小提琴左手技巧练习册+第二册 作品*1号 修订版 小提琴左手指法技法练习曲谱 教材 舍夫契 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 文宇图书专营店

出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787807511090

商品编码：29525863432

出版时间：2007-09-01

商品详情

《西方音乐史纲要：从古至今的流变与思想》 本书旨在为音乐学习者、爱好者以及对西方音乐文化感兴趣的读者提供一份全面而深入的音乐发展脉络梳理。它并非一部简单的年代记，而是一部融汇了历史背景、社会思潮、美学观念与音乐实践的综合性著作。我们的焦点在于探究音乐形式、风格与技术的演变如何与时代精神紧密相连，以及不同历史阶段的作曲家如何应对并塑造他们所处的文化环境。 第一部分：源起与奠基（古代至中世纪） 本部分追溯了西方音乐的早期根源，首先考察了古希腊、古罗马时期的音乐理论与实践对后世的深远影响，特别是毕达哥拉斯的音高理论和柏拉图对音乐社会功能的探讨。 随后，我们将进入漫长的中世纪。重点阐述了格里高利圣咏（Gregorian Chant）的形成、结构特征及其在天主教会礼仪中的核心地位。我们详细分析了记谱法的发展——从纽姆（Neumes）到现代五线谱的前身，这一技术革新如何使得音乐得以更精确地保存和传播。 中世纪晚期是复调音乐（Polyphony）诞生的关键时期。我们将深入研究巴黎圣母院乐派（如列奥宁、佩罗坦）的“奥尔加农”（Organum）技法，探讨早期的对位法如何从平行进行的简单模式发展出更复杂的织体。此外，世俗音乐，特别是游吟诗人（Troubadour/Trouvère）的颂歌和行吟诗人（Minnesinger）的作品，将作为理解当时贵族文化和民间情感表达的重要窗口被呈现。 第二部分：文艺复兴的重生与人文主义光辉（约1450–1600） 文艺复兴时期是人类中心主义思潮抬头、艺术追求清晰、平衡与和谐的时代。音乐上，这一时期标志着对中世纪“上帝之声”的超越，开始关注文本的清晰表达与情感的细腻描摹。 我们将重点分析弗兰德斯乐派（如奥克冈、雅各布斯·奥布雷赫特）对声部均衡和模仿对位法的精湛运用。弥撒曲（Mass）和经文歌（Motet）是这一时期最重要的宗教体裁，书中有大量篇幅用于解析帕莱斯特里纳的“纯净之声”——他如何通过精妙的对位技巧回应特伦特会议对音乐清晰度的要求。 世俗音乐方面，法国香颂（Chanson）、意大利假面歌（Madrigal）的蓬勃发展揭示了音乐与诗歌结合的深度。特别是意大利牧歌，其“文字摹写”（Word Painting）技巧，通过音乐直接描绘诗歌中的意象（如“飞翔”、“哭泣”），体现了文艺复兴时期艺术追求的直观性。此外，鲁特琴音乐和早期键盘音乐的独立发展也值得关注。 第三部分：巴洛克的辉煌与激情（约1600–1750） 巴洛克时期是音乐史上最富戏剧性、情感最为强烈的阶段之一。本书将详述歌剧的诞生——从佛罗伦萨卡梅拉塔对古希腊悲剧的“复兴”尝试，到蒙特威尔第《奥菲欧》的里程碑意义。我们将探讨“巴洛克主义”美学，即对强烈情感（Affekts）的追求，以及如何通过通奏低音（Basso Continuo）这一核心驱动力来构建音乐的骨架。 协奏曲（Concerto）体裁的成熟是巴洛克音乐的另一大成就。详细分析了托斯卡尼协奏曲（Concerto Grosso，以科雷利、亨德尔为代表）与独奏协奏曲（以维瓦尔第的结构创新为代表）的差异与发展。 最后，本部分的高潮自然聚焦于两位巨匠：约翰·塞巴斯蒂安·巴赫与格奥尔格·弗里德里希·亨德尔。巴赫作品中对对位法和赋格曲的集大成，如《平均律键盘曲集》和《赋格的艺术》，被视为西方音乐逻辑思维的巅峰。而亨德尔在意大利歌剧和英国清唱剧（Oratorio，尤其是《弥赛亚》）中的戏剧性把握，则展现了巴洛克宏大叙事的另一面。 第四部分：古典时期的秩序与平衡（约1750–1820） 古典主义是理性、清晰和形式美的回归，是对巴洛克繁复装饰的“净化”。这一时期确立了现代管弦乐队的编制，奏鸣曲式（Sonata Form）成为了音乐建筑的蓝图。 我们将详尽剖析奏鸣曲式的结构——呈示部、发展部、再现部的内在逻辑与功能。维也纳古典乐派三杰——海顿、莫扎特、贝多芬——如何将这种结构推向完美，是本章的核心。海顿被誉为“交响曲之父”和“弦乐四重奏之父”，他的作品展现了形式的严谨与幽默的完美结合。莫扎特的音乐则以其无与伦比的旋律天赋、清晰的织体和情感的微妙层次而著称。 贝多芬的出现是古典主义向浪漫主义过渡的桥梁。我们探讨了他如何在其晚期作品中（如第九交响曲）打破既有形式的界限，将个人英雄主义与普世人文精神注入音乐，为后来的浪漫主义运动铺平了道路。 第五部分：浪漫主义的激情与个性（约1820–1910） 浪漫主义音乐将主观情感、想象力、自然崇拜与民族精神置于至高无上的地位。作曲家们追求无限的表达范围，和声语言变得更丰富、更复杂，曲式也趋向自由化。 本部分首先考察了艺术歌曲（Lied），以舒伯特和舒曼的作品为例，展示了钢琴与人声如何共同营造出一个完整的诗意世界。随后，转向交响诗（Symphonic Poem）的兴起，如李斯特的作品，标志着程序音乐（Program Music）的成熟，音乐开始直接叙述故事或描绘画面。 民族乐派（如德沃夏克、斯美塔那、格里格）的兴起，体现了音乐如何成为民族身份认同的载体。在歌剧领域，瓦格纳的“总体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）理念及其使用的“主导动机”（Leitmotif）系统，彻底革新了戏剧音乐的结构。 最后，我们将审视晚期浪漫主义的巅峰，如布拉姆斯对古典传统的继承与发展，以及马勒和理查·施特劳斯在大型交响作品中对人类存在困境的深刻探讨。 第六部分：二十世纪的多元探索与变革（1900年至今） 二十世纪是音乐语言经历剧烈动荡与彻底重构的时代。本书将按流派对这一复杂局面进行梳理： 1. 印象主义与象征主义：德彪西和拉威尔对传统调性色彩的模糊处理，以及对东方音阶和模糊和声的运用。 2. 表现主义与无调性：勋伯格及其开创的十二音体系（Dodecaphony），对调性中心性的彻底颠覆，以及韦伯恩的序列主义。 3. 原始主义与新古典主义：斯特拉文斯基《春之祭》的节奏冲击力，以及他对巴洛克和古典形式的回归与重构。 4. 美国音乐的发展：从艾夫斯对复调和声的实验，到格什温将爵士元素融入古典体裁的尝试。 本书致力于提供一个清晰的框架，帮助读者理解这些看似破碎的风格背后的思想动力和技术革新，认识到西方音乐史是一条连续不断的、充满辩证张力的发展长河。

评分☆☆☆☆☆

终于拿到这本令我朝思暮想的《小提琴左手技巧练习册+第二册 作品1号 修订版》，虽然我还没来得及深入钻研，但光是翻阅目录和前言，就足以让我感受到它沉甸甸的分量。这本书的排版设计非常人性化，不仅字体大小适中，而且乐谱的清晰度很高，即使在昏暗的光线下也能轻松辨认。我特别欣赏的是它在每个练习曲目之前，都附有简要的说明，点明了该练习的侧重点，比如是关于手指的独立性、灵活性，还是关于左手不同位置的转换。这对于我这样学习小提琴多年的业余爱好者来说，简直是雪中送炭。我常常在练习中感到迷茫，不知道某个练习到底是为了解决什么问题，而这本书的说明就如同一个经验丰富的老师，为我指明了方向。而且，书中的一些练习曲目，我感觉是专门针对一些常见的小提琴演奏难点设计的，例如一些快速的音阶或琶音练习，或者是一些需要精准手指落位的和弦。这些都是我在日常练习中常常会遇到的瓶颈，有了这本书，我感觉自己终于有了系统性的解决方案。我迫不及待地想开始其中的练习，希望能通过这些精心设计的曲目，有效地提升我的左手技巧，让我的演奏更加流畅、精准，甚至能触及一些之前觉得遥不可及的音乐表现力。这本书的出现，无疑是我小提琴学习道路上的一剂强心针，让我对未来的进步充满了信心。

评分☆☆☆☆☆

我是一名在音乐学院学习小提琴的学生，对于教材的要求自然很高。《小提琴左手技巧练习册+第二册 作品1号 修订版》这本书，在我看来，简直是为我们这类专业学生量身打造的。它在技术深度和广度上都达到了很高的水平。我翻看了其中的一部分练习，发现很多都是我在课堂上老师强调过的，但这本书以更加系统和详尽的方式呈现出来。例如，关于左手手指的独立性训练，书中不仅有基础的音阶和琶音，还包含了一些非常规的指法组合，这能够训练手指的“绝对独立”能力，即使在快速演奏时，也能确保每个音符的准确性。我个人非常喜欢其中关于双音和弦练习的部分，这部分内容对于提升演奏的厚度和表现力非常有帮助。很多时候，我们会在演奏双音或和弦时出现音不准或者音色不统一的问题，这本书里的练习，通过不同的指型和角度的训练，能够有效地解决这些问题。而且，书中的一些练习曲目，我感觉是借鉴了一些大师的演奏技巧，并将其转化为可行的练习方法，这对于我们学习和模仿大师的演奏风格非常有益。这本书不仅仅是练习曲，更像是一部左手技术发展的“路线图”，为我们未来的学习指明了方向。

评分☆☆☆☆☆

对于许多业余小提琴爱好者来说，找到一本既实用又有趣的学习资料并不容易。《小提琴左手技巧练习册+第二册 作品1号 修订版》这本书，恰好弥补了这一空白。它非常贴合我们这类学习者的需求。我试着练习了其中几个关于左手手指力量和耐力培养的练习，感觉效果显著。以往我总是在练习一段时间后就感到手指疲劳，影响练习效果，而这本书里的练习，通过一些有节奏的重复和变奏，能够逐步增强手指的肌肉力量和持久性。这让我能够更长时间地进行练习，并且在演奏一些需要连续快速音符的乐段时，也不再感到吃力。而且，书中的一些练习曲目，我感觉非常“接地气”，它们不像一些专业教材那样晦涩难懂，而是以一种循序渐进的方式，让我在不知不觉中掌握了重要的技巧。我特别喜欢书中关于左手音准练习的部分，它通过一些巧妙的设计，帮助我更好地找到手指在指板上的正确位置，从而提高演奏的音准。这本书就像是一位耐心细致的老师，一步一步地引导我，让我能够在享受音乐的同时，不断提升自己的演奏水平。它不仅仅是一本练习册，更是一份陪伴我成长的音乐伙伴。

评分☆☆☆☆☆

作为一名对小提琴演奏有执着追求的乐迷，我一直在寻找一本能够真正帮助我突破左手技术瓶颈的教材。《小提琴左手技巧练习册+第二册 作品1号 修订版》无疑满足了我的期待。这本书的编者在技术层面的考量非常周全，它不仅关注了手指的基本功，更深入地挖掘了左手在不同把位、不同弓法下的复杂配合。我尤其对书中关于左手换把的练习印象深刻。以往我总是在换把时感到犹豫和生涩，影响了乐句的连贯性，而这本书里的一些练习，通过设计一些跨越较大音程的跳跃，或者是在不同把位之间进行快速的转换，迫使我必须提前预判，并且让左手找到最经济、最流畅的移动方式。我感觉这些练习就像是在为我的左手“排兵布阵”，让它在每一次的移动中都能做到“运筹帷幄”。此外，这本书还包含了一些关于左手揉弦的细节训练，这对于提升小提琴演奏的感染力至关重要。我尝试了其中关于揉弦的力度、速度和幅度的练习，发现这比我以往的随意揉弦要科学得多，也更能帮助我塑造出丰富的情感表达。这本书不仅是技术上的训练手册，更像是一部关于左手“艺术”的启蒙。

评分☆☆☆☆☆

拿到这本《小提琴左手技巧练习册+第二册 作品1号 修订版》后，我的第一感受是它非常“专业”，也很有“心”。它不像一些泛泛而谈的教材，而是非常具体地针对小提琴左手的技术进行了细致的划分和编排。我尝试了其中几个关于手指独立性的练习，感觉非常有效。以前我总觉得手指之间联动不够顺畅，尤其是无名指和小指，经常会拖慢速度或者影响音准。这本书里的练习，通过一些特殊的指法组合和节奏设计，迫使我的每个手指都必须独立运作，而且要保持稳定的力量和速度。虽然一开始练习起来有点吃力，手指感觉僵硬，但坚持了几次之后，我明显能感觉到手指的控制力在增强，音符的清晰度也提高了。而且，这本书不仅仅是技术上的训练，它还融入了一些非常具有音乐性的片段，让我在枯燥的练习中也能感受到一丝旋律的美感。我尤其喜欢那些以古典音乐作品中的某些片段为基础改编的练习，这让我在学习技术的同时，也能提前接触到一些经典的旋律，激发我的学习兴趣。这本书的编排逻辑非常清晰，从基础到进阶，循序渐进，让我在练习过程中能够逐步攻克难关，而不是被一堆难度过大的内容压垮。我深信，只要我能坚持按照这本书的指导进行系统性的练习，我的左手技巧一定会有质的飞跃。