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曹逸冰... 编

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店铺： 博睿图书

出版社： 南海

ISBN：9787544292139

商品编码：29561709650

出版时间：2018-06-01

基本信息

• 商品名称：音乐是什么
• 作者：（日）芥川也寸志|译者:曹逸冰
• 定价：45
• 出版社：南海
• ISBN号：9787544292139

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2018-06-01
• 印刷时间：
• 版次：1
• 印次：1
• 开本：
• 页数：0

内容提要

本书是音乐大师芥川也寸志写给大家的音乐入门书。

人们欣赏音乐，演奏音乐，以不同的方式享受着它带来的乐趣。但要深入音乐的世界，首先应该了解音乐是什么。

音乐像一座城堡。节奏是基底，带来基础和生命；和声是外部设计，勾勒出轮廓；音程是一砖一瓦，构筑出纵向高度；对位法是内部构造，决定了城堡的复杂程度；曲式则是室内设计，与音乐的时间和空间有着紧密联系。

音乐是万物的语言。地平线的跃动、夏夜此起彼伏的虫鸣、绿荫深处的清风、恋人间的絮语……一刹那，一种感动满溢而出，音乐由此诞生。

本书以风趣易懂的语言，带你进入音乐的世界。只有**沉浸其中的人，才会有美的发现。

目录

**章音乐的素材

第2章音乐的原则

第3章音乐的形成

第4章音乐的结构

尘封的旋律：一部探寻古代乐器与失传乐谱的史诗 作者： （虚构，此处留白，增加神秘感） 出版社： 苍穹文化 装帧： 硬壳精装，附赠手绘乐谱插页 定价： 188.00 元 --- 序言：钟磬之声的余响 这是一本关于“失落”的文献。它并非关于当今流行的音乐理论，亦非对现代作曲家的赞颂。相反，它将我们带回一个声音被视为连接天地、承载历史记忆的时代。在信息洪流尚未淹没细腻感知的古代，声音是唯一的记录方式，是统治者权力的象征，是哲人与神祇对话的媒介。 本书的核心，在于对三类失传或被严重误读的古代声学遗存的深度挖掘与考证：先秦时期的编钟与磬的原始音律结构、汉代雅乐中“大韶”乐章的复原尝试，以及魏晋南北朝时期，那些散佚于地方志和私人笔记中的“异乐”记载。 我们追溯的，是那些不再被现代乐器系统所涵盖的“精确的寂静”和“有形的振动”。 第一章：金属的记忆——钟磬的几何与声学考古 第一节：泥土下的共鸣 本章聚焦于考古现场发掘的早期青铜乐器。我们不满足于对这些乐器进行简单的年代测定，而是深入探究其铸造工艺与音高校准的内在逻辑。 例如，对河南某墓地出土的成组编钟进行的声谱分析显示，其泛音列的衰减速度与现今标准调音的钟群存在显著差异。这提示我们，古人对“纯净音”的理解，可能并非基于十二平均律，而更接近于某种基于“黄金分割”或特定天文周期的“律制”。我们将详细展示如何通过对残留的锈蚀层厚度和内部结构应力的分析，推导出编钟原始敲击点和最佳发声角度。 第二节：玉石的沉吟 与钟的雄浑不同，磬代表了一种更为内敛、更具精神性的音色。本书收录了对多处出土的特大型玉磬的微观结构研究。这些玉磬的材质，多为高硬度透闪石玉，其制作工艺之精细，令人叹为观止——在没有精密机床的时代，如何将玉石打磨至发出清晰、持久的泛音，是比青铜冶炼更令人困惑的谜团。 我们提出一个理论：古代的乐律学家可能利用了不同种类玉石（如青玉、白玉）固有的分子结构差异，来构建一个由“刚性”与“柔性”音色构成的多层次音阶系统，而这套系统在后世的器乐演奏中被简化和固化了。 第二章：雅乐的迷雾——“大韶”的文本困境与结构重构 第一节：典籍的碎片化叙事 “大韶”——被誉为“听之忘所有，不见五色”，是古代礼乐的巅峰代表。然而，关于它的记录，散见于《礼记》、《史记》以及地方志中，描述性语言多于技术性描述。例如，“凫飞”、“雨霁”等动作描述，究竟对应哪种节奏型或和声进行？ 本书收集了宋代以来所有与“大韶”相关的注解、谱注残片，并将其进行交叉比对。我们发现，部分注解中提到了“五音相生，六律相成”之外的“变宫”与“变徵”的特殊运用，这可能指向一种非固定的、依赖于演奏者心境的即兴律动。 第二节：复原的艰难尝试 基于对周代记谱法（如工尺谱的雏形或更早的契刻符号）的解读，我们尝试用现代乐理推导重建了其中一段被反复引用的“四句结构”。需要强调的是，这并非完全准确的复原，而是一种基于历史语境的“最可能的听觉想象”。我们邀请了专门研究古代民族乐器的演奏家，使用复刻的乐器进行了多次实验演奏，并记录了实验过程中听众的生理反应数据，以期更接近古代“感应之音”的体验。 第三章：异音的边缘——民间与边疆的“音乐遗存” 第一节：被主流文化排斥的声响 在官方推崇的雅乐之外，民间和边陲地带存在着大量不被正统记录的音乐形式。这些音乐往往与巫祝、祭祀、劳作紧密相关。 本书通过对西北地区石窟壁画中描绘的“胡琴”样式、西南少数民族口头流传的“虫鸣唱腔”的田野调查，勾勒出古代音乐光谱的广阔性。我们关注的重点是：这些“异音”是否保留了比雅乐更古老的音阶结构？例如，某些地区使用的五声音阶中，其小三度音程的音准，与标准音高偏离了约三十个“荀”（古代音高计量单位），这种微小的差异，可能揭示了不同地域在“律”的认知上的分化。 第二节：乐器的“社会生命” 我们考察了那些在历史转折点上被淘汰的乐器，如“筚篥”在汉魏时期的地位变化，以及“笙簧”在唐代以后如何被简化。乐器的演变，其实是社会权力结构对声音偏好的体现。当演奏复杂、需要大量乐师的“大乐”逐渐式微时，更易于携带、更具个体情感表达的乐器便开始占据舞台。 本书的最后部分，附录了对几位研究古代乐律的已故学者的手稿解读，他们穷尽一生试图用数学模型解释“天人合一”的声学基础，留下的公式虽然晦涩难懂，却为我们理解古代哲人对声音的终极追求，提供了宝贵的参照。 --- 适合人群： 音乐史学家、民族乐器修复师、考古学爱好者、对古代声学哲学感兴趣的读者。 阅读提示： 本书需要读者具备一定的乐理基础和对历史文献的耐心。它不是一本提供即时娱乐的读物，而是一场深入时间隧道的回溯之旅。每一个被解读的音符，都承载着数千年的尘埃与寂静。

评分☆☆☆☆☆

这本《音乐是什么》的书，说实话，我从头到尾都读得稀里糊涂，感觉作者像是把一堆高深的理论硬塞进了读者脑子里，却忘了给我们一把理解这些概念的钥匙。开篇就大谈特谈什么“音高的时间维度结构”和“泛调性的非线性解析”，我一个音乐科班出身的听着都得查字典。更别提那些动辄出现的大段的数学公式和晦涩的哲学思辨，完全脱离了实际的音乐欣赏体验。读完后，我不仅没弄明白“音乐”到底是什么，反而对很多基础乐理知识产生了新的困惑。比如，作者花了三章篇幅去论证某个特定历史时期的和声进行是如何“必然”地导向某种情绪体验的，但举的例子都是些极其小众、我从未听过的古典片段，根本无法引起共鸣。这本书更像是一份写给同行、甚至可能是写给作者自己看的学术论文集，而不是一本面向广大音乐爱好者、试图解答“音乐是什么”这个朴素问题的普及读物。如果期待能从中学到如何更好地聆听贝多芬，或者如何创作一段动人的旋律，那这本书注定会让你大失所望。它更像是一块坚硬的石头，需要用极大的毅力和专业知识才能凿开一点缝隙，而缝隙里透出的光，也常常是刺眼的、难以理解的。我希望作者能明白，真正的“是什么”往往存在于那些最简单的旋律和最直观的感受中，而不是在那些被过度解构和理论化的迷宫里。

评分☆☆☆☆☆

我读完这本《音乐是什么》的感受，简直就像是参加了一场无休止的学术辩论，空气中弥漫着陈旧的纸张和咖啡的味道，但就是缺了点“人味儿”。这本书的行文风格极其古典，充满了冗长而迂回的句子结构，一个意思要绕上好几个弯才能表达清楚。比如，作者在讨论节奏时，花费了大量的篇幅去引用中世纪的乐谱注释和文艺复兴时期的乐理手稿，这些引文本身就没有提供任何清晰的结论，只是不停地堆砌历史的脚注。给我最大的感受是，作者似乎对“解释”这件事本身比对“音乐”本身更感兴趣。每一次试图抓住一个核心概念，它就像沙子一样从指缝间溜走了。我尝试着带着我最喜欢的几张专辑去对照书中的理论框架，结果发现，书中的理论完全无法套用到现代音乐的复杂性上，它似乎将“音乐”定义得过于狭隘和僵化，只承认某种特定历史阶段、特定地域的创作范式。读到后面，我开始走神，脑子里回荡的不是书中的理论，而是我最爱的那首爵士乐的即兴片段，那才是对我而言最真实的“音乐是什么”。这本书，与其说是探索，不如说是对一种过时的、僵化的音乐观的过度维护。对于追求实用和启发的新一代听众来说，这本书的价值大概仅限于图书馆的某个角落，供少数研究特定历史时期的学者翻阅。

评分☆☆☆☆☆

坦白讲，这本书的装帧和排版倒是挺精致的，封面设计有一种极简主义的美感，但内容上的空洞感却让人颇为遗憾。我花了整整一个周末试图啃完它，结果发现，作者似乎有一个强烈的倾向，就是将所有具体、感性的音乐体验，抽象化为一套冰冷的符号系统。他似乎认定，只有通过数学和逻辑的还原，音乐才算被真正“理解”。书中有一段描述，将“和弦的色彩”比喻成“多维空间中的向量投影”，我读完后大脑一片空白，我只想知道，为什么这个和弦听起来让我感到忧伤，而不是它在哪个向量空间里投影。这种过度理性化的叙事方式，彻底抽离了音乐作为一种人类情感交流媒介的核心功能。全书没有一篇像样的音乐分析案例，或者至少，没有那种能让普通读者眼前一亮的“啊哈！”时刻。它更像是为那些已经掌握了全套术语的人准备的“内行话”，对圈外人来说，这简直就是一场折磨。我感觉作者在构建一个极其复杂的理论城堡，但城堡里空无一人，只有理论的骨架在那里孤零零地矗立着，丝毫感受不到任何生命的活力。

评分☆☆☆☆☆

要说这本书的特点，那大概就是“思辨的深度”与“阅读的疲劳度”成正比。这本书的结构松散，缺乏明确的章节引导，常常在论述一个观点时，突然跳跃到另一个看似毫不相关的领域，比如从声音物理学跳到符号学，再跳到后现代主义批判，让人很难抓住主线。我期待的是一本能梳理出音乐本质的脉络清晰的著作，但这本书给我的感觉更像是一本作者多年来零散笔记的集合体，没有经过有效的整合与提炼。我注意到书中对于“情感表达”的讨论，仅仅停留在对特定音程关系的生理反应的描述上，缺乏对艺术化处理后的人类复杂情感的深入挖掘。比如，如何区分音乐中的“悲伤”和“哀悼”？这本书里没有找到令人信服的论述。它专注于“如何生成音乐”，而不是“音乐如何作用于人”。对于一个渴望了解音乐魅力所在的人来说，这种纯粹的技术和哲学推演显得苍白无力，仿佛在详细描述一朵花的化学结构，却完全忽略了它盛开时的芬芳与生命力。总而言之，这本书更适合在某个专业领域的深层研讨会上被引用，而不是被放在床头灯旁，作为睡前思考的伴侣。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我的感觉是，作者在试图用最复杂的方式去阐述最基本的问题，结果造成了巨大的信息过载和认知障碍。它似乎完全忽略了“聆听”的主观性和个体差异。在探讨“旋律的意义”时，作者反复引用了大量晦涩难懂的现象学术语，试图建立一种普适的、客观的旋律规律，但从头到尾，他都没有真正触及到旋律是如何在不同文化背景下，激发听者内心最原始的共鸣。我尝试着将书中的某几个核心论点带入到我对民族音乐的理解中，结果发现完全水土不服。这本书的视角太过局限，仿佛世界上的音乐只存在于西方的学院派沙龙中。更令人沮丧的是，书中大量使用了缩写和术语，却又很少进行充分的解释，这使得每一次阅读都像是在进行一场艰苦的密码破译工作。读完后，我并没有感到知识的增长，反而产生了一种强烈的“被排斥感”，仿佛作者在刻意构建一道门槛，将非专业人士阻挡在外。这不是一本邀请你进入音乐世界的指南，而是一份高耸的、充满防御性的理论壁垒。