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黄宾虹，文明国 著

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店铺： 英典图书专营店

出版社： 安徽文艺出版社

ISBN：9787539645957

商品编码：1221675052

包装：平装

出版时间：2013-09-01

基本信息

书名:黄宾虹自述

原价：30.00元

作者：黄宾虹,文明国

出版社：安徽文艺出版社

出版日期：2013-09-01

ISBN：9787539645957

字数：230000

页码：234

版次：1

装帧：平装

开本：16开

商品重量：0.422kg

编辑推荐

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内容提要

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目录

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第一辑 宾虹画语
自述
美术周刊弁言
古画出洋
论中国艺术之将来
精神重于物质说
说艺术
说蝶
宾虹画语
六法感言
总论
气韵生动
骨法用笔
应物象形
……
第二辑 画学讲义
第三辑 古画微
第四辑 宾虹书简

作者介绍

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文摘

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序言

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《中国山水画史论：从唐宋到近现代的演变与革新》 本书旨在系统梳理中国山水画自唐代肇始，历经宋元明清，直至近现代变革的宏大历史脉络。全书以时间为轴，以地域与流派为经，深入剖析了不同历史时期，山水画在审美旨趣、笔墨技法、哲学思想及社会功能上的演进与嬗变。 第一编：山水画的勃兴与确立（唐宋） 第一章：唐代的奠基与初步分野 唐代是中国山水画艺术史上一个关键的转折点。本章详细探讨了李思训、李昭道父子的“金碧山水”如何确立了青绿山水的恢弘气象与装饰美学，这是早期山水画对宏大叙事和理想境界的追求。同时，重点分析了王维的“诗中有画，画中有诗”理论，及其在水墨淡墨运用上的革命性探索。王维摒弃了程式化的色彩堆砌，转而追求“禅境”与“意境”，将主观的情感与自然观察深度融合，为后世文人画奠定了精神基调。 此外，本章还考察了李成、荆浩、关仝等早期北方山水画家的贡献。荆浩的《匡庐记胜图》展现了北方山势的雄伟与磅礴，强调了笔墨在塑造山体结构和气势上的力量感，标志着独立的山水画科的初步成熟。 第二章：宋代的规范化与院体的高峰 宋代，尤其北宋，是中国山水画的黄金时代。它确立了山水画在“格法”上的标准与高峰。 2.1 北宋的“巨碑式”山水：分析了李成的“晴山远树”与“寒林平远”的构图法则。重点剖析了范宽《溪山行旅图》中那种“近景压迫，远景开阔”的纪念碑式结构，以及其对“全景式”构图的极致运用。范宽笔下的山体，厚重雄浑，如同大地本身的力量的具象化。 2.2 院体画的精微与理学影响：研究了郭熙在《林泉高致》中提出的“高远、深远、平远”三远法，这不仅是技法上的总结，更是对空间哲学思考的视觉化表达。院体画在细节处理上的极致精微，以及对光影、气候变化的敏感捕捉，体现了宋代对客观世界的理性审视。 2.3 文人画的萌芽与对“格物”的反思：苏轼提出的“论画以形似，见与儿童邻”，是对院体画过度写实的批判，标志着文人画精神的觉醒。虽然此时文人画尚未完全脱离院体影响，但其重“意”轻“形”的倾向已为南宋的转变埋下伏笔。 第三编：元代的精神回归与笔墨的本体化 第三章：元四家的精神世界 元代，由于蒙古族的统治，汉族士大夫阶层将艺术创作转为内在的精神寄托。“士人画”成为主流，笔墨不再仅仅是描绘景物的工具，而是画家个体修养、学识与情感的直接流露。 3.1 继承与创造的张力：重点分析了赵孟頫对唐代青绿山水的复古倾向，以及他“用笔在中锋”的强调，意在恢复古雅的文人笔意。 3.2 元四家的风格独树：详细剖析了黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙四家各自的艺术道路。黄公望对“皴法”的熔铸，使其作品充满浑厚的气韵。倪瓒的“折带皴”与极简构图，表达了对世俗的疏离与“萧索”之美。吴镇的“墨戏”与对古拙的执着，体现了强烈的个性和内在的郁勃。王蒙则集诸家之长，将笔墨的复杂性和层次感推向极致，构建了繁复而又深邃的“万点苔点”的内心世界。本章强调，元代山水画的本质，是“笔墨即是胸中丘壑”。 第三编：明代的复古与地域流派的纷呈 第四章：明初的学院派继承与文人画的争鸣 明初，以“院体”为代表的官方艺术，继承了宋代的严谨与富丽，但缺乏创新。 4.1 “浙派”的粗犷与雄强：以戴进、吴伟为代表的浙派，继承了南宋李唐、刘松年的健劲笔法，强调气势的磅礴，但其对程式的依赖也暴露了僵化的倾向。 4.2 “吴门画派”的典雅与文人趣味：沈周、文徵明等吴门画家的崛起，标志着文人画在主流地位上的回归。沈周的平淡天真，以及文徵明对元四家笔法的融会贯通，使山水画重新回到“写意”与“抒情”的轨道上来。 第五章：晚明画坛的变革与思辨 晚明时期，随着市民阶层的兴起和思想的解放，山水画创作呈现出强烈的反传统和个性解放的趋势。 5.1 董其昌的“南北宗”论与文人画的理论化：董其昌提出的“南北宗”论，将中国山水画史分为以唐代李思训为代表的“北宗”（侧重形迹、设色）和以王维为代表的“南宗”（侧重笔墨、意境）。这一理论虽然带有主观的褒贬色彩，但却成功地将文人画确立为中国山水画的主流正统，并系统化了文人画的审美标准。 5.2 松江派与个性解放：以董其昌本人、陈继儒为代表的松江派，强调对笔墨语言的纯化、简化和“写胸中之逸气”。他们的作品多用淡墨、干笔，追求“平淡”与“书卷气”，是对元代遗风的继承与发展，也为清初的“四王”奠定了理论基础。 第四编：清代的规范、摹古与“四僧”的异军 第六章：清初“四王”的集大成与程式化 清初，山水画在官方和士大夫阶层中，盛行“临古摹古”之风。“四王”（王时敏、王鉴、王翚、王原祁）通过对元明诸家笔法的系统整理与融合，力图构建一个包罗万象的“集大成”体系。 王原祁尤其重视“笔墨的规律”，强调以“元气”为基础，将皴法、点苔视为固定可循的理法。他们的作品，虽然技艺精湛，笔墨醇厚，但也常常被批评为“摹古”过度，缺乏个体生命力的喷薄。 第七章：清初“四僧”的异端与象征主义 与“四王”的温和复古相对，以弘仁、髡残、八大山人、石涛为代表的“四僧”，代表了对既有范式的激烈反叛。 7.1 笔墨的解构与重塑：八大山人以极简的造型和强烈的象征符号（如翻白眼），表达对明亡清兴的深沉悲愤。弘仁的“僧性”与“几何化”的山石结构，体现了一种冷峻的超然。 7.2 石涛的“我写我法”：石涛的艺术观最具革命性，他提出了“搜尽奇峰打草稿”和“笔墨当随时代”的口号。他打破了前人皴法的界限，将墨法与笔法推向高度的自由与变化，强调主体情感的直接投射。他的变革，是对文人画僵化倾向的强力冲击，为近代山水画的创新提供了先声。 第五编：近现代的转型与中西交融 第八章：近代士人的坚守与“岭南画派”的开新 晚清至民国时期，面临西风东渐的巨大挑战，山水画的道路充满了探索与挣扎。 8.1 虚弱中的回光返照：以晚清“四僧后人”为代表的画家，仍在努力维持着传统笔墨的精微，但整体气象已显颓势。 8.2 岭南画派的革新：以高剑父、陈树人、岭南画派为代表，积极引入西方写实光影和透视法，尝试将水墨与西洋油彩的色彩概念融合，创造出“折衷主义”的山水新貌，力图使中国画在现代世界中获得新的生命力。 第八章：现代山水画的探索与未来 本书最后梳理了近现代山水画家如张大千、傅抱石等对传统的继承与创新路径。张大千的“泼墨泼彩”，是传统水墨技法在抽象表现主义影响下的极致发展。傅抱石的“抱石皴”，则在传统笔墨基础上，融入了对光线、水汽的现代感悟，使得山水画在保持民族性的同时，完成了向现代视觉语言的转型。 结语： 中国山水画的历史，是一部关于“观看世界的方式”的历史，一部关于“笔墨作为精神载体”的历史。本书通过对历代高峰和转折点的细致考察，展现了这一艺术门类如何在不同的历史语境下，不断地自我批判、自我革新，最终形成了其独有的哲学深度与审美高度。

评分☆☆☆☆☆

说实话，最初翻开《黄宾虹自述》，我并没有抱有多高的期待，以为不过是枯燥的艺术理论堆砌。然而，当我沉浸其中后，才发现自己大错特错。这本书给我带来的惊喜，在于它展现了一个鲜活的、充满生命力的艺术家形象。黄宾虹先生并非高高在上、不食人间烟火的神坛人物，而是一个对生活充满热爱，对艺术孜孜不倦追求的普通人。他谈论起创作时的艰辛，谈论起对大自然的敬畏，谈论起对过往经验的总结，无不充满了真挚的情感和深刻的洞察。那些关于他早年经历的片段，关于他如何从模仿走向创新，关于他在不同人生阶段的心境变化，都让我感受到了一个艺术家成长的必然轨迹，以及其中所蕴含的非凡毅力。我特别喜欢他描述自己如何观察山川，如何将自然的形态转化为笔墨的转换过程，那种细腻的观察和提炼能力，令人叹为观止。他并非空谈理论，而是用自己的亲身经历和感悟，向读者展示了一条通往艺术高峰的艰辛而又充满魅力的道路。这本书让我意识到，伟大的艺术背后，往往是普通人日复一日的坚持和对生命的热忱。

评分☆☆☆☆☆

《黄宾虹自述》给我最大的触动，在于它所传递出的那种深邃的哲学思考。黄宾虹先生不仅仅是一位画家，更是一位深刻的思想者。他在书中探讨的，早已超越了单纯的笔墨技法，触及了中国传统文化的核心精神。他所追求的“浑厚华滋”，不仅仅是色彩和墨色的运用，更是一种生命的厚度，一种精神的沉淀。他将山水画上升到“天人合一”的高度，强调艺术与自然的和谐统一，与宇宙精神的契合。这种对整体性的追求，对内在精神的探索，在今天看来，更是具有振聋发聩的意义。我尤其欣赏他对于“悟”的强调，认为绘画不仅仅是技巧的掌握，更是心灵的感悟和境界的提升。他将自己的生命历程融入到艺术创作中，让他的画作充满了人生的智慧和历史的厚重感。读这本书，我仿佛在与一位智者对话，他引导我去思考生命的意义，去体会人与自然、人与社会之间微妙而深刻的联系。这本书不只是一本艺术读物，更是一本关于人生智慧的启迪之书，它让我从更宏观的视角去理解艺术，去理解生命。

评分☆☆☆☆☆

《黄宾虹自述》带给我的，是一种沉静而又充满力量的思考。在阅读的过程中，我仿佛进入了一个由黑白水墨构建的精神世界。黄宾虹先生的文字，没有激烈的言辞，没有炫技的夸张，却处处流露出一种返璞归真的力量。他对于笔墨的阐述，不仅仅是对技巧的分解，更是对中国传统文化精神的提炼。他所追求的“浑厚”、“苍润”，在我看来，是一种对生命本质的探索，是一种对自然规律的深刻体悟。他将山水视为生命，将笔墨视为语言，用最纯粹的方式表达着他对宇宙万物的理解。这本书让我明白，真正的艺术，不仅仅是外在的形似，更是内在的神韵，是艺术家心灵的映射。他对于“破墨”等技法的阐述，更是让我看到了他在笔墨世界里的无限创造力。总而言之，这本书让我对中国画有了更深层次的认识，也对艺术家如何将个人生命体验融入艺术创作有了更深刻的理解，它引导我去感受那种“外师造化，中得心源”的艺术境界。

评分☆☆☆☆☆

这本《黄宾虹自述》给我带来的，与其说是一次阅读体验，不如说是一场穿越时空的对话。我几乎能感受到黄宾虹先生在动笔写下这些文字时的心境，那些关于笔墨的沉思，对山川的体悟，对人生哲理的探寻，如同细密的雨丝，一点点渗透进我的意识。书中所描绘的，不仅仅是画家的创作生涯，更是他对中国传统文化根脉的深刻理解和传承。读着读着，我仿佛置身于他笔下的墨山浓水中，感受着那种“黑密浓”的独特韵味，体会着“五笔”的奥妙，更惊叹于他将自然万象提炼成笔墨精神的功力。他对每一种皴法的运用，对墨色深浅浓淡的极致追求，都仿佛在我眼前生动地展开。更让我着迷的是，他并非仅仅在讲述绘画技巧，而是将艺术的思考与人生哲学融为一体，字里行间流露出一种超然物外、返璞归真的生命智慧。这种智慧，在如今这个浮躁的时代显得尤为珍贵，它引导我去重新审视生活，去发现平凡事物中的不凡之美，去体味那种“外师造化，中得心源”的境界。这本书让我认识到，真正的艺术，不仅是技巧的展现，更是心灵的修行，是与自然、与自我对话的过程。

评分☆☆☆☆☆

读完《黄宾虹自述》，我感受到一种洗涤心灵的力量。黄宾虹先生的文字，没有华丽的辞藻，没有刻意的雕琢，却充满了真诚和力量。他以一种近乎自省的口吻，回顾了自己的艺术人生，那些关于学习、关于实践、关于感悟的片段，都显得格外真切。我仿佛能看到他站在写生之地，沐浴着山间的清风，感受着阳光的温度，将这一切融入到他的笔墨之中。他对“道”的追求，对“意”的强调，让我深刻体会到中国画的独特魅力。他所说的“笔中有意，意中有笔”，不仅仅是创作的原则，更是他对艺术与生命关系的深刻理解。他并不回避自己曾经的困惑和不足，反而将这些成长过程中的点滴，转化为宝贵的经验，用以指导后人。这种坦诚的态度，让我觉得非常亲切，也更加敬佩。这本书让我明白，艺术的道路并非一帆风顺，而是充满了探索和求索，而真正的艺术，源于对生活的热爱，对自然的敬畏，以及对内在精神的不断挖掘。