欧洲绘画技法丛书：欧洲风景画表现技法 [Art of Drawing Landscapes] pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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[西] 大卫.圣米格尔 著，李振鹏 译，张金辉 校

图书标签:

• 绘画技法
• 风景画
• 欧洲绘画
• 艺术教程
• 绘画教学
• 艺术史
• 绘画技巧
• 构图
• 光影
• 色彩

出版社： 浙江人民美术出版社

ISBN：9787534053597

版次：1

商品编码：12116122

包装：平装

丛书名： 欧洲绘画技法丛书

外文名称：Art of Drawing Landscapes

开本：16开

出版时间：2016-12-01

用纸：铜版纸

页数：156

正文语种：中文

编辑推荐

适读人群 ：风景画初学者 风景画研习者
　　本从书的技法讲解细致、精确、通俗易懂，适用于艺术类大学、高职高专、校外培训、自学绘画等多领域需求。欢迎从事美术教育绘画界同仁提出宝贵意见，以提升美术绘画教学的广度与深度。
　　本教材首期出版四册，《欧洲风景画表现技法》《欧洲景物速写技法》《人体解剖与动态表现技法》《欧洲鸟类绘画表现技法》。教材定价为65.00元/册～72.00元/册。

内容简介

　　本教材是引进欧洲绘画基础技法教学内容，为美术爱好者提供一种崭新的尝试，尤其是针对于初学者对大自然物体的造型理解能做到充分概括，并且熟练地灵活运用。本教材于国内同类教材区别在于能帮助初学者正确的理解绘画的原理，对形体概括、形体与色彩之间的关系处理详解及快速表现等技能的准确性地把握，从而让初学者从绘画表现的本意去认识和掌控自然界的表现。

作者简介

　　李振鹏，中国美术学院跨媒体艺术学院副院长，博士。1991年毕业于中国美术学院油画系。1997年参加《中国青年油画展》并获一等奖，2000年-2001年赴法国巴黎国际艺术城研修，2002年作为交流访问学者赴美国罗德岛美术学院。2008年入选浙江省“新世纪151人才工程”第1层次培养人员，2009年参加《历史的凝眸——浙江历史文化重大题材美术作品展》并获优秀奖，2016年参加《世纪风眠——林风眠画传展》，作品被多家美术馆和大学等机构收藏，出版了《素描的力量》《色彩的力量》等著作。

内页插图

追溯古典，描摹自然：欧洲风景画的千年画卷 本书并非详尽的技术手册，也非对某一特定技法的深入剖析。它旨在带领读者穿越时空的洪流，在欧洲艺术的长河中，一同领略风景画从孕育、发展到成熟的壮丽图景。我们将目光投向那些大师们的画笔，感受他们如何用色彩与线条捕捉自然的瞬息万变，如何将个人的情感与哲思融入画布之中的山川湖海。 早期探索：风景的萌芽与宗教的投影 在欧洲艺术的漫长岁月中，独立的风景画并非一开始就占据着重要的地位。在古希腊罗马时期，虽然壁画中已有对自然元素的描绘，但更多的是作为人物活动的背景，或是象征性的符号。直到中世纪，风景的描绘依然被浓厚的宗教叙事所笼罩。教会的艺术家们将圣经故事置于简化的、程式化的自然环境中，这里的山川、河流、树木，往往承载着神圣的寓意，而非对真实世界的客观再现。例如，一些细密画中的风景，虽然色彩鲜艳，构图严谨，但其形体与质感，更偏向于象征性的表达，而非写实的捕捉。这些早期作品，如同种子一般，孕育着未来风景画的可能，虽然它们尚未独立成章，却为后来的艺术家们提供了最初的灵感与语言。 文艺复兴的觉醒：世界的多样性与人文的关怀 文艺复兴的曙光，带来了对人本身和我们所处世界的重新审视。艺术家们开始从神学的束缚中解放出来，将目光更多地投向现实生活和自然万象。此时，风景画开始逐渐展现出独立的姿态。达·芬奇的《蒙娜丽莎》背景中那迷蒙而神秘的山景，便是风景画独立意识觉醒的早期标志。艺术家们开始运用透视法，试图更科学、更精确地描绘空间关系。同时，人文主义思想的兴盛，使得艺术家们对自然的细致观察和描绘充满了热情。他们开始关注光影的变化，研究不同地貌的特点，甚至将个人在自然中的体验和情感融入画作。北欧的艺术家如丢勒，在旅行写生中，对自然的细节进行了极为细致的刻画，他们的作品中，虽然仍然保留着一些中世纪的痕迹，但写实性的追求已经显露无疑。意大利的艺术家们则在构图上更加强调宏伟与秩序，将古典的理想主义注入对自然的描绘。此时的风景画，虽然仍常作为人物画或宗教画的陪衬，但其本身所具备的艺术价值，已经越来越受到重视。 巴洛克与洛可可：戏剧性的张力与优雅的装饰 进入巴洛克时期，艺术的风格变得更加宏大、戏剧化和情感充沛。风景画也随之进入了一个新的阶段。艺术家们不再满足于平静的描绘，而是追求强烈的视觉冲击力。克劳德·洛兰（Claude Lorrain）和尼古拉·普桑（Nicolas Poussin）等艺术家，创造了理想化的古典风景，他们将神话故事、历史场景置于壮丽而富有戏剧性的自然环境中。这些风景并非对现实的简单复制，而是经过艺术家的精心构思和理想化处理，充满了诗意和哲学思考。光线的运用，特别是夕阳或黎明的柔和光线，成为营造氛围的重要手段。色彩的运用也更加大胆和丰富，以表现自然的壮美和情感的抒发。 而洛可可时期，则将风景画推向了更加精致、优雅和装饰化的方向。画面色彩明亮、轻快，多采用柔和的粉彩和细腻的笔触。风景的描绘趋向于田园诗般的宁静和浪漫，常常描绘花园、公园、以及贵族们休憩的场景。沃托（Watteau）的“嘉年华”场景中，背景的风景虽然不如巴洛克时期那般宏伟，但却充满了精致的细节和梦幻般的色彩，为画面增添了优雅的韵味。这一时期的风景画，更多地承担着一种愉悦和装饰的功能，反映了当时社会对美好生活的向往。 新古典主义与浪漫主义：秩序与激情的碰撞 随着启蒙运动的推进，艺术界再次迎来了风格的变革。新古典主义强调理性、秩序和英雄主义，风景画在这一时期呈现出一种崇高而庄严的面貌。艺术家们从古典艺术中汲取灵感，将自然的壮丽与历史的宏伟相结合。例如，面对巨大的自然景象，艺术家会试图通过构图和光线的处理，来传达一种敬畏和渺小的感觉，从而引发对人类命运的思考。 然而，与新古典主义的理性相对立，浪漫主义艺术思潮席卷了欧洲。浪漫主义者们崇尚情感、个性、想象力和对自然的敬畏。他们不再满足于对自然的理性描绘，而是更加注重表现自然中的神秘、宏伟、甚至恐怖的一面。艺术家们深入到崎岖的山脉、汹涌的海洋、以及狂风暴雨之中，试图捕捉自然的原始力量和自由精神。如德国的卡斯帕·大卫·弗里德里希（Caspar David Friedrich），他的作品中充满了孤独的旅行者面对广袤而神秘的自然景象，营造出一种深邃而忧郁的氛围。英国的透纳（J.M.W. Turner）则以其奔放的笔触和对光与色的精湛运用，描绘了海上风暴、日落霞光等壮丽的自然景观，将情感的表达推向了极致。这一时期，风景画真正成为独立而强大的艺术门类，艺术家们通过对自然的描绘，来抒发内心的激情、探索生命的意义。 现实主义与印象派：捕捉瞬间与还原真实 19世纪中叶，随着工业革命的深入和社会变革的加速，现实主义艺术思潮兴起。艺术家们将目光从理想化的风景转向了日常生活中的普通景物，致力于真实地再现他们的所见所感。他们开始描绘乡村的劳作场景、城市的街景、以及自然景色的细微变化。法国的米勒（Jean-François Millet）以其对农民生活的描绘而闻名，他的作品中，虽然有对艰辛生活的写实，但同样蕴含着对土地和劳动的深厚情感。 而紧随其后的印象派，则将对“真实”的追求推向了一个新的高度。印象派艺术家们对光影的变化和瞬间的视觉感受产生了浓厚的兴趣。他们走出画室，直接面对自然，试图在画布上捕捉光线照射在景物上产生的瞬息万变的色彩和氛围。莫奈（Claude Monet）、雷诺阿（Pierre-Auguste Renoir）、德加（Edgar Degas）等艺术家，以其明亮的色彩、破碎的笔触和对光影的敏感捕捉，彻底改变了人们对绘画的认知。他们不再刻意追求细节的描绘，而是更加注重整体的视觉效果和情感的传递。印象派的出现，标志着风景画进入了一个更加自由和实验性的时代，它为后来的现代艺术发展奠定了重要的基础。 现代主义的探索：形式与观念的革新 进入20世纪，艺术的发展更加多元和激进。现代主义艺术家们在形式、色彩、构图等方面进行了大胆的探索。野兽派艺术家们运用鲜艳、大胆的色彩来表达情感，点彩派则通过科学的色彩理论来构建画面。立体派艺术家们试图从多个角度来描绘同一对象，打破了传统的空间观念。 后印象派的艺术家们，如塞尚（Paul Cézanne），在对自然的描绘中，开始注重其几何结构和内在的秩序。他通过分解形体、重组画面，为绘画语言的发展开辟了新的道路。梵高（Vincent van Gogh）则用充满激情和个人情感的笔触，将对自然的感受注入到色彩和线条之中，他的作品充满了强大的生命力和感染力。高更（Paul Gauguin）则将对异域风情的描绘，与象征主义和装饰性的手法相结合，创造出独特的艺术风格。 这些现代主义的探索，极大地拓展了风景画的表现可能性。艺术家们不再仅仅满足于对自然景象的模仿，而是开始运用抽象、变形、象征等手法，来表达更深层次的观念和情感。风景画逐渐成为艺术家表达内心世界、探索艺术语言本身的载体。 结语：永恒的画布，流动的生命 纵观欧洲风景画的发展史，我们看到的是一部关于观察、感知、表达和创新的史诗。从早期宗教寓言中的背景，到文艺复兴时期对世界的重新发现，再到巴洛克时期的宏伟叙事，浪漫主义的激情四溢，现实主义的真实还原，印象派的光影捕捉，以及现代主义的观念革新，风景画始终紧密地与时代精神、哲学思想和艺术潮流同频共振。 本书所涵盖的，正是欧洲风景画漫长而辉煌的历程。它是一部关于艺术家们如何运用不同的视角、不同的技法、不同的情感，去解读和描绘我们赖以生存的世界的生动写照。每一幅画作，都承载着艺术家对自然的独特理解，都反映了他们所处的时代的面貌。通过了解这些作品，我们不仅能够欣赏到艺术的魅力，更能深刻地体会到，自然的美是永恒的，而艺术家的创作，则是对这份永恒之美的不断追溯与诠释。这并非一本技法指南，而是一场穿越时空的艺术漫游，邀请您与大师们的眼睛一同，去感受欧洲风景画的博大精深。

评分☆☆☆☆☆

对于我这样一个绘画爱好者来说，这本书简直是及时雨。我之前一直苦恼于如何将脑海中的画面转化为真实的笔触，尤其是在处理复杂景物，比如山脉的层次感、森林的深邃感时，常常感到力不从心。这本书的讲解非常系统，从宏观的构图到微观的笔触，都给予了非常细致的指导。我印象最深的是关于“山景表现”的章节，它详细分析了如何通过不同的笔触和色彩来区分山体的前后关系，如何用冷暖色调来表现山体的阴影和受光面，以及如何通过细节的刻画来展现岩石的质感。书中还对比了不同艺术家在表现山景时所采用的不同手法，让我从中汲取了许多灵感。 书中还穿插了许多关于欧洲绘画史的简要介绍，这让我对这些技法产生的历史背景有了更深入的了解。例如，它会提及在哪个时期，哪些艺术家开始关注写实性的风景描绘，或者哪些艺术家开始将情感融入到风景创作中。这种历史的维度，让我在学习技法的同时，也能够更好地理解这些技法的价值和意义。我记得有几页专门讲解了如何处理画面中的“水景”，包括河流、湖泊甚至是海洋，书中分析了不同水体形态下光线的反射和折射，以及如何通过笔触来表现水的动态和质感，这让我对描绘潺潺流水和波光粼粼的水面有了全新的理解。

评分☆☆☆☆☆

这本书的专业性和实用性让我印象深刻。它不仅仅停留在理论层面，而是提供了大量非常具体的绘画方法和技巧。我特别欣赏书中关于“油画颜料的运用”的讲解，它详细介绍了不同颜料的特性、调色技巧以及如何根据不同的表现对象来选择合适的颜料。例如，书中分析了如何用“留白”来表现高光，如何用“厚涂”来表现物体的体积感，以及如何用“罩染”来营造色彩的深度。我记得有几页详细讲解了如何用油画颜料来表现透明的物体，比如玻璃或者水，这让我对油画的表現力有了更深的认识。 书中还提供了许多关于“不同媒介的风景画表现”的比较分析，这让我能够根据自己的喜好和需求，选择最适合自己的绘画方式。例如，它会对比油画、水彩、粉彩等不同媒介在表现风景时的特点和优势，以及它们各自的绘画技巧。我记得其中有几页专门讲解了如何用“水彩”来表现朦胧的山景和轻盈的云朵，以及如何用“粉彩”来表现细腻的肌理和柔和的色彩，这让我对不同绘画媒介的魅力有了更深的体会。

评分☆☆☆☆☆

这本《欧洲风景画表现技法》就像一位经验丰富的导师，循循善诱地引导着我对欧洲风景画的探索。书中对“光影”的讲解尤为细致，它不仅仅是简单地介绍明暗关系，更是深入分析了光线是如何影响物体的色彩、质感以及整体氛围的。我记得其中有几页详细讲解了如何处理“逆光”下的景物，以及如何捕捉“侧光”下物体的体积感。书中通过大量经典作品的案例分析，让我能够直观地理解这些光影技巧是如何在实际创作中应用的。 此外，书中对“色彩理论”的讲解也让我受益匪浅。它不仅仅是介绍了色彩的冷暖、对比，更是深入分析了色彩是如何影响观者的情绪和感受的。例如，书中分析了如何运用饱和度较低的色彩来营造宁静的氛围，又如何运用对比强烈的色彩来突出画面的视觉焦点。我记得有几页专门讲解了如何处理画面中的“绿色”，包括不同季节、不同光照下绿色的变化，以及如何用不同层次的绿色来表现树叶的婆娑和草地的生机，这让我对色彩的运用有了更深的理解。

评分☆☆☆☆☆

我一直觉得，欧洲的风景画之所以经典，就在于它不仅仅是对自然景物的模仿，更是一种精神的寄托和情感的表达。这本《欧洲风景画表现技法》恰恰抓住了这一点。它不仅仅教你如何“画”，更教你如何“看”和“感受”。我尤其欣赏书中对“田园牧歌式风景画”的讲解，它分析了如何通过柔和的光线、宁静的色彩和和谐的构图，来营造出一种理想化的、超脱于现实的宁静氛围。书中对 Claude Lorrain 的作品分析，让我体会到他如何通过精心设计的构图和朦胧的光线，来创造出一种古典而又理想化的田园景象，仿佛能听到远处悠扬的笛声，看到悠闲的牧羊人。 书中对于如何运用“色彩”来烘托气氛的部分，更是我的最爱。它不仅仅讲解了色彩的冷暖、对比，更是深入分析了不同色彩组合所能带来的情感联想。例如，书中分析了如何在表现阴郁天气时，使用低饱和度的冷色调来营造压抑感；又如何在表现阳光明媚的日子里，使用高饱和度的暖色调来烘托生机勃勃的景象。我记得有几页详细讲解了如何使用不同的绿色来表现不同季节、不同光照下的树叶，这让我对色彩的运用有了更深的层次感。

评分☆☆☆☆☆

这本书最让我赞赏的一点是，它并没有将“技法”和“艺术性”割裂开来。它在讲解具体绘画技巧的同时，也非常注重引导读者去体会欧洲风景画中的艺术美感和情感表达。我特别喜欢书中关于“写意式风景画”的讲解，它不追求完全的写实，而是通过简练的笔触和概括的色彩，来捕捉景物的神韵和意境。书中以一些印象派画家的作品为例，分析了他们如何通过捕捉光色瞬间的变化，来表现自然的生命力，以及如何通过主观的感受来创作。我记得有几页详细讲解了如何用大笔触来概括地描绘远处的山峦，以及如何用点彩的方式来表现阳光下的草地，这让我对如何突破写实的束缚，注入更多个人情感有了新的方向。 书中还提供了许多“练习方法”，这些练习方法都非常有针对性，能够帮助读者巩固所学的知识。例如，它会让你练习如何只用单色来描绘不同质感的物体，或者如何只用几种颜色来表现不同的光照效果。这些练习让我能够更专注于基础的训练，从而更好地掌握核心的绘画技巧。我记得其中有几页专门讲解了如何处理画面中的“天空”部分，包括不同时间、不同天气下天空的色彩变化，以及如何用笔触来表现云朵的厚重感和飘逸感，这让我对天空的表现有了更深的体会。

评分☆☆☆☆☆

让我感到惊喜的是，这本书并没有局限于讲解某一个特定的技法，而是覆盖了欧洲风景画发展过程中出现的各种经典表现手法。从巴洛克时期那种戏剧性的光影，到浪漫主义时期那种抒情而又富有情感的表现，再到印象派对光色瞬间的捕捉，书中都进行了详尽的阐述。我特别欣赏书中关于如何表现“天气”的章节，它不只是简单地告诉你画云彩，而是深入分析了不同天气下光线的变化、色彩的饱和度以及空气的湿度对画面整体氛围的影响。例如，书中通过对 Constable 的作品分析，详细讲解了如何捕捉风吹过麦浪的动态感，以及如何描绘雨后初霁时那种清新湿润的空气。 书中还提供了大量不同风格的范例，这些范例不仅是技法的展示，更是美学的熏陶。我常常在翻阅这些画作时，仿佛置身于那些欧洲的田园风光之中，感受着古老村庄的宁静、山峦的壮丽、河流的蜿蜒。书中的讲解并非枯燥的理论说教，而是结合了大量的实例分析，让我能够直观地理解每一个技法是如何在作品中实现的。我记得其中有几页专门讲解了如何用油画颜料来表现金属质感，比如铜器或者金色的雕塑，让我对如何处理画面中的高光和反光有了更深的理解。

评分☆☆☆☆☆

这本书的深度和广度着实令我称赞。它不仅仅是一本教你绘画技巧的书，更像是一次穿越欧洲艺术史的旅行。书中不仅仅停留在技法层面，更是深入探讨了不同时期、不同地域的艺术家们是如何看待和描绘风景的，以及这些风景画背后所蕴含的文化和哲学思考。我特别喜欢书中关于“浪漫主义风景画”的章节，它阐释了如何将个人的情感和对自然的敬畏融入到画面之中，如何通过宏大的自然景观来唤起观者内心的共鸣。书中对 J.M.W. Turner 的作品分析，让我深刻体会到他如何运用奔放的笔触和极富表现力的色彩来捕捉大自然的狂野与壮美，以及他如何将光线处理得如此具有神性。 我还记得书中对“风景画中的叙事性”的探讨，这让我对风景画有了新的认识。原来，风景画不仅仅是景物的写实，还可以通过构图、色彩、光影来讲述故事，表达情感。书中以一些19世纪的法国风景画为例，分析了艺术家们是如何通过巧妙的构图和细节的描绘，来暗示人物的活动，或者营造出一种宁静的生活气息。我记得有一幅关于农村集市的画作，虽然画面中人物并不多，但通过对人群的动态、建筑的细节以及市场陈设的描绘，仿佛能听到喧闹的声音，闻到食物的香味，这种沉浸式的体验，让我惊叹于艺术家们在细节中注入生命力的能力。

评分☆☆☆☆☆

这本《欧洲风景画表现技法》简直就是一本艺术宝藏。我之前一直觉得自己在画风景画时，画面总显得“平”，缺乏立体感和纵深感。这本书的讲解，让我豁然开朗。它系统地讲解了如何运用“透视”原理来构建画面空间，如何通过“光影”的对比来塑造物体的体积感，以及如何通过“色彩”的冷暖和明度来营造画面的层次感。我印象最深的是关于“空间表现”的章节，它详细分析了如何通过改变物体的轮廓、细节的清晰度以及色彩的饱和度来表现远近关系，以及如何运用“景深”的技巧来引导观者的视线。 书中还提供了许多关于“构图”的实用建议，这对我来说尤为重要。我常常在画画时，不知道如何安排画面中的元素，导致画面显得杂乱无章。这本书通过分析大量经典欧洲风景画的构图方式，让我学会了如何运用“三分法”、“黄金分割”等构图原则，以及如何通过引导线、对比等手法来增强画面的视觉冲击力。我记得其中有几页专门讲解了如何处理画面中的“前景、中景、远景”，以及如何通过这些景别的安排来营造画面的层次感和纵深感，这让我对如何规划画面有了更清晰的思路。

评分☆☆☆☆☆

这本书的结构安排非常合理，它并没有一开始就抛出复杂的技法，而是循序渐进地引领读者进入欧洲风景画的世界。从最初的构图原则，到色彩的运用，再到细节的表现，每一个环节都讲解得鞭辟入里。我特别喜欢其中关于“空气透视”的章节，它解释了为什么远处的景物会显得模糊、偏蓝，以及如何通过微妙的色彩和明度变化来营造出深远的空间感。书中列举了许多十七世纪和十八世纪的意大利风景画大师，如克劳德·洛兰和尼古拉·普桑的作品，并详细分析了他们如何运用这种空气透视技巧来创造出宏大而又宁静的田园牧歌。我记得有几幅图例，通过对比处理前后的画面，清晰地展现了空气透视对画面纵深感的巨大影响，这让我对如何表现远山、云层以及天空产生了全新的认识。 此外，书中对“笔触”的探讨也让我受益匪浅。欧洲古典风景画的笔触，不像某些现代画派那样张扬，而是更加注重对物象的刻画和情感的抒发。书中通过对不同画家笔触风格的模仿练习，让我体会到轻重缓急、虚实结合的微妙之处。我尤其对书中分析鲁本斯那种奔放而又充满力量感的笔触，以及莫奈那种细腻而又富有光感的笔触如何塑造不同质感的景物，印象深刻。通过模仿这些大师的笔触，我开始尝试着用不同的方式去描绘树叶的婆娑、水的潺潺流淌，以及石块的粗糙感，感觉自己对画面的表现力有了质的飞跃。

评分☆☆☆☆☆

这本《欧洲风景画表现技法》真是我近期最惊喜的阅读体验之一。我一直对油画风景有着莫名的向往，总觉得那些大师笔下的山川湖海、田园村落，似乎蕴含着一种超越时空的魔力。然而，当我真正拿起画笔，却发现自己连最基本的透视、色彩关系都把握不好，画面总是显得生硬而缺乏生命力。翻阅了市面上不少相关书籍，大多要么过于理论化，要么过于泛泛而谈，真正能够深入解析欧洲古典风景画独特表现技法的，却少之又少。直到我偶然发现了这本《欧洲风景画表现技法》。 我尤其欣赏书中对于“光影”处理的细致讲解。欧洲古典风景画中的光影，绝不仅仅是简单的明暗对比，它承载着情感、氛围，甚至叙事。书中通过对不同时期、不同画家作品的剖析，如荷兰黄金时代的伦勃朗和卡尔·范·德·卡普尔，以及英国风景画派的透纳和康斯太勃尔，深入浅出地展示了他们是如何运用光线来塑造空间、突出主体、营造意境的。我记得有几页详细讲解了如何处理日出、日落时分那种柔和而又富有变化的色彩，以及阴雨天气下那种深邃而又宁静的氛围。书中给出的具体颜料搭配建议和笔触示范，让我这个初学者也能够有章可循，仿佛瞬间打通了任督二脉。我迫不及待地想要尝试书中介绍的“湿画法”在表现水面反光上的技巧，以及如何利用“干画法”来刻画岩石和树皮的肌理，相信这些方法能让我的风景画作品在质感上得到显著提升。