造戏剧张力？如果能将这些艺术层面的思考融入技术讲解，那么这本书的价值将远远超越一本教科书的范畴，而成为一部实用的创作指南。

评分☆☆☆☆☆

我特别欣赏这本书的排版布局，它似乎刻意避免了传统教材那种密不透风的文字堆砌。留白处理得恰到好处，使得复杂的概念在视觉上得到了有效的分隔和消化。我猜想，在讲解录音技术和后期混音时，作者一定非常巧妙地运用了图表和示意图来辅助说明，毕竟声音的物理特性和空间感是抽象的，单靠文字描述往往力不从心。如果书中能配有大量清晰的声场示意图，或者关键的设备操作流程图示，那无疑是极大的加分项。我期待着它能将那些晦涩的声学原理，用一种直观且易于理解的方式呈现出来，让初学者也能迅速建立起对声音世界的空间认知，而不是仅仅停留在理论的层面。这种对学习者体验的尊重，在教材编写中是难能可贵的。

评分☆☆☆☆☆

作为一名长期的电影迷，我总觉得电影的“听觉部分”是被严重低估的领域。人们习惯于赞叹视觉特效的震撼，却很少有人会特意去讨论一场戏中鼓点节奏与环境音效是如何精准配合，从而在潜意识中影响了观影体验。我希望这本书能揭示出那些隐藏在幕后的“声音魔术”。例如，如何通过近景和远景的声音处理来模拟人眼的焦点转换；或者，当画面信息不足时，声音是如何被用来弥补叙事上的空白。如果书中能穿插一些经典电影案例进行细致的声场解构分析，比如某个著名追逐场景中，是哪几种声音元素叠加，如何通过声像的快速移动来制造紧张感，那将是极具启发性的。这种对细节的深挖，正是区分“合格”与“优秀”的关键所在。

评分☆☆☆☆☆

这本书的出版背景——上海戏剧学院规划建设教材——让我对其专业性和权威性给予了高度的信赖。这意味着它必然经过了严格的教学实践检验，内容体系是经过多年教学反馈打磨出来的黄金标准。在选择学习资料时，我总是倾向于选择有强大院校背书的作品，因为这意味着知识体系的完整性和逻辑的严密性。我猜测，在章节安排上，它很可能遵循了从基础理论（如声学基础、麦克风原理）到实践应用（如现场收音流程、后期对白编辑、音效设计与混音）的层层递进结构。这种清晰的脉络，对于自学者来说是莫大的福音，能够确保我们每一步的学习都有坚实的基础作为支撑，而不是东一榔头西一棒子地零散学习。这本书，或许能帮我系统性地构建起我对电影声音工程师这一角色的认知蓝图。