从零开始学油画 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

[美] 马克·威灵布林克玛丽·威灵布林克... 编

图书标签:

• 油画
• 绘画
• 艺术
• 零基础
• 入门
• 技法
• 色彩
• 绘画教程
• 艺术学习
• 绘画技巧

店铺： 博库网旗舰店

出版社： 北京美术摄影

ISBN：9787805019253

商品编码：13388862536

开本：16

出版时间：2017-02-01

基本信息

• 商品名称：从零开始学油画
• 作者：(美)马克·威灵布林克//玛丽·威灵布林克|译者:沈佳楠
• 定价：49
• 出版社：北京美术摄影
• ISBN号：9787805019253

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2017-02-01
• 印刷时间：2017-02-01
• 版次：1
• 印次：1
• 开本：16开
• 包装：平装
• 页数：119
• 字数：75千字

编辑推荐语

马克·威灵布林克、玛丽·威灵布林克著沈佳楠译的《从零开始学油画》是一本真正意义上的零基础绘画指南。它几乎覆盖了绘制油画的所有细节，并从*基础的部分讲起，让所有人都能看得懂、画得出。马克和玛丽的“从零开始”系列本就是为初学者量身打造的，所以在编写的过程中，他们也充分考虑到了初学者的特点，用的语言都是*通俗易懂的，选取的画作也是*容易上手的，确保读者不会出现看不懂、不知从何下笔的困惑。本书从*基础的知识开始介绍，同时，结合对大量优美范画的步骤的详细解析，使读者通过本书的学习可以掌握油画的基本技巧，完成一些简单的作品，使得读者在学习基础知识和技巧的同时，*多地体会到绘画的乐趣，达到一定的专业水平。

内容提要

虽然一些专业书上把学油画形容得困难重重，但 是事实上未必如此。马克·威灵布林克、玛丽·威灵 布林克著沈佳楠译的《从零开始学油画》一书展示了 循序渐进、简单易懂的学习步骤，不会让你感到望而 却步、也无需具备绘画经验，就能够轻松绘画，快乐 收获。本书针对绘画初学者的需求，涵盖了丰富的知 识内容，包括根据色彩与构图的主要原理来挑选画笔 、准备调色板，通过积极引导的教学方法，让你从下 笔的**刻起就信心十足！ 你将学会如何保持风景画中的鲜亮颜色，了解使 用水溶性油画颜料的好处，掌握改变构图的简易方法 以及得到其他专业建议，让你在进一步认识油画的同 时开始一段美好的作画时光。
    

目录

简介
1 准备材料
颜料
溶剂与稀释剂
调色板
油画基底
画笔
可选工具
画架
室内作画的装备
户外作画的装备
认识不同基底
2 基本艺术原理
测量与配比
直线透视法
明暗
色彩基本理论
互补色与类似色
色温
色彩强度
不同透视法的混合运用
构图
认识艺术原理
3 技巧练习
调色
运笔方式
清洗画笔
握笔姿势
笔触的运用
绘画技法
用调色刀绘画
挑起颜料和擦掉颜料
硬边与软边
关于野外绘画
4 动手开画！
准备就绪
底色
白描打底
日落沙滩
山峰
梨子
向日葵
自然风光与乡间小屋
海景与帆船
夏日小屋
暮光中的房屋
狮子
剪影
侧面肖像画
手持鲜花的女孩
完成绘画
结语

《油画的奥秘：色彩、光影与情感的交织》 序言 艺术，是人类情感与思想最纯粹的表达。而在视觉艺术的长河中，油画以其独特的物质性、表现力与持久性，承载了无数艺术家穿越时空的对话。它既能细腻入微地描绘现实的肌理，又能奔放自由地抒发内心的激荡。本书并非一本教你如何握起画笔、调和颜料的入门手册，亦非对油画技法进行流水线式解析的教程。相反，它是一场深入油画殿堂的探索之旅，旨在揭示这门古老艺术背后所蕴含的深邃哲理、技术精髓以及其在人类文明发展进程中的重要地位。我们将一同走进油画的世界，感受色彩的律动，理解光影的魔力，聆听画布上跳动的灵魂。 第一章：色彩的语言：不止于所见 色彩，是油画的灵魂，是点燃画面生命力的火种。本章将带领读者超越对颜色的简单认知，深入探索色彩的本质、感知与表现。 色彩的物理与生理基础： 我们将从科学的角度审视色彩是如何产生的。光线照射到物体表面，物体吸收部分光谱，反射剩余部分，这些被反射的光线进入人眼，经过视网膜的感光细胞，最终在大脑中形成我们所见的颜色。我们将简要介绍可见光谱、三原色理论（红、黄、蓝与红、绿、蓝）以及色彩混合的原理（加法混合与减法混合），帮助读者建立对色彩科学的初步认识。 色彩的情感与心理力量： 色彩远不止于物理现象，它承载着丰富的情感与心理联想。红色可以代表热情、危险或爱；蓝色传递着宁静、忧郁或广阔；黄色象征着阳光、喜悦或警告。我们将探讨不同色彩在东西方文化语境下的象征意义，以及艺术家如何巧妙运用色彩来唤起观者的特定情绪反应，从而达到叙事、烘托氛围或表达内在情感的目的。 色彩的和谐与对比： 色彩之间的相互作用，构成了画面的视觉冲击力。我们将深入研究色彩和谐的法则，如邻近色、同类色形成的宁静和谐，以及对比色、互补色所产生的强烈视觉张力。理解色彩冷暖、明暗、饱和度之间的微妙关系，以及如何运用色彩的对比来突出主体、引导视线、营造空间感，是油画创作中的关键。 色彩的物质性与油画媒介的独特性： 油画颜料与亚克力、水彩等其他绘画材料不同，其独特的油性媒介赋予了色彩前所未有的厚重感、透明度与叠加效果。我们将探讨油画颜料的构成，以及油画媒介如何影响颜色的表现力，例如油画可以实现丰富的肌理效果，通过多层罩染获得深邃的色彩层次，以及其缓慢的干燥速度为艺术家提供了充分的修改与调整空间。 色彩的象征与寓意： 在历史上，许多画家通过色彩来传递超越字面的象征意义。例如，白色常象征纯洁与神圣，黑色则可能代表死亡、神秘或庄重。宗教画、历史画中，对特定色彩的运用往往带有深刻的神学或象征含义。本章将通过分析具体的艺术作品，阐释色彩在叙事和寓意表达上的强大力量。 第二章：光影的雕塑：塑造形态与空间 光影，是油画的雕塑家，它赋予形体以体积，在二维画布上创造出三维空间的错觉。对光影的理解与运用，是区分优秀油画作品与平庸之作的重要标准。 光源的性质与方向： 光源是光影的源头，其性质（如自然光、人造光）与方向（如正面光、侧光、逆光、顶光）直接决定了画面中光影的分布模式。我们将分析不同光源照射下物体表面的受光面、背光面、明暗交界线、反光以及投影的形成规律。 明暗对比与体积塑造： 明暗对比是塑造物体体积感的最直接手段。通过对明暗层次的细腻捕捉，艺术家能够让平面上的物体显得丰满、立体，仿佛触手可及。我们将探讨素描中的明暗关系如何在油画中得以延续和深化，以及如何通过色彩的冷暖变化来辅助明暗对比，增强体积感。 光线的情感与氛围营造： 光线不仅仅是物理现象，它更是传递情感、烘托氛围的有力工具。温暖的阳光可以带来温馨与宁静，阴影的深邃则可能暗示神秘、忧郁或戏剧性。我们将分析不同光线效果（如朦胧的晨光、刺眼的午后阳光、昏暗的烛光）如何在油画中被用来营造特定的情绪氛围，从而与画面的主题相得益彰。 环境光与色彩的相互作用： 在现实世界中，物体并非孤立存在，它们会受到周围环境的反射光影响。这种环境光会给物体的背光面带来微妙的色彩变化。我们将探讨如何捕捉并表现这些“反光”，以及环境色如何影响受光面的色彩，从而使画面更加自然、生动，避免出现“掉色”或“干枯”的感觉。 光影的笔触表现： 在油画中，光影的表现也与笔触紧密相连。不同质感、方向、厚度的笔触，能够模拟光线的细腻流淌、锐利切割或是柔和弥散。我们将通过分析大师作品，了解艺术家如何通过笔触的运用，来表现光线的质感、动态以及其在物体表面产生的微妙变化。 第三章：笔触的诗意：技法与表现力的交融 笔触，是艺术家在画布上留下的痕迹，是其独特个性的直接体现。它既是表现形体、色彩、光影的工具，本身也蕴含着丰富的艺术语言。 笔触的物质性与肌理： 油画颜料的粘稠性与油性媒介的特性，使得笔触在画布上能够留下明显的肌理。厚重的堆叠（impasto）能够捕捉光线，形成立体感；平滑细腻的笔触则适合表现光滑的表面；而刮刀、刷子、画笔的边缘等多种工具的运用，则能创造出多样的肌理效果，为画面增添触感和视觉趣味。 笔触的方向与动态： 笔触的方向并非随意而为，它常常跟随物体的形态、结构的走向，或者引导观者的视线。例如，顺着物体轮廓的笔触能够强化其体积感；而具有方向性的笔触组合，则能营造出画面的动感和生命力。 笔触的透明与遮盖： 油画颜料的透明度差异，使得艺术家可以运用“罩染”（glazing）和“厚涂”（scumbling）等技法。罩染是指用稀释的透明颜料层层覆盖，以获得深邃、微妙的色彩过渡；厚涂则通过不透明的颜料覆盖，来改变底层的色彩或纹理。这些技法直接影响着画面的色彩关系和视觉深度。 笔触与情感的表达： 激昂、果断的笔触往往传递出强烈的力量感和情感；而轻柔、细腻的笔触则能表达出婉约、宁静的情绪。莫奈的光影斑驳、梵高的旋涡状笔触，都是通过独特的笔触语言来传达艺术家澎湃的内心世界。 笔触的风格化演变： 从文艺复兴时期精细到几乎看不见的“消失的笔触”，到印象派笔触的自由奔放，再到后印象派和现代艺术中更加强调笔触本身的表现力，不同时期、不同流派的艺术家对笔触的运用呈现出多样化的发展。我们将回顾这一演变过程，理解笔触如何成为区分艺术风格的重要标志。 第四章：意境的营造：从写实到抽象的想象空间 油画的魅力，不仅在于其技法的精湛，更在于其能够构建出超越现实的意境，引发观者的无限联想。 写实描绘与真实再现： 从历史上的肖像画、风景画到静物画，写实一直是油画的重要传统。本章将探讨写实描绘的精髓，如何在画面中精确地捕捉物体的形体、色彩、质感，以及如何通过对细节的刻画来呈现逼真的视觉效果。然而，写实并非简单的复制，它蕴含着艺术家对客观世界的观察、理解与提炼。 象征与寓意： 许多油画作品并非直观地呈现画面内容，而是通过象征性的元素来传递更深层的含义。例如，圣经故事中的符号、神话传说中的意象，或是艺术家个人化的符号语言，都在画布上构建了一个充满寓意的精神世界。 氛围与情绪的烘托： 画面所传达出的整体感觉，即氛围，是油画作品艺术感染力的重要组成部分。无论是宏大的历史叙事，还是私密的个人情感，艺术家都通过构图、色彩、光影、笔触等手段，来营造出与主题相符的氛围，从而引发观者的共鸣。 从具象到抽象的过渡： 即使是最写实的油画，也并非对现实的完全复制。艺术家在取舍、强调、变形的过程中，已经融入了自己的主观感受。本章也将触及油画艺术如何逐渐走向抽象，从对客观世界的描摹转向对内心感受、观念的直接表达。抽象油画虽然剥离了具象的形体，但其色彩、线条、构图依然能够触动观者的情感与思考。 观者与作品的对话： 艺术作品的生命力在于其与观者的互动。一幅优秀的油画作品，能够引发观者对画面内容、色彩、技法、甚至作者意图的思考，从而产生属于自己的解读与感悟。我们鼓励读者在欣赏油画时，积极与作品进行对话，发掘其隐藏在表象之下的深层含义。 结语 《油画的奥秘：色彩、光影与情感的交织》是一次对油画艺术一次深度而全面的巡礼。我们从色彩的感知与表现，到光影的塑造与魔力，再到笔触的语言与肌理，最终抵达意境的营造与想象空间的延展。本书的目标是激发读者对油画艺术更深层次的理解与欣赏，无论你是艺术爱好者，还是对视觉艺术充满好奇的探索者，希望都能在这场旅程中有所收获，领略油画作为一门古老而又充满活力的艺术形式所散发出的永恒魅力。每一次凝视，都是一次与艺术家灵魂的对话；每一次品味，都是一次对美的深切感悟。油画的世界，广阔而深邃，等待着你去发现，去感受，去热爱。

评分☆☆☆☆☆

我一直对油画中的光影表现感到非常困惑，总觉得画面里的光线缺乏真实感，显得有些平面化。而这本书在讲解光影的部分，可以说是我见过的最详细、最透彻的了。它没有仅仅停留在素描意义上的明暗对比，而是深入探讨了光线与物体材质、色彩之间的复杂关系。它详细地讲解了各种光源的特性，比如直射光、散射光、侧光等，以及不同光源下形成的阴影的形态和色彩变化。我尤其喜欢它关于“反光”的讲解，这一点常常被初学者忽略，但却是营造画面真实感的重要因素。书中通过大量的图例，展示了物体表面在光源照射下，不同区域的色彩变化，以及阴影中隐藏的微妙色彩。它还教我如何通过观察和分析，准确地捕捉物体表面的高光、亮部、暗部以及反光，并用恰当的色彩来表现这些细节。读完这部分，我仿佛打开了通往真实世界的光影之门，对如何在画布上重现光线的魔力有了全新的认识。现在的我，在绘画的时候，会更加关注光线的方向和强度，并且能够有意识地运用色彩来模拟光线的变化，让我的画面变得更加生动立体。

评分☆☆☆☆☆

这本书在讲解油画创作过程中的“耐心”和“层层叠加”的重要性时，让我受益匪浅。我之前总是急于求成，希望能一笔画出想要的效果，结果往往是画面显得生硬，缺乏过渡。这本书详细地阐述了油画的“慢干”特性，并教导我如何利用这个特性，通过多次的薄涂和耐心等待，来逐步建立画面的色彩和层次。它非常强调“底稿”的重要性，并详细讲解了如何打好坚实的底稿，为后续的色彩叠加打下基础。然后，它一步步地展示了如何从铺大色调开始，然后逐步深入，添加细节，再通过罩染等技法来丰富色彩的层次和质感。这个过程就像是在建筑一座精美的房屋，每一层都需要仔细打磨，才能最终呈现出令人惊叹的效果。我印象特别深刻的是，它在讲解表现复杂材质时，比如丝绸的光泽感或者木头的纹理，都会强调需要多次叠加和微妙的色彩变化，才能达到逼真的效果。这种耐心和精细的打磨，不仅提升了画面的质量，也让我体会到了创作的乐趣和成就感。

评分☆☆☆☆☆

让我印象最深刻的是，这本书在讲解色彩理论的时候，并没有止步于枯燥的色轮和补色关系，而是将这些抽象的概念融入到具体的绘画实践中，让我第一次真正理解了“色彩是有情绪的”。书里用大量的案例分析，展示了不同的色彩搭配如何营造出截然不同的氛围，比如温暖明亮的色彩组合带来的阳光活力，以及冷峻深邃的色彩运用所展现的宁静与神秘。它详细地讲解了如何通过控制色彩的饱和度、明度以及色相，来塑造物体的体积感和空间感，这一点对于我来说是醍醐灌顶。我一直以为画出立体的感觉全靠素描的明暗关系，但这本书告诉我，色彩同样扮演着至关重要的角色。举个例子，它用一个简单的静物写生作为示范，一步步地展示了如何从基础的轮廓线开始，一点点地叠加色彩，如何通过微妙的色彩过渡来表现水果表面的光滑质感，以及如何利用背景色彩的对比来突出前景物体的鲜活。整个过程的讲解逻辑清晰，循序渐进，即使是像我这样连最基本的色彩概念都模糊不清的人，也能跟得上节奏，并且在实践中逐渐建立起自己的色彩感知能力。这本书让我明白，绘画不仅仅是模仿，更是通过色彩来表达情感和传递意境的过程。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计挺吸引人的，一看就是那种想要给完全没基础的初学者指点迷津的书。我当时拿到它的时候，其实心里是有点忐忑的，毕竟“从零开始”这四个字，有时候意味着需要付出比想象中更多的努力，而且油画这东西，在我印象里总是跟颜料、画笔、松节油这些复杂的东西挂钩，总觉得门槛很高。但翻开第一页，扑面而来的那种亲切感，真的让我觉得之前的顾虑都是多余的。它没有上来就抛出一大堆专业术语，而是用非常平实易懂的语言，像拉着一个老朋友聊天一样，一点一点地介绍油画的历史渊源，这个过程就像是在给一块空白的画布打底，让你对即将要创作的东西有一个宏观的认识。接着，它详细地讲解了油画所需的各种工具，从画笔的种类、材质，到颜料的特性、调色技巧，甚至连画布的选择和预处理都讲得细致入微。我特别喜欢它在讲解颜料的部分，不是简单地列出颜色名称，而是会告诉你不同颜色的冷暖关系，不同颜色混合后会产生怎样的效果，以及它们在画面中可以起到什么样的作用。这对于我这种完全不知道该怎么下手的初学者来说，简直是福音。它还配了很多图例，生动地展示了不同工具的使用方法，以及各种颜色的微妙变化，让我能够更直观地理解那些文字描述。读着读着，我仿佛已经能够闻到画布和颜料混合在一起的独特香味，也预感到自己即将踏上一段充满惊喜的艺术旅程。

评分☆☆☆☆☆

总的来说，这本书不仅仅是一本关于油画技法的教程，更像是一本引导我进入油画艺术世界的“启蒙书”。它以一种非常包容和鼓励的方式，让我从最初的忐忑不安，到后来的充满自信和热情。书中的内容循序渐进，讲解细致，图文并茂，让我能够轻松地理解和掌握油画的各种基础知识和技法。它让我明白，油画并非遥不可及，只要有耐心、有热情，并且找到正确的方法，每个人都可以尝试去创作。这本书让我对油画艺术产生了浓厚的兴趣，也激发了我持续学习和深入探索的动力。它为我打下了坚实的基础，也为我开启了通往艺术殿堂的大门。我非常感谢这本书，它不仅教会了我绘画的技巧，更让我体会到了创作的快乐，以及艺术能够带给我的无限可能。我还会继续按照书中的建议，不断地练习和探索，相信总有一天，我能够用自己的画笔，描绘出属于我的精彩世界。

评分☆☆☆☆☆

这本书在讲解绘画技法的时候，真的是做到了“面面俱到”，而且讲解的方式非常生动有趣，一点也不枯燥。我以前总觉得油画技法听起来就很玄乎，什么笔触、笔法、厚涂、薄涂，感觉离我遥不可及。但这本书用非常直观的图解和文字说明，将这些复杂的概念拆解开来，一点点地教我如何运用不同的笔触来表现不同的质感。比如，它会告诉你如何用干笔触来画出草地的粗糙感，如何用湿笔触来表现水面的光滑，以及如何通过叠加厚重的颜料来塑造物体坚实的体积感。最让我惊喜的是，它还讲解了油画的“罩染”技法，这个我之前在一些艺术纪录片里看到过，觉得非常神奇，但一直不知道怎么操作。这本书就用一个简单的花卉绘画作为例子，一步步地教我如何进行分层设色，如何通过薄薄的颜料层层叠加来营造出色彩的深度和丰富的微妙变化，让画面看起来更有层次感和光泽感。它还强调了不同技法之间的配合运用，比如在表现人物肌肤的时候，如何结合厚涂和薄涂，以及如何运用色彩的冷暖来表现光影的变化，这些细节的处理，真的让整个绘画过程变得更加丰富和有表现力。

评分☆☆☆☆☆

在艺术表现力和个人风格的培养方面，这本书也给出了非常宝贵的指导。它并不是一味地要求我按照固定的模式去画，而是鼓励我在掌握了基础技法之后，去探索属于自己的艺术语言。它通过对不同艺术家风格的简要介绍，让我看到了油画艺术的多元化和可能性，也激发了我对创作的想象力。它会引导我去思考，我想要通过我的画来表达什么？我喜欢什么样的色彩？我擅长什么样的笔触？这些问题，让我开始审视自己的内心，并尝试将自己的情感和想法融入到作品中。书中还提供了一些关于如何从现实生活中汲取灵感，以及如何将抽象的概念转化为视觉元素的建议。读完这部分，我感觉自己不再是一个被动学习技法的学生，而是一个开始拥有自己创作意识的艺术家。这本书让我明白了，真正的艺术，是能够触动人心的，而要做到这一点，就需要我在技法之外，注入自己的思考和情感。

评分☆☆☆☆☆

这本书在讲解如何观察和写生的时候，我觉得它不仅仅是教我“看”，更是教我“理解”。它教我如何打破习惯性的思维定势，真正地去“看见”物体本身的形态、色彩和光影。它引入了“视觉训练”的概念，比如让我在写生前先花时间去仔细观察目标，去体会它给我的感觉，然后才开始动手。它还提供了一些有趣的练习方法，比如让我只用一种颜色来画物体，或者让我尝试用线条来表现色彩的明暗。这些练习虽然看起来有点“奇怪”，但实际上非常有效地帮助我摆脱了对颜色的固有认知，学会了从更本质的角度去理解和表现事物。我特别喜欢它在讲解风景写生时，如何去捕捉大自然的“气息”，比如通过对天空色彩的变化，对植物的形态，以及对光线穿过树叶的细节的描绘，来传递出一种生机勃勃的感觉。这让我明白，写生不仅仅是复制，更是通过自己的眼睛和心灵去感受、去表达。

评分☆☆☆☆☆

让我觉得这本书特别人性化的一点是，它非常关注初学者在实践过程中可能遇到的“常见问题”，并且给出了非常具有针对性的解决方案。我以前画画的时候，经常会遇到颜料干得太快，来不及晕染；或者颜料太稀，流淌得不成样子；再或者调出来的颜色不够纯净，总是有点灰蒙蒙的。这本书就把这些问题都列举出来，并且给出了详细的操作指导。比如，它会教我如何根据不同的天气和环境，来调整稀释剂的用量，以控制颜料的干湿程度；它还会教我如何通过控制笔触的力度和速度，来避免颜料的过度晕染；对于颜料不够纯净的问题，它会从颜料本身的特性以及调色技巧两方面入手，给出详细的建议。更重要的是，它还鼓励我们要勇于尝试，不要害怕犯错，并且在犯错之后，要学会从中学习和总结。这种循循善诱的教学方式，让我觉得绘画不再是一件令人望而生畏的事情，而是一段充满探索和乐趣的学习过程。

评分☆☆☆☆☆

这本书对于如何构图的讲解，我觉得是非常有帮助的。我之前画画，总是凭着感觉来，画出来的东西要么就是太散乱，要么就是太呆板，缺乏一种整体的协调感。这本书就从最基础的黄金分割、三分法开始，详细地讲解了各种经典构图的原则和应用。它并没有把这些理论讲得空洞无物，而是结合了大量的绘画范例，比如风景画、静物画、人物画，来展示不同的构图如何影响画面的视觉引导和情感表达。我特别喜欢它在讲解“视觉焦点”的部分，它教我如何通过色彩、明暗对比以及线条的引导，将观赏者的视线自然地吸引到画面的主体上，从而让画面更有主次分明的感觉。它还讲到了如何通过元素的疏密、大小以及方向的搭配，来营造画面的平衡感和节奏感。读完这部分，我才意识到，原来构图不仅仅是为了把东西摆好看，更是为了更好地传达作者的意图和情感。现在我再看一幅画，会不自觉地去分析它的构图，并尝试将这些构图的原理运用到自己的绘画实践中，感觉自己的作品一下子就有了“灵魂”。