具体描述
内容简介
《工笔花卉小品重彩画法/中国画名家画法解读》是讲解工笔重彩花卉画法的技法书，首先讲解了绘画材料和工具，然后讲解了如何制作胶水，如何调制蛤粉、石青、朱砂，以及如何绷绢。接着以步骤的形式展示了牡丹、荷花、蜀葵、芙蓉、牵牛等多种花卉的画法。最后有数幅作品作为创作的参考。《工笔花卉小品重彩画法/中国画名家画法解读》讲解细致，画风富贵典雅，是画家多年绘画经验的总结。
作者简介
蔡明东，字楚菲，湖北武汉人，宁晋工笔画艺术学校毕业。进修于现代工笔画院第四届高研班，李可染画院首届高研班，第十五届蒋采蘋重彩画高研班。中国工笔画学会会员。作品《秋风》入选中国美术家协会主办的“全国第四届中国画线描艺术展”，作品《失去的青春》入选中国美术家协会主办的“塞上明珠美丽宁夏”第八届中国西部大地情中国画、油画作品展，作品《不朽乾坤》入选中国美术家协会主办的“精致立场·全国第二届现代工笔画大展”，作品《四贤图》入选中国美术家协会主办的“金陵文脉——2014年全国中国画作品展”，作品《吉祥三宝》入选中国美术家协会主办的“第八届民族百花奖全国中国画作品展”，作品《失去的青春之二》入选中国美术家协会主办的“纪念扬州2500周年城庆——丹青扬州全国中国画作品展”，作品《待春风》入选中国美术家协会主办的“丹青扬州”第三届全国中国工笔重彩画作品展。
内页插图
用户评价
这本书在“细节”的处理上，简直是极致的追求。我之前画工笔花卉，总是在“大体”上还过得去，但一到细节处，就显得比较粗糙，缺乏精致感。这本书里的范例，每一个细节都处理得非常到位，让人叹为观止。比如，画花瓣上的纹理，不是简单的几条线，而是通过精细的勾勒和渲染，让纹理显得自然而富有层次。还有花蕊的细节，那些细小的花粉，甚至花蕊的绒毛，都表现得极其逼真。我注意到，书中在讲解如何表现花瓣的透明感时，用了非常精妙的渲染技巧，让花瓣边缘呈现出一种半透明的效果，仿佛能看到光线透过花瓣。还有书里对露珠的表现，那晶莹剔透的露珠，不仅有清晰的轮廓，还有精确的光泽和倒影，让人觉得仿佛伸手就能触碰到。我之前一直觉得，在工笔花卉中，太过精细的细节会显得匠气，但这本书让我看到了，当细节处理得足够精妙时，它反而能让画面更具生命力和感染力。书中的范例，比如一幅写实的芍药，那层层叠叠的花瓣，每一片都处理得极其细腻，甚至连花瓣上的细微绒毛都清晰可见，但整体画面却一点也不显得呆板，反而充满了生命的气息。这本书让我认识到，细节是构成艺术作品的基石，只有将每一个细节都打磨到极致，才能最终呈现出令人惊艳的作品。我现在画花的时候，会更加注重对细节的刻画，我会花更多的时间去观察和研究，如何才能将这些细节处理得更加到位，更加逼真，同时又不失艺术的灵动。
评分我对这本书中关于“取材”的讲解，非常感兴趣。它不仅仅是在教我们如何画花，更是在引导我们如何去观察自然，如何从生活中汲取创作的灵感。书中的范例，涵盖了各种各样的花卉，从常见的牡丹、梅花，到一些比较小众的草本花卉，每一个细节都处理得非常到位。我注意到，书中在介绍每一种花卉的时候，不仅仅是展示了它的形态，还对其生长习性、花期特点等进行了简要介绍，这让我觉得，画家在创作之前，一定对所画的对象有着深刻的了解。这种“知己知彼”的态度，我觉得非常重要。书中的许多作品，都展现了画家对花卉细致入微的观察，比如叶片上的虫咬痕迹，或者花瓣上的细小褶皱，这些看似不起眼的地方，反而让画面更加真实，更富有生命力。我之前画花的时候，总是把它们画得“太完美”了，反而失去了那种自然的美感。这本书让我明白，不完美也是一种美，一种生机勃勃的美。我特别喜欢书中关于如何表现不同季节的花卉的讲解。比如，春天的花朵，色彩明快，充满生机；而秋天的花朵，则可能带着一丝成熟的韵味，色彩也更为丰富。这种对季节变化的捕捉，让画面更具叙事性。书中的例子，比如一幅写意的菊花，那姿态万千的菊花，仿佛在秋风中摇曳，带着一种高洁孤傲的气质。这本书让我开始重新审视我身边的自然，发现原来生活中处处都有艺术的灵感，只要我们用心去观察，去感受。
评分这本书在“构图”上的讲解，给了我非常大的启发。我之前画工笔花卉，总是在构图上比较拘谨，总是想着把画面填满，让它看起来饱满。但这本书却让我看到了构图的更多可能性，它不再是简单的“填鸭式”的构图，而是充满了“留白”和“意趣”。书中展示了许多构图的范例，有的构图非常简洁，只画一两朵花，但通过巧妙的留白和线条的运用，却能营造出一种意境深远的感觉。还有的构图则更加饱满，但却通过色彩和笔触的疏密对比，让画面显得错落有致，富有节奏感。我特别注意到书中关于“黄金分割”和“视觉中心”的运用讲解。画家如何通过巧妙的构图，将观者的视线引向画面的焦点，同时又让画面整体和谐统一。书中的范例，比如一幅写意的山茶花，那几片舒展的山茶花叶，以及几朵含苞待放的山茶花，通过简洁的构图，展现了一种清新脱俗的美感。还有书里对“聚散”的处理，有的地方疏朗，有的地方紧密，形成了一种自然的节奏。我之前一直觉得构图就是把东西摆好看，但这本书让我明白，构图更是画面的“灵魂”，它决定了画面的整体气质和意境。我现在画花的时候，会更加注重构图的经营，我会尝试着运用不同的构图方式，来表达我想要传达的意境和情感，而不是仅仅把花画得好看。
评分我被这本书在“情感表达”上的处理方式深深吸引。我之前总觉得工笔花卉是一种比较冷静、客观的绘画形式，但这本书却让我看到了，工笔花卉同样可以承载丰富的情感。书中展示的作品，无论是描绘盛开的牡丹，还是凋零的残荷，都充满了情感的张力。画家不仅仅是在画花，更是在通过花来抒发自己的情感，寄托自己的情怀。比如，书中有一幅描绘雨中桃花的作品，那雨丝的飘渺，花瓣的湿润，以及花朵在风雨中摇曳的姿态，都让人感受到一种淡淡的忧伤和怜惜。而另一幅描绘旭日初升时，含苞待放的荷花的画面，则充满了希望和生机。我注意到，书中在讲解如何表现花卉的“情绪”时，不仅仅是通过色彩和线条，更是通过构图和意境的营造。比如，将花卉置于特定的环境中，或者通过一些陪衬的景物，来烘托花卉的情感。书中的范例，比如一幅写意的梅花，那傲骨铮铮的梅花，在风雪中怒放，展现了一种坚韧不拔的精神。而另一幅描绘月光下桂花的画面，则充满了宁静和芬芳。这本书让我意识到，艺术不仅仅是技巧的展示，更是情感的交流。画家通过自己的作品，与观者进行心灵的对话，分享自己的感受。我现在画花的时候，会更加关注自己内心的感受，我会尝试着将这份感受融入到我的作品中，让我的画不仅有形，更有“魂”。
评分这本书的光影处理真是绝了！我一直对工笔花卉中如何表现叶片的层次感和花瓣的通透感感到头疼，这本书里的范例简直就像是把真实的花卉搬到了纸上。你看这朵牡丹，花瓣的边缘在光线下呈现出半透明的质感，颜色由深红过渡到浅粉，再到几乎透明的边缘，那种细腻的光影变化，不是简单地用墨去勾勒，而是通过层层渲染，一点点堆叠出来的。我尝试着去模仿，特别是花瓣的脉络，书中讲解得很细致，不是那种生硬的线条，而是顺着花瓣的走向，用极细的笔触，带着淡淡的色彩，像是叶片本身散发出的光芒。还有那片绿叶，边缘的锯齿在阳光下显得格外清晰，而叶脉的凹陷处则呈现出深邃的绿色，与叶片表面的亮光形成鲜明的对比。作者用了非常巧妙的墨色晕染来表现这种明暗关系，有时候甚至是用淡墨或者清水来“洗”出高光，真是太神奇了。我之前总觉得工笔画容易显得平，没有立体感，这本书彻底打消了我的疑虑。通过对不同花卉的光影表现，我可以清晰地看到，即使是同样的色彩，在不同的光照角度下，也会呈现出截然不同的视觉效果。书里举的例子，比如写实的荷叶，荷叶上的露珠，那露珠的光泽，还有水滴落在荷叶上形成的纹理，每一个细节都处理得极其到位，让我觉得像是透过书页看到了真实的植物。我之前总以为工笔画的色彩就是平涂，没想到原来还可以通过这样精妙的光影处理，让画面瞬间活起来，充满生命力。这本书让我对“重彩”有了全新的认识，原来重彩不仅仅是色彩的堆砌，更是对光影、对体积、对质感的深刻理解和表现。我特别喜欢其中关于玫瑰的画法，花瓣层层叠叠，光影交错，每一瓣都仿佛在呼吸，那种饱满又娇嫩的感觉，真是让我心动不已。我迫不及待地想把学到的这些光影技巧运用到我自己的创作中去，相信我的工笔花卉一定会有质的飞跃。
评分这本书在笔法上的讲解，让我受益匪浅。我之前学习工笔画，总是被各种“勾、皴、擦、染”这些名词搞得晕头转向，但这本书却用非常清晰易懂的方式，将这些技法一一拆解，并且与实际的绘画过程紧密结合。特别是对于“勾线”这一基本功，书中不仅讲解了勾线时笔触的起承转合，还强调了不同线条所能传达的不同情感。比如，画花瓣的边缘，用粗细变化、刚柔并济的线条，能让花瓣显得更加饱满有质感；而画花蕊的细丝，则需要用极细、极实的线条，来表现其精致和生命力。我特别喜欢书中对“飞白”的运用讲解，之前我总觉得飞白是水墨画的专属，但这本书却展示了如何在工笔花卉中巧妙地运用飞白，来表现花瓣的轻盈或者枝干的苍劲，这种“留白”的艺术，让画面显得更加灵动。书中的范例，比如一幅写意的桃花，那枝干的用笔，既有力量又不失婉约，寥寥几笔，就将桃花的生命力表现得淋漓尽致。我之前总觉得工笔画的笔触容易显得僵硬，而这本书让我看到了笔触的无限可能性。通过对不同笔法的组合运用，艺术家可以表现出物象的各种质感，比如丝绸的光滑，或者树皮的粗糙。我甚至还看到了书中关于如何用笔来表现露珠的反光，那种细微的光泽，竟然可以通过笔触的变化来体现。这本书让我意识到，笔法不仅仅是技巧，更是艺术家情感的载体。每一笔下去，都蕴含着画家的思考和情感，也决定了画面的最终呈现效果。我现在练习勾线的时候，不再是机械地重复，而是会去思考这一笔下去，想要表达什么，想要赋予它什么样的生命力。
评分我最欣赏这本书的，莫过于它对中国画名家们绘制工笔花卉的深入解读。这不仅仅是一本技法教程，更是一本关于艺术鉴赏和传承的宝典。书中选取了几位在工笔花卉领域造诣极深的艺术家的作品进行剖析，我之前就对其中的几位大师的作品非常着迷，但总觉得隔着一层神秘的面纱，无法窥探其精妙之处。这本书就像一把钥匙，为我打开了这扇大门。作者并非简单地罗列技法，而是从构图、用笔、用色、意境等多个维度，层层剥茧，将大师们的创作思路和独门绝技娓娓道来。比如，在解读某位画家绘制的梅花时，书中不仅分析了梅花枝干的遒劲有力，更重点阐述了作者是如何通过墨色的浓淡干湿来表现梅骨的苍劲，以及如何用极细的笔触勾勒出花瓣的纤弱娇嫩。我还注意到，书中特别提到了如何通过调整笔触的方向和力度，来表现花瓣的不同质感，有的光滑如丝，有的则带着绒毛。最让我震撼的是，书中分析了某位画家处理水墨晕染的技巧，那种自然而又恰到好处的墨色变化，让花朵仿佛沐浴在晨露之中，生机盎然。我之前一直对水墨的晕染感到困惑，总觉得掌握不好那个度，容易显得脏乱，而这本书里的讲解，让我豁然开朗。它不仅仅是告诉你“怎么做”，更是告诉你“为什么这么做”，以及这种做法背后蕴含的艺术思想。通过对这些大师作品的品读，我不仅学到了具体的绘画技巧，更重要的是，我开始理解了工笔花卉的灵魂所在，那种形神兼备、韵味无穷的境界。这本书让我感觉，我不再是孤军奋战地摸索，而是有幸与中国画的各位巨匠进行一场跨越时空的对话，他们的智慧和经验，都化作了滋养我的甘露。
评分这本书的色彩运用简直是教科书级别的！我之前在画花卉的时候，总是陷入颜色搭配的怪圈，不是太浓艳俗气，就是太寡淡无味。但这本书里的色彩示范，给我带来了全新的启发。作者在色彩的搭配上，既有传统工笔画的雅致，又融入了现代审美，使得画面既有厚重感，又不失清新。特别是对一些不常见的花卉色彩表现，比如深紫色的鸢尾，或者带有渐变色的虞美人，书中都给出了非常详细的调色和渲染步骤。我特别留意了书中关于如何运用“墨分五色”来辅助色彩表现的讲解。比如，在画一片绿叶时，不仅仅是用绿色平涂，而是会在叶片边缘或者凹陷处，巧妙地运用不同浓淡的墨色来勾勒和渲染，这样一来，色彩的层次感和立体感瞬间就提升了。还有书里对花瓣的渐变色处理，比如从花心到花瓣边缘，色彩由深变浅，或者由一种颜色微妙地过渡到另一种颜色，那种变化自然而舒缓，不会让人觉得突兀。我之前一直认为重彩画法就是要用浓烈、饱和的颜色，但这本书颠覆了我的认知。它告诉我们，重彩也可以是含蓄的，也可以是精致的，关键在于色彩的和谐搭配和恰当的运用。书中的例子，比如几朵淡雅的兰花，虽然色彩不浓烈，但却因为色彩的微妙变化和墨色的点缀，显得格外有韵味。我特别喜欢书中关于如何表现花蕊的色彩，那种明度和纯度的精准把握，让花蕊成为了画面的点睛之笔，既吸引眼球，又不过分张扬。这本书让我明白，色彩不仅仅是颜料的堆砌，更是情感的表达，是艺术家内心世界的流露。我现在画花卉的时候，不再只关注形状，而是开始思考色彩如何更好地传达花卉的情感和生命力。
评分这本书在“写意”与“写实”的结合上，给我带来了很大的启发。我之前一直以为工笔画就是绝对的写实，而写意则是水墨画的专利。但这本书却打破了我的这种刻板印象。书中展示了许多作品，既有工笔画的细腻严谨，又融入了写意画的灵动和意趣。比如，在画一株梅花的时候，枝干可能采用了写意的笔法，显得遒劲有力，而花朵则用工笔的技法仔细描绘，显得娇嫩欲滴。这种虚实结合的处理方式，让画面既有力量感，又不失柔美，非常耐人寻味。我特别喜欢书中对“留白”的运用，那恰到好处的留白，不仅让画面有了呼吸的空间，更增添了画面的意境。有的时候，画家可能只画一两朵花，但通过周围的留白和几笔写意的枝叶，就能勾勒出一个生机勃勃的场景。书中的范例，比如一幅写意的水仙，那清瘦的姿态，仿佛就在水中摇曳，寥寥几笔，就展现了水仙的脱俗气质。我之前一直觉得工笔画很难有“意境”，但看了这本书之后，我才明白，意境是通过多方面因素共同营造出来的，它不仅仅是靠笔墨，更靠画家的思想和情怀。这本书让我看到了工笔花卉的更多可能性，它不再是拘泥于形式的绘画，而是可以承载更多情感和思想的艺术。我现在画花的时候，不再只想着把花画得像，而是会思考如何通过笔墨，来表达这朵花带给我的感受，以及我想要传达的情感。
评分我必须说，这本书对于理解“意境”的营造，起到了至关重要的作用。我之前画工笔花卉，总是在追求形似，虽然画面看起来也 pretty，但总觉得缺少了那么一股“神韵”。这本书恰恰是从“神韵”入手，让我看到了工笔花卉的更高境界。它不仅仅是教你怎么画花，更是教你怎么“感受”花，怎么把花的情感和生命力注入到画面中。书中在讲解构图的时候，就不仅仅是考虑画面是否饱满，更是考虑如何通过留白、通过线条的走向来营造一种悠远、宁静或者生机勃勃的氛围。我记得其中有一个章节，讲的是如何通过对花枝的姿态的刻画，来表现花卉的性格。有的花枝昂扬向上，充满力量；有的则低垂柔弱，带着一丝忧伤。这种对“姿态”的深入理解，让我意识到，原来花卉不仅仅是植物，更是艺术家笔下的“生命”。书中的范例，比如一幅写意的竹子配上几朵小花，那竹子的疏影和花朵的色彩，形成了一种虚实相生的关系，给画面带来了无限的想象空间。还有书里对于“气韵生动”的阐释，不仅仅是文字上的解释，更是通过对具体作品的分析，让我看到了实际是如何实现的。比如，画家如何通过笔触的轻重缓急，来表现花瓣的颤动，或者叶片的舒展。我之前对“气韵”这个词总是很模糊，总觉得是玄而又玄的概念，但通过这本书的讲解，我终于明白，所谓的“气韵”，就是艺术家通过对物象的观察和理解，用笔墨将其内在的精神气质表现出来。这本书让我开始注重画面的整体感觉，不再拘泥于每一个细节的完美，而是追求一种和谐统一的艺术效果。我现在画花的时候，会先去感受这朵花带给我的感觉，然后尝试着把这种感觉用笔墨表现出来，而不是简单地去复制它的样子。
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