具体描述
*内容简介：
本套图书是日本非常经典的一套漫画绘画技法教程，从上世纪90年代起已陆续推出几十本，其本身的专业性与系统性深受广大动漫爱好者的喜爱，并且整套图书的销量非常可观。本次我们从此套图书中精心挑选出符合中国动漫爱好者、学习者使用的图书共计17册，其中包括人物、动物、机器人以及透视、构图、人物设定等等各个漫画绘画领域，通过统一的编排和组织，重新整合出一套中国动漫人物必备的精品动漫技法图书，绝对值得每一个动漫人收藏！
想要画漫画，但不知道该从何处着手？看本书就对了。从基础画具的准备、网点纸的使用到绘画步骤、构图、透视法，《绘画基础》收录了最适合漫画初学者的基础知识，是每个漫画学习者的必备入门图书。
*作者简介
K's Art设计制作室的全体成员是由日本制作漫画、动画片出身的专业人士所组成。于1993年创立，以日本的漫画世界为对象，开发、制作漫画技法书。
*编辑推荐：
书中缘金牌图书“日本漫画手绘技法经典教程”系列出新版了！
“日本漫画手绘技法经典教程”，是日本非常经典的一套漫画绘画技法教程，自推出以来以其专业性与系统性，深受广大动漫爱好者欢迎！此次的新版经过严格、认真的修订，按内容编定顺序，重新设计封面，无论从观赏性还是可读性上都将更上一层楼。
《绘画基础》是该系列的第1本，收录了漫画初学者最需要的基础知识和最常面对的疑问。共分五章，由绘画前的准备讲起，由浅及深，耐心细致地讲解了绘画工具、网点纸、比例、背景透视等知识点。漫画达人的第一步从这里开始！
日本漫画手绘技法经典教程
1 绘画基础
2 人物身体的画法
3 男孩子的画法
4 女孩子的画法
5 美少女的画法
6 世界美少女的画法
7 成熟女孩的画法
8 双人体组合画法
9 衣服的画法
10 人物角色的画法
11 动物的画法
12 机械的画法
13 机器人的画法
14 透视的画法
15 背景的处理技巧
16 漫画技法的应用
17 动画制作基础
*目录：
第一章 基本画具——钢笔 墨水 白纸
T1 画漫画的必备品
T2 绘制漫画原稿的画材·画具
T3 关于钢笔
T4 关于笔杆
T5 笔头种类
T6 适当选用笔头种类
T7 新旧笔头选择使用
T8 不同的钢笔绘出线条的效果不同
T9 使用钢笔的原因
T10 关于毫米笔
T11 不同的墨水种类
T12 钢笔不出水时怎么办？
T13 关于漫画用纸
T14 原稿对页的制作方法
T15 洇纸的原因及漫画用纸的使用
T16 修正方法——关于修正液
T17 水性修正液
第二章 一起来画漫画人物吧！
T18 怎样才能画好呢？
T19 发现差别的方法
T20 利用资料画出脑中所想！
T21 利用资料时的注意事项
T22 利用镜子来学习
T23 如何保持平衡
T24 “头身”与比例
T25 寻找自己喜欢的平衡
T26 “2头身”到“8头身”
T27 全身略图及关节
T28 面部绘画步骤
T29 不同侧脸角度的变化
T30 面部：抬头与低头时的变化
T31 头形（包括头发在内的形状）画法
T32 发现素描不妥之处
T33 俯瞰图的画法
问答
第三章 让我们试着用网点纸吧
T34 关于网点纸
T35 网点纸的粘贴方法
T36 网点纸处理的种种
T37 网点纸处理的技巧
T38 关于网点的渐变
问答
第四章 让我们一起画漫画吧!
T39 画漫画的步骤
T40 关于构图
T41 构图的设计方法
T42 分格的原理（右页和左页）
T43 往原稿插入构图时-1 (裁边与左页、右页)
T44 往原稿插入构图时-2 (对话框和原稿的大小不一致时)
T45 分格的修正——关于画面的构成
T46 大画格的选取方法
T47 画格的间隔与边线的粗细
T48 边线的画法
T49 关于对话框
T50 关于闪光场面
问答
第五章 有背景的漫画
T51 时间和地点的安排
T52 为什么要画背景？
T53 背景的画法-1
T54 背景的画法-2（往里的线）
T55 两点透视和三点透视
T56 一点透视画法-1（水平线）
T57 一点透视画法-2（消失点）
T58 一点透视画法-3（建筑物的画法）
T59 一点透视画法-4（补充）
T60 最后呢？
用户评价
结构与形态的探索之旅 《日本漫画手绘技法经典教程1：绘画基础》不仅仅是教授绘画技巧，更像是一次关于“看”的训练。它教会我如何去拆解眼前的世界，如何将复杂的立体形态分解成基础的几何元素，并理解它们之间的空间关系。在学习书中关于人物基本骨骼和肌肉结构的章节时，我深受启发。以往我画人物，总感觉哪里不对劲，要么比例失调，要么缺乏立体感，即便画出轮廓，也显得扁平而缺乏生命力。而这本书则系统地讲解了人体结构的比例、关节的运动规律，以及不同肌肉群在运动时产生的体积变化。它不是简单地让你去临摹，而是让你去理解，去思考，为什么这个地方会鼓起来，为什么那个关节会这样弯曲。通过大量的透视练习，我开始理解，同一个物体在不同的角度下，其形态是如何变化的，这一点对于绘制动态的人物至关重要。书中对透视的讲解，不仅限于简单的方形，还延伸到了更复杂的场景，比如建筑的透视，以及如何在画面中营造出景深感。这让我意识到，漫画的背景同样是构成故事张力的重要元素，而不仅仅是角色的衬托。我开始尝试将书中学到的透视原理运用到自己的练习中，比如画一个站立的人物，我会先在脑海中构建一个透视的方格，然后在这个方格中安插人物的各个部分，这样画出来的透视感就自然而然地出来了，人物也显得更加立体和有空间感。这种对结构和形态的深入理解，为我今后的漫画创作打下了坚实的基础。
评分初窥门径，心生向往 当我捧起《日本漫画手绘技法经典教程1：绘画基础》，一种久违的创作冲动便油然而生。我并非科班出身，对漫画的热爱更多地源于学生时代沉浸在那些细腻笔触和鲜活角色之中，总觉得那是一个充满无限可能的奇幻世界。然而，将这份热爱转化为实际的创作，却一直是遥不可及的梦想。市面上关于绘画教程的书籍浩如烟海，我曾尝试过一些，但总感觉不得要领，要么过于理论化，要么步骤跳跃，让我这个初学者望而却步。直到我翻开了这本《绘画基础》，它所传达出的那种循序渐进、由浅入深的教学理念，立刻吸引了我。书中的每一页都仿佛在轻声地引导着我，从最基础的线条、形状入手，讲解如何观察物体，如何捕捉光影，如何塑造体积感。我惊讶地发现，原来看似简单的素描，背后蕴含着如此丰富的知识体系，而作者却能用最平易近人的语言将它们阐释清楚。尤其是关于透视的讲解，我一直对它感到头疼，觉得枯燥乏味，但书中通过大量的实例图解，将复杂的透视原理变得直观易懂。我开始尝试跟着书中的步骤练习，从画一个个简单的几何体，到尝试描绘身边的静物，我惊喜地发现，我的手仿佛被唤醒了，线条不再那么僵硬，对物体的观察力也似乎有所提升。这种一步步的进步，给我带来了巨大的信心，让我觉得漫画创作并非遥不可及，而是可以通过刻苦练习和正确引导来实现的。这本书就像一位耐心而充满智慧的引路人，为我揭开了漫画艺术的神秘面纱，点燃了我探索更多技法的热情。
评分光影的魔法，塑造真实 在我眼中，《日本漫画手绘技法经典教程1：绘画基础》最让我着迷的部分，莫过于对光影的讲解。在此之前，我总觉得画面的色彩和明暗只是为了让画面看起来“好看”，却从未真正理解光影对于塑造物体真实感和空间感的重要性。这本书就像一位光影大师，用精妙的笔触和清晰的图例，为我揭示了光线是如何在物体表面留下痕迹的。从理解光源的方向、强度，到分析物体本身的材质和形状如何影响光影的分布，书中都进行了细致入微的阐述。我学会了如何区分高光、亮部、灰部、暗部和反光，并且理解了它们各自的性质和作用。尤其让我印象深刻的是，书中通过大量的静物写生练习，展示了不同材质的物体（比如光滑的金属、粗糙的布料、透明的玻璃）在光照下会产生怎样不同的光影效果。这让我意识到，光影的运用并非是简单的明暗对比，而是需要根据物体的具体特性来表现的。我开始尝试在自己的练习中加入光影的元素，不再满足于只画出物体的轮廓，而是努力去捕捉光线在物体表面留下的微妙变化。我发现，即使是简单的几何体，一旦加上了合适的光影，也会立刻变得生动而有体积感。这种通过光影来“点亮”画面的感觉，让我体会到了一种前所未有的创作乐趣。它不仅仅是让画面看起来更逼真，更是让画面拥有了生命和情感。
评分材质的触感，细节的真实 《日本漫画手绘技法经典教程1：绘画基础》让我深刻体会到，细节决定成败，而材质的描绘，正是细节魅力的集中体现。书中对不同材质的刻画，让我仿佛能通过纸张感受到它们真实的触感。无论是光滑的金属表面反射出的凌厉光芒，还是粗糙的布料上细腻的纹理，亦或是柔软的发丝在风中飘逸的轻盈，作者都用精妙的笔触一一呈现。它教会我如何去观察，去体会不同材质的特性，以及它们在光影作用下所产生的独特变化。我开始尝试在绘制人物时，不仅仅是画出衣服的轮廓，而是去刻画衣服的面料，去表现褶皱的走向，去营造出布料的垂坠感。当我能够熟练地运用线条和明暗来表现不同材质时，我画出来的角色就显得更加真实可信，仿佛触手可及。这种对材质的深入刻画，不仅提升了画面的质感，也让人物更加生动，充满了生命力。它让我明白，漫画的魅力，有时就隐藏在那些看似微不足道的细节之中。
评分色彩的语言，情绪的表达 虽然《日本漫画手绘技法经典教程1：绘画基础》主要侧重于手绘技法，但书中对色彩的初步探讨，已经让我看到了它在漫画创作中的巨大潜力。虽然没有深入的色彩理论，但书中在讲解光影和氛围营造时，已经巧妙地融入了色彩的概念。它让我理解，色彩不仅仅是给画面“上色”，更是一种情绪的表达，一种氛围的烘托。书中通过一些简单的色彩搭配示范，展现了如何利用冷暖色调来营造不同的情绪，比如暖色调可以带来温暖和活力，冷色调可以营造出宁静或忧郁的氛围。我开始尝试在自己的黑白稿练习中，尝试去想象不同色彩的运用，思考哪种色彩能更好地表达画面所传达的情绪。我甚至会根据书中的光影讲解，去设想光源的颜色，以及它在物体上留下的色彩变化。这种对色彩潜力的初步认知，极大地激发了我未来学习色彩理论的兴趣。我相信，当我对色彩有了更深的理解，我的漫画作品将会更加丰富和富有表现力。
评分透视的魔力，空间感的营造 在我看来，《日本漫画手绘技法经典教程1：绘画基础》对于透视的讲解，是其最令人惊叹的亮点之一。我一直以来都觉得透视是一个非常枯燥且难以掌握的知识点，但这本书却用最直观、最易懂的方式，将它展现在我面前。书中通过大量的图示和实例，将复杂的透视原理变得清晰可见。我学会了如何区分一点透视、两点透视，并且理解了它们的运用场景。更重要的是，书中不仅仅停留在理论层面，而是教会我如何在实际绘画中灵活运用透视，去构建一个真实的、有深度的空间。我开始尝试运用书中讲解的透视法则来绘制场景，比如一个房间、一条街道，甚至是一个复杂的城市景观。我发现，一旦掌握了透视的规律，我所描绘的空间就会立刻变得立体而富有空间感，人物在其中也显得更加自然和融入。书中对于“空气透视”的讲解也让我受益匪浅，它让我意识到，即使是最远的景物，也能通过色彩的淡化和细节的模糊来营造出景深效果，让画面更具真实感。这种对空间感的精准把握，让我体会到，绘画不仅仅是二维平面上的描绘，更是一种对三维空间的模拟和创造。
评分人物的灵魂，从线条开始 《日本漫画手绘技法经典教程1：绘画基础》对我而言，最重要的价值在于它如何引导我理解和塑造漫画人物的灵魂。在此之前，我画的人物虽然有大致的轮廓，但总显得呆板，缺乏神韵。这本书在人物绘画的部分，并没有直接跳到复杂的五官或发型，而是从最基础的头部结构开始，一步步解析。从头骨的形状，到脸部肌肉的走向，再到如何根据不同的表情调整面部肌肉的细微变化，都做了非常详尽的讲解。我尤其喜欢书中关于不同脸型、不同眼神的绘制教程，它让我明白，同样的五官，通过不同的组合和微妙的表情，就能传达出截然不同的情绪和性格。书中还强调了“动态线”的重要性，它教会我如何在人物的动作中捕捉那种流畅而富有生命力的线条，让人物不再是僵硬地摆在那里，而是仿佛正在运动，充满了活力。我开始尝试去画不同表情的人物，学着去观察生活中的人们是如何表达喜怒哀乐的，然后将这些观察和书中的技巧结合起来。我发现，当我对人物的结构有了更深的理解，并且能够运用动态线来表现人物的姿态时，我画出来的角色就仿佛活了过来，有了自己的个性和情感。这种成就感，是任何其他事情都无法比拟的。
评分创作的启蒙，梦想的开端 《日本漫画手绘技法经典教程1：绘画基础》对我而言，不仅仅是一本教程，更是一次关于梦想的启蒙。在翻阅这本书之前，我对漫画创作总是抱有一种“可望而不可即”的心态，总觉得那是一门高深的艺术，需要天赋和长期的训练才能掌握。然而，这本书用它循序渐进的教学方式，用它平实易懂的语言，用它丰富实用的图例，一点点地消除了我的畏难情绪。它让我明白，任何伟大的创作，都是从最基础的笔触开始的，只要有热爱，有耐心，有正确的引导，任何人都有可能成为一名漫画创作者。书中关于绘画基础的每一课，都像是在为我的漫画梦想打下坚实的地基。我开始相信，那些曾经在漫画书里让我惊叹不已的画面，并非遥不可及，而是可以通过努力和学习来达成的。这本书为我打开了一扇通往漫画世界的大门，让我看到了无限的可能性。我不再只是一个旁观者，而是开始憧憬着成为一名真正的创作者，用自己的画笔去描绘属于自己的故事。它点燃了我内心深处创作的火焰，让我坚定了追逐漫画梦想的决心。
评分构图的艺术，叙事的语言 一直以来，我都认为漫画的吸引力不仅在于精美的画面，更在于它如何通过画面来讲述故事。《日本漫画手绘技法经典教程1：绘画基础》在这方面，给我带来了全新的视角。书中关于构图的章节，让我意识到，画面并非只是简单地堆砌元素，而是需要有逻辑、有重点地安排。作者从黄金分割、三分法等基础的构图原则入手，讲解了如何利用这些原则来引导读者的视线，突出画面的主体，并营造出不同的氛围。我特别喜欢书中对于“视觉引导线”的运用讲解，它教会我如何通过线条、形状和明暗来自然地将读者的目光引向画面的关键部分，从而更好地理解故事。书中还分析了不同类型的构图所能传达的不同情感，比如仰视构图可以增强人物的威严感，俯视构图可以展现人物的渺小或孤独。这些理论性的讲解，通过大量的漫画实例得以生动地展现，让我茅塞顿开。我开始在自己的练习中更加注重构图的安排，尝试从不同的角度和景别来描绘同一个场景，并思考哪种构图更能有效地传达我想表达的情感和信息。我发现，一个好的构图，能够极大地增强画面的叙事性，让读者在观看画面的同时，也能感受到故事的起伏和张力。
评分线条的生命力，细节的魅力 《日本漫画手绘技法经典教程1：绘画基础》让我对“线条”这个最基本的绘画元素有了全新的认识。在此之前，我画的线条往往是干涩、生硬的，缺乏变化。这本书则将线条的运用提升到了艺术的层面。作者详细讲解了不同类型的线条所能传达的不同感觉，比如粗犷的线条可以表现力量感，流畅的线条可以表现柔美感，断续的线条可以营造出紧张或神秘的氛围。书中还强调了“抑扬顿挫”的重要性，教会我如何通过调整线条的粗细、轻重和速度，来丰富画面的表现力，让画面充满节奏感。尤其让我印象深刻的是，书中对于细节描绘的讲解。它不仅仅是让你去画出物体的形状，而是让你去观察物体的纹理，去体会布料的褶皱，去感受头发的飘逸，然后用线条将这些细节生动地呈现出来。我开始尝试用不同的笔触去描绘不同的物体，努力让每一根线条都充满生命力。当我能够熟练地运用不同的线条来表现不同材质和情感时，我发现我画出来的画面变得更加细腻、真实，并且充满了艺术感。这种对线条的深入探索，让我体会到，即使是最基础的笔触，也能蕴含无限的艺术潜力。
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