视唱练耳：四部和声听觉训练 音乐 书籍 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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出版社： 高等教育出版社

ISBN：9787040482591

商品编码：29650666415

商品基本信息，请以下列介绍为准
商品名称：	视唱练耳：四部和声听觉训练 音乐 书籍
作者：	页志明著
定价：	28.0
出版社：	高等教育出版社
出版日期：
ISBN：	9787040482591
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开本：	16开

内容简介

每章节均可选用其中一部分练习作为课内视唱、听写或听辨的材á

好的，这是一本关于管弦乐队配器与织体研究的专著简介，内容涵盖了从巴洛克到近现代的管弦乐写作技法与色彩运用。 --- 管弦乐队配器与织体研究：从传统到前沿的交响语汇 作者： [此处留空，代表独立研究者的严谨性] 页数： 约 850 页（包含大量乐谱范例与分析图表） 开本： 16 开精装 内容提要 本书深入剖析了西方管弦乐队自十七世纪萌芽至二十一世纪演变过程中的配器法与织体构建原理。它并非一本简单的乐器“说明手册”，而是一部旨在揭示作曲家如何运用乐器组合与音区布局，以实现特定情感表达与声学效果的理论与实践结合的指南。全书以时间脉络为轴线，辅以精选的经典与现代管弦乐片段作为实例进行细致的横向与纵向分析。 本书的结构设计旨在引导读者从基础的乐器音色认知，逐步攀升至复杂的复调织体设计和声场空间构建层面。 第一部分：管弦乐队的形塑与早期配器（巴洛克至古典主义早期） 本部分聚焦于交响乐团的雏形及其功能分配。 第一章：早期合奏团的结构与功能 探讨小提琴族群的主导地位，中提琴声部的“被遗忘”角色，以及低音组（大提琴与低音提琴）如何提供和声基础而非纯粹的线条支撑。重点分析通奏低音（Basso Continuo）向独立低音旋律线演变的轨迹。 第二章：木管乐器的引入与角色分化 详细考察双簧管、长笛和巴松管如何从独奏乐器转变为标准木管组的成员。分析莫扎特和海顿时期，木管乐器如何从“加厚”弦乐声部，逐渐获得独立对位与模进的功能。特别关注巴松管在低音区与大提琴组的融合与分离策略。 第三章：铜管乐器的声学确立 研究圆号（法国号）在没有活塞技术时期，如何通过音高变换（换管）来适应调性要求。分析小号在古典乐派中，主要承担强化高潮与典礼色彩的局限性。讨论早期配器中铜管声部常用于“远景描绘”的技巧。 第四章：早期织体的清晰度与层次感 分析古典主义配器对“清晰轮廓”的追求。探讨如何通过严格控制声部数量（通常不超过四部或五部主旋律线）来确保每一个声部的独立可辨识性，以及如何利用对比性织体（如弦乐的琶音背景对木管的清晰旋律）来塑造空间深度。 第二部分：浪漫主义的扩张与色彩的爆发（古典主义晚期至后浪漫主义） 本部分是全书的重点之一，关注乐团规模的空前膨胀以及情感表达的无限扩展。 第五章：大型乐团的资源管理 研究贝多芬、柏辽兹、瓦格纳等人如何系统性地扩展了木管组（增加短笛、低音单簧管、倍低音管等）和铜管组（引入活塞乐器如长号与大号）。分析这种扩张对和声厚度的影响，以及如何避免音响的“浑浊”。 第六章：色彩的魔法——乐器间的混合与对比 深入探讨“混合音色”的艺术。例如，如何用双簧管的鼻音与单簧管的醇厚音色进行衔接，或是如何利用圆号的温暖来柔化弦乐的边缘。重点解析李斯特、勃拉姆斯配器中，不同乐器组之间“平滑过渡”的技法。 第七章：弦乐织体的复杂化与功能重塑 考察浪漫主义晚期（如德彪西、马勒）中，弦乐声部如何从简单的旋律/伴奏结构，演变为具有复杂内部分工的微观合唱团。分析"Divisi"（分奏）的精细化运用，以及倍中音提琴在为低音组增添质感上的关键作用。 第八章：织体的密度与动态的极限 分析如何通过增加复调层次、密集和弦布局以及对位技巧的运用，来构建如史诗般宏大的音响景观。同时，探讨如何控制极弱（pppp）的配器技巧，以维持织体结构的完整性而不致于“消失”。 第三部分：现代管弦乐的解构与重构（印象主义至二十世纪中叶） 本部分关注作曲家如何打破传统音色与功能的束缚，探寻全新的声学可能性。 第九章：音色的“去实体化”：印象主义的配器 重点分析德彪西和拉威尔如何使用木管乐器组的独特音区（如单簧管的高音区、低音提琴的泛音）来创造非明确的、漂浮的音响色彩。讨论对位法的重新定义——从明确的线条竞争转向色彩的相互渗透。 第十章：对位与和声的织体剥离 研究斯特拉文斯基、巴托克等作曲家如何使用“点彩式”或“积木式”的配器法。分析如何通过将单一和弦分解到不同声部、不同乐器上进行极度分散的布局，以达到“透明”或“机械式”的音响效果。 第十一章：铜管组的解放与打击乐的语汇扩展 探讨二十世纪铜管组如何彻底摆脱伴奏角色，成为主要的驱动力。分析打击乐器（尤其是无固定音高的乐器）如何从节奏装饰发展成为独立的音色元素，以及如何通过非传统演奏法（如敲击琴体、使用特殊鼓槌）来拓展管弦乐的音响光谱。 第十二章：空间配器与声场规划 探讨作曲家如何利用乐团的物理布局来影响听觉体验。分析如“四面八方”的声响布局（如理查·施特劳斯或后来的极简主义者），以及如何通过乐器组的声学对比（如近距离的弦乐对遥远的铜管）来模拟空间深度。 第四部分：前沿探索与未来展望（二十世纪后期至今） 本部分将目光投向更具实验性的领域，探讨配器理论在当代音乐中的应用。 第十三章：微音列与音色密度控制 介绍在十二音体系之外，作曲家如何利用音高群的极度密集（如斯特拉文斯基的集群和声或利盖蒂的微复调）来创造“音云”或“音块”。分析如何通过控制乐器间极小的音程关系来调控音块的内部张力。 第十四章：演奏技法拓展与音色生成 详尽分类现代乐谱中出现的非传统演奏法（Extended Techniques），例如，弦乐器的“击弦”（Col Legno Battuto）、木管乐器的“气流音”（Air Sounds）等，并分析这些技法在织体中主要承担的“噪音纹理”功能。 第十五章：电子媒介与混合配器 探讨电子乐器或预录音轨如何与传统管弦乐队结合，以及这种结合如何对传统配器法构成挑战或提供新的融合可能。讨论如何为电子部分设计与声学乐器相匹配的动态和音色过渡策略。 结语 本书强调，优秀的配器并非单纯地“分配旋律”，而是对乐器声学特性、心理听觉效应以及结构功能进行深度整合的过程。通过对历史脉络的追溯与对现代技法的剖析，本书旨在为专业作曲家、指挥家及音乐理论研究者提供一套全面、深入且具有实践指导意义的管弦乐语汇分析框架。 --- 本书特色： 乐谱导向： 超过 300 个详细的乐谱节选分析，覆盖从巴赫到当代的多位大师作品。 技术图表： 包含乐器有效音区、混响时间对比、以及特定演奏法（如泛音）的声学图解。 结构清晰： 从单音色到复杂织体的递进式学习路径，便于读者系统掌握配器原理。

评分☆☆☆☆☆

这本书的配套资源设计得非常人性化，这在很多传统教材中是难以见到的。通常听觉训练书籍的音频资源要么质量堪忧，要么就是只能在线播放。但这本书提供的音频文件质量极高，音色纯正，且可以方便地下载和反复使用。更贴心的是，很多练习音频是分层次的，从单音的清晰呈现，到双声部的对位练习，再到完整的四部合唱片段，音频的复杂度和速度都有明确的梯度设置。这使得读者可以根据自己的实时状态灵活选择难度，避免了“一步到位”带来的焦虑。我个人尤其喜欢它在“旋律模唱”部分的设置，它不仅仅是播放旋律，还配合了简单的节奏标记，强迫我们在听的同时也激活了节奏感。这套音频系统，无疑是这本书实现其教学目标的最得力助手，将理论知识真正落地转化为了可操作的训练工具。

评分☆☆☆☆☆

从阅读体验来说，这本书的文字风格非常具有亲和力，一点都不像冷冰冰的学术著作。作者的叙述中流露着一种对音乐本身的热爱和对学习者进步的真诚期盼。在讲解一些容易混淆的概念时，比如关于属功能和下属功能在不同调性下的细微差别，作者会用非常生活化的比喻来解释，让那些原本晦涩难懂的和声“规律”变得像常识一样自然。这种“润物细无声”的教学方式，极大地提升了阅读的愉悦感。我常常在不知不觉中就完成了一大段的学习任务，而不是感到精疲力尽。对于长期与音乐打交道的人来说，保持学习的新鲜感和兴趣至关重要，而这本书成功地做到了这一点。它不仅教会了我“如何听”，更重要的是，它让我重新审视了“我为什么要去听”，回归了音乐艺术最本真的魅力。

评分☆☆☆☆☆

这本书的编排逻辑简直是为我量身定做的一般，它不是那种堆砌知识点的教材，而是一条精心规划的学习路径。我发现它非常注重实践操作与理论学习的同步进行。一开始的章节，作者花了大量的篇幅来校准我们对音高的基本感知，这一点至关重要，因为很多听觉训练的瓶颈都出在基础不牢固上。随着章节深入，难度梯度爬升得非常自然流畅，从简单的二部和声进行到复杂的三部、四部和声的转位和连接，每一步都有详尽的练习材料和配套的分析指导。最让我感到惊喜的是，它不仅仅停留在“听出什么音程”、“听出什么和弦”的层面，更进一步引导读者去感受和声进行中的色彩变化和功能性，这才是真正提升“音乐耳朵”的关键。我尝试着跟着书中的提示，利用钢琴进行练习，很快就体会到了那种拨云见雾的清晰感。这种由浅入深、循序渐进的教学方法，极大地降低了学习的挫败感，让人愿意持续投入时间进行训练。

评分☆☆☆☆☆

作为一名长期在专业领域摸爬滚打的人，我对市面上很多声称能“快速提高”的听觉训练书籍持保留态度，但这本书完全颠覆了我的看法。它的独到之处在于它对“内听”的强调。作者反复提醒读者，听觉训练不只是耳朵的任务，更是大脑对声音进行结构化理解的过程。书中提供了许多非常巧妙的“心理暗示”和“联想记忆”的方法，帮助我们建立声音与视觉、情感之间的牢固联系。例如，在处理到某些特定不协和音程时，书中并非简单地告知其名称，而是描述了它在特定音乐语境下可能产生的“张力”和“解决”，这让冰冷的音符瞬间有了生命和情绪。我甚至发现，这本书对提高我自己在演奏和指挥时的预判能力也有着不可思议的促进作用。每次练习完一个小节的听写或模唱，我都会感觉对后续乐曲走向的把握更精准了一分，这是一种从被动接受到主动构建的质变。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计着实让人眼前一亮，那种古典与现代交织的风格，立刻就抓住了我的眼球。我一直对音乐理论和实践结合的书籍情有独钟，尤其是涉及到听觉训练的部分，总觉得这是提升音乐素养最直接有效的方式。拿到手后，迫不及待地翻阅起来，首先映入眼帘的是清晰排版的乐谱和详细的文字说明。作者在理论讲解上展现了深厚的功底，将复杂的和声概念用非常直观易懂的方式呈现出来，即便是初学者也能快速上手。我特别欣赏它在基础知识构建上的严谨态度，每一个小的知识点都铺垫得非常扎实，这对于我这种需要系统性学习的人来说，无疑是极大的福音。书中的插图和图表也制作得非常精美且富有逻辑性，极大地辅助了对抽象概念的理解。可以说，光是这初步的翻阅体验，就让我对后续的学习充满了期待。它的整体装帧质量也很高，拿在手里很有分量感，让人感觉这是一本值得珍藏和反复研读的专业书籍。