视唱练耳：四部和声听觉训练 音乐 书籍 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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出版社： 高等教育出版社

ISBN：9787040482591

商品编码：29658992512

商品基本信息，请以下列介绍为准
商品名称：	视唱练耳：四部和声听觉训练 音乐 书籍
作者：	页志明著
定价：	28.0
出版社：	高等教育出版社
出版日期：
ISBN：	9787040482591
印次：
版次：
装帧：
开本：	16开

内容简介

每章节均可选用其中一部分练习作为课内视唱、听写或听辨的材á

好的，这是一本涵盖了音乐理论、作曲技法、以及音乐史等多个维度的图书的详细简介，内容力求详实且避免出现任何不自然的痕迹： --- 《西方音乐的脉络：从格里高利圣咏到二十世纪的演变》 一部深入剖析西方音乐发展史、结构原理与审美哲学的宏伟著作 本书并非一本聚焦于某一特定技能训练的指南，而是一部旨在为音乐爱好者、理论学习者乃至专业音乐人提供全面、系统性知识体系的深度论著。它以宏大的历史视角为经，以精微的音乐元素分析为纬，构建了一幅清晰、立体的西方音乐文明发展图景。 第一部分：音乐的源流与中世纪的基石（约300字） 本部分追溯了西方音乐的古老源头，从古希腊的音阶理论与哲学思辨谈起，重点探讨了基督教音乐在早期欧洲社会中的核心地位。我们详尽阐述了格里高利圣咏（Gregorian Chant）的单音音乐特征、调式基础及其在礼拜仪式中的功能。 随后，我们将目光投向中世纪的音乐变革。如何从无谱记写走向纽姆记谱法（Neumes）的萌芽与成熟？圭多·达雷佐（Guido d’Arezzo）的贡献不仅仅在于四线谱的发明，更在于为欧洲音乐的精确传承奠定了技术基础。本部分深入分析了奥尔加农（Organum）的早期复调尝试，揭示了早期复调织体如何从平行进行逐渐发展出具有独立声部线条的复杂结构。我们考察了阿瑟·卢瓦尔（Ars Antiqua）与新艺术（Ars Nova）时期的重要作曲家，如佩罗坦（Pérotin）和纪尧姆·德·马肖（Guillaume de Machaut），解析了他们对节奏的精确划分和对固定形式（如经文歌 Motet）的革新。 第二部分：文艺复兴的和谐与理性之光（约350字） 文艺复兴时期是人文主义思潮全面渗透音乐领域的关键阶段。本章首先探讨了“模仿写作”（Imitatio）的普及，阐明了这种织体如何服务于文本的清晰表达和声部间的对话。我们深入分析了荷兰乐派作曲家如雅各布·奥布雷赫特（Jacob Obrecht）和若斯坎·德普雷（Josquin des Prez）的作品，解析了他们如何平衡声部独立性与整体和声的统一。 核心内容集中在弥撒曲（Mass）和牧歌（Madrigal）这两种体裁的演变。我们将通过具体的范例，剖析文本与音乐如何实现更深层次的结合，特别是“文字描绘”（Word Painting）在意大利牧歌中的广泛应用。 此外，本部分专题讨论了宗教改革与反宗教改革对音乐的影响。马丁·路德推行的德语圣咏对德语艺术歌曲的诞生起到了何种催化作用？而特伦特会议对教会音乐的规范化，又如何促进了帕莱斯特里纳（Palestrina）那种追求纯净、清晰音响的“罗马风格”的形成？本书致力于呈现这种时代精神与音乐实践之间的复杂互动关系。 第三部分：巴洛克的激情、结构与炫技（约400字） 巴洛克时期标志着音乐艺术的巨大转型，情感表达的直接性与结构上的宏大叙事达到了新的高度。本章首先剖析了歌剧的诞生——从佛罗伦萨卡梅拉塔（Camerata Fiorentina）的理论构想，到蒙特威尔第（Monteverdi）的实践突破。我们详细解析了宣叙调（Recitative）和咏叹调（Aria）在推动戏剧发展中的功能分工。 随后，重点转向器乐的独立与发展。大协奏曲（Concerto Grosso）和独奏协奏曲的曲式结构、赋格（Fugue）的逻辑严密性，以及巴赫（J.S. Bach）对对位法集大成式的运用，构成了本部分的核心议题。我们不仅分析了《平均律键盘曲集》的调性探索，更着重考察了其在织体布局上的数学美感与哲学意蕴。 此外，对于通奏低音（Basso Continuo）的原理、调性体系（Tonality）的最终确立，以及维瓦尔第（Vivaldi）等人在协奏曲体裁中确立的奏鸣曲式（Sonata Form）的雏形，本书亦进行了细致入微的梳理和阐释。 第四部分：古典时期的平衡、形式与清晰（约350字） 古典主义是“清晰性”与“比例感”的时代。本部分首先探讨了奏鸣曲式（Sonata Form）如何成为古典器乐的绝对核心。海顿、莫扎特和贝多芬如何通过呈示部、发展部和再现部的内部冲突与解决，构建出富有逻辑张力的篇章结构，本书将通过对三位大师代表作的对比分析，进行深入解读。 交响曲、室内乐（尤其是弦乐四重奏）的发展轨迹是本章的另一重点。我们分析了海顿如何将四乐章结构固化为标准范式，莫扎特如何将歌剧中的人性化笔触融入器乐创作，以及贝多芬如何通过拓展体量、打破既有规范，将古典形式推向了浪漫主义的边缘。 此外，本书还专设章节讨论了主调音乐（Homophony）在这一时期的统治地位，它如何取代了巴洛克时期对复调的偏爱，使旋律线条更加清晰、和声功能更加明确。对于钢琴在这一时期的地位提升及其对音乐创作的影响，我们也进行了详尽的描述。 结论：浪漫主义的解放与二十世纪的分野（约150字） 最后的篇章将视角拓展至浪漫主义的个性解放（如舒伯特、肖邦）及其对民族乐派（如德彪西、斯特拉文斯基）的深远影响。我们讨论了和声语言如何被极度拓展，调性色彩如何被模糊和解构，直至进入二十世纪，无调性、十二音体系等前卫技术对传统音乐的颠覆性冲击。 本书旨在提供一个连贯的框架，帮助读者理解每一个历史阶段的音乐规范是如何在技术、哲学与社会需求的交织中诞生、发展并最终被超越的。它提供的是一幅宏观的艺术地图，而非具体的技术工具箱。 ---

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计简直是匠心独运，封面那种低饱和度的莫兰迪色调，配上那种略带磨砂质感的纸张，初上手时就给人一种沉静而专业的印象。内页的排版也相当考究，五线谱的印刷清晰度极高，即便是长时间盯着看，眼睛也不会感到特别疲劳。我特别喜欢它在章节过渡页的设计，总是用一些极简的几何图形来引导读者的视线，这不仅划分了学习的节奏，更在视觉上提供了一种呼吸的空间。纸张的厚度适中，既能保证墨迹不会洇开，又不会让整本书显得过于笨重，方便我随时携带去琴房练习。唯一让我稍微感到遗憾的是，如果能在一些关键的和声进行示例旁边，附带一个QR码链接到官方的音频示范，那就更加完美了，毕竟听觉训练，纯粹的视觉呈现总归是缺少了一环。但就书籍本身的物理形态和设计美学而言，它绝对是市面上同类教材中的佼佼者，体现了出版方对音乐教育材料的尊重和细致打磨。它不仅仅是一本工具书，更像是一件可以陪伴学习者长期成长的艺术品，放在书架上也是一种视觉享受。

评分☆☆☆☆☆

这本书的语言风格非常平实、严谨，完全没有那种故作高深的学术腔调，但同时又充满了对音乐本质的洞察力。比如在讲解如何听辨大七和弦与小七和弦的区别时，作者没有直接抛出音程概念，而是用“明亮、稳定”与“略带紧张、需要解决”这样的感性描述作为铺垫，然后再精准地给出技术定义，这使得初学者也能很快抓住核心感觉。我曾尝试过几本国外的引进教材，它们的理论深度毋庸置疑，但往往因为文化和表达习惯的差异，读起来非常晦涩。而这本，显然是基于国内音乐教育的实际需求和教学惯例来编写的，它使用的术语和例子都非常“接地气”，让人感觉非常亲切和易于接受。对于自学或者希望查漏补缺的业余爱好者来说，这种清晰、不带偏见的叙述方式，无疑是最好的学习伴侣。它让你感觉，原来高深的和声理论，也可以被拆解成如此清晰可见的步骤。

评分☆☆☆☆☆

从性价比的角度来看，这本书的定价完全是物超所值。它提供的不仅仅是习题和理论说明，更是一种系统的学习方法论。我发现，与其他只提供音频或只提供习题册的材料不同，这本书非常强调“听觉-思维-书写/弹奏”的闭环训练。例如，在某一课时，它会要求你先听辨一段旋律，然后尝试默写出其上声部的进行，接着再根据你听到的内容，快速在键盘上实现一个符合听觉印象的和声配置，最后才是核对书本上的标准答案。这种多通道的刺激，极大地提高了学习效率。过去我常常是“听得懂，写不出”，或者“写得出，弹不出”，而这本书的综合性练习设计，有效地打通了这些关节。对于任何严肃对待音乐技能提升的人来说，这本教材提供的是一套经过深思熟虑、行之有效的训练体系，而非零散的知识点堆砌，绝对是值得投入时间和精力的好伙伴。

评分☆☆☆☆☆

我是一名音乐学院大二的学生，主修作曲与指挥，坦白说，我们专业的听觉训练课程压力一直非常大，尤其是面对那些复杂的四部和声进行和转位时，光靠课堂上的讲解往往是捉襟见肘。这本书的出现，简直是为我找到了一个“私人陪练”。它的难度递进设计得非常科学合理，从最基础的三和弦开始，逐步引入七和弦、副属和弦，再到各种经过音和不协和音程的处理，每一步都像是精密搭建的乐高积木，稳固而有逻辑。我尤其欣赏它在“听辨错误进行”这一章节中的编排方式，它没有直接给出标准答案，而是通过一系列引导性的问题，激发你去主动思考“为什么这个进行听起来不对劲”，这种启发式的教学方法，远比死记硬背规则有效得多。我用它来配合日常的视唱练习，发觉自己对和声色彩的敏感度有了质的飞跃，过去那些听起来模模糊糊的进行，现在能清晰地在脑海中勾勒出其声部进行的轨迹。它迫使我不仅仅是用耳朵去“听”，更是用“分析性的耳朵”去理解音乐的内在结构。

评分☆☆☆☆☆

我注意到这本书在练习材料的选择上，似乎非常注重古典主义和浪漫主义早期的作品语汇。这对我来说既是优点也是一个需要注意的地方。优点在于，这些时期的作品和声语言相对规范、结构清晰，非常适合作为建立基础听觉框架的“模具”。我反复练习那些巴赫和莫扎特风格的四部和声片段，发现自己的“内听”能力得到了极大的加强，能够很自然地想象出各个声部在不同和弦转换时的走向。然而，对于那些希望深入研究德彪西印象派或二十世纪和声语言的学习者来说，可能需要额外补充一些更具现代感的听觉材料。但话又说回来，万变不离其宗，这本书打下的坚实基础，绝对是理解更复杂和声系统的必要前提。它更像是一座牢固的桥梁，把你从简单的三和弦世界，稳步地引向结构复杂的音乐殿堂，是功底修炼的必经之路。