黑白江南(典藏版) 费振钟 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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费振钟 著

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店铺： 盛德伟业图书专营店

出版社： 浙江摄影出版社

ISBN：9787551415644

商品编码：29827176271

包装：平装-胶订

出版时间：2017-01-01

基本信息

书名:黑白江南(典藏版)

定价：88.00元

售价：57.2元,便宜30.8元,折扣65

作者:费振钟

出版社：浙江摄影出版社

出版日期：2017-01-01

ISBN：9787551415644

字数：

页码：

版次：1

装帧：平装-胶订

开本：16开

商品重量：0.4kg

编辑推荐

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内容提要

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江南风情万种，但骨子里是素色的，没有哪一种色调可以像黑与白一样合宜地再现江南的灵性。《黑白江南(典藏版)》将两百余幅黑白摄影作品与*名文人费振钟充满魅惑的文字糅合在一起，读者回味消失殆尽的影像和纯正的文字之美，于山水风景器用人物的描行状物间，深怀历史哀乐之叹。

目录

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·何处看桥·某个季节寻找一个茶馆和一位茶客·与瓦有关·青石小街·千年呢喃·挂满蓝花布的染坊·戏台·青色三月·小楼、杏花与插杏花的瓷瓶·乡儒们的理想家园·谁家庭院谁家花·阿香的花窗·卖木梳的青云·东山绣娘·午夜里的风灯或叶伯伯的粥担·坊间·关于一所旧宅院的真相·祠堂力量·说书人·黎里的三个老人·码头与一个男孩·古村的雨·为一棵香樟树感谢·去浣纱的地方·采桑的女人·江南可采莲·苎麻地！苎麻地！·随青溪沉入·三十六陂塘·无声的停泊·御码头、御诺与御诗碑

作者介绍

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文摘

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序言

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《山水长卷：中国古典绘画意境探微》 序言： 在中国浩瀚的艺术星河中，山水画以其独特的东方美学，独树一帜，历经千年的传承与发展，已然成为中华文化的重要载体。它不仅仅是对自然景物的客观描摹，更是画师内心世界、哲学思考、人生感悟的写意抒发。一山一石，一草一木，都蕴含着古人对宇宙万物的理解与对话。本书旨在深入探寻中国古典山水画的意境之美，从历史演变、笔墨技法、审美情趣、哲学思想等多个维度，揭示其深邃的内涵与独特的魅力。我们将跟随古往今来的画师，一同游历那水墨淋漓、云雾缭绕的画境，感受其中蕴藏的东方智慧与人文精神。 第一章：山水之魂——中国山水画的哲学根基 中国古典山水画的诞生与发展，与中国古代的哲学思想，特别是道家与儒家的思想观念，有着不可分割的联系。 道家的“道法自然”与“虚静”： 道家思想强调“人法地，地法天，天法道，道法自然”，认为自然界是宇宙万物存在的根本，也是最高的美学范本。山水画正是对这种“自然”的模仿与升华。画师们不再局限于具象的描绘，而是追求“得意忘形”，通过笔墨的挥洒，表达出隐藏在自然景物背后的“道”。“虚”是中国山水画中一个至关重要的概念，它体现在画面留白的处理上，这些“虚”的空间并非空无一物，而是充满了无限的想象可能性，引导观者进入一个空灵、宁静的境界，与自然进行心灵的对话，达到“坐忘”的哲学境界。山水画中的云、雾、水，以及画面的留白，都充分体现了“虚”的运用，它们弥漫、流动，既表现了自然的变幻莫测，也营造出一种超然物外的意境。 儒家的“天人合一”与“仁者乐山”： 儒家思想强调人与自然的和谐统一，认为人是大自然的一部分，应当顺应自然，与自然融为一体。“天人合一”的理念，使得山水画不仅仅是描绘自然，更是将人置于自然之中，体现人与自然的和谐共处。画中的山，往往巍峨壮丽，象征着君子的坚毅与担当；水，则灵动不息，寓意着智慧与德行。当观者在欣赏一幅山水画时，也仿佛置身于那山水之间，体悟到一种仁者的乐观与豁达。画师通过对山水的描绘，寄托着对理想人格的追求，以及对社会秩序与和谐的向往。 佛教的“禅意”与“空性”： 佛教传入中国后，也对山水画产生了深远影响。佛教强调“万法皆空”，认为一切事物都处于变化之中，无实体可得。这种“空性”的观念，与道家的“虚”在某种程度上契合，进一步深化了中国山水画的意境。“禅意”的山水画，常常表现出一种静谧、肃穆的氛围，观者在其中能感受到一种内心的平静与超脱，体悟到生命的无常与轮回。一幅幅画面，仿佛是画师在静修中的禅思，将观者带入一个涤荡心灵的禅境。 第二章：笔墨乾坤——中国山水画的艺术语言 笔墨是中国山水画的灵魂，是画师表达思想情感、创造意境的核心工具。不同的笔法、墨法，能够呈现出千变万化的视觉效果与精神内涵。 皴法的奥秘： “皴”是中国山水画中特有的技法，用以表现山石的纹理、质感和体积感。从北宋的“斧劈皴”、“披麻皴”，到元代的“解索皴”、“云头皴”，再到明清的“雨点皴”、“折带皴”，每一种皴法都独具特色，如同书法中的笔触，各有其韵味。例如，“披麻皴”如丝线般垂落，表现岩石的平缓柔和；“斧劈皴”则刚劲有力，刻画岩石的坚硬陡峭。皴法的运用，不仅是技巧的展现，更是画师对山石形态的深入观察与理解，以及对画面整体气韵的把握。 墨法的变化无穷： “墨”是中国山水画中最具表现力的色彩。从浓墨、淡墨、焦墨到湿墨、枯墨，墨色的浓淡干湿变化，能够营造出丰富的层次感和空间感。浓墨厚重，表现岩石的坚实体积；淡墨轻盈，描绘云雾的缥缈朦胧；焦墨枯涩，渲染出苍劲古朴的山峦；湿墨淋漓，则展现水流的灵动与润泽。墨色的微妙变化，使得画面既有立体感，又有空气感，仿佛能闻到泥土的芬芳，听到流水的声音。 笔法的刚柔并济： “笔”是中国山水画的骨骼，是线条的运用。线条的粗细、方圆、曲直、刚柔，都蕴含着画师的情感与力量。刚劲的线条如铁画银钩，表现山峦的巍峨挺拔；柔和的线条如行云流水，描绘山间的溪流与树木。笔法的变化，使画面具有了生命力，如同观赏一位书法家挥毫泼墨，感受其力透纸背的功力。 点景人物与烘托气氛： 在宏大的山水画中，常常点缀着渺小的人物，或渔舟唱晚，或隐士读书，或行旅之人。这些点景人物并非画面的主体，却起着画龙点睛的作用。它们的存在，不仅增加了画面的生活气息，更烘托出山水的雄伟壮阔，或宁静幽远。通过人物的活动，观者得以体会画师所要传达的生活情趣、人生哲学，以及人与自然的亲近关系。 第三章：意境之境——中国山水画的审美维度 中国山水画的魅力，很大程度上在于其所营造的“意境”，这是一种超越具体物象的、包含情感与哲思的艺术境界。 “象外之象”与“得意忘形”： 意境是中国山水画的核心追求。画师并非仅仅追求“形似”，更注重“神似”。通过对物象的提炼与夸张，以及对笔墨的巧妙运用，画面所呈现出的不仅仅是看得见的景物，更是画师内心的感受与精神的寄托。“象外之象”指的是画面所暗示的、未被直接描绘但能够被观者感受到的更深层次的意涵。“得意忘形”意味着当画师完全把握了景物的神韵与意趣后，便可以超越对形体的拘泥，以简练的笔墨传达出精髓。 “静”与“远”的哲学： “静”是中国山水画中反复出现的主题。画师通过描绘幽静的山林、清澈的溪水、空灵的云雾，营造出一种宁静、安详的氛围，引导观者在喧嚣的世界中找到片刻的宁静，反思内心。而“远”则体现在画面的空间感上。层层叠叠的山峦，蜿蜒的溪流，云雾缭绕的远山，都营造出深邃的意境，使观者仿佛能够超越眼前，进入一个辽阔而悠远的境界。这种“远”，既是空间上的距离感，也是精神上的超脱感。 “情”与“理”的交融： 中国山水画是“情”与“理”的完美结合。画师将对自然的观察与感悟，融入个人的情感之中，通过笔墨得以抒发。山水的壮丽使人产生敬畏之情，山水的秀美使人感到愉悦，山水的幽深使人产生遐想。同时，山水的描绘也蕴含着深刻的哲学道理，如“仁者乐山，智者乐水”的智慧，“损益”与“循环”的自然规律。画师在描绘自然的同时，也在解读着宇宙人生的道理。 “可游可居”的理想空间： 中国古典山水画往往描绘着理想化的自然空间，这些空间既是自然之景，也是人文精神的寄托。“可游”意味着画面所营造的景致，能够引导观者在精神上漫游其中，感受其山水的灵动与秀美。“可居”则更进一步，表达了画师对隐逸生活、返璞归真的向往，希望能在这样美好的山水中获得精神的栖息与安宁。这些理想化的山水，是中华民族特有的文化情结的体现，是对美好生活与精神家园的永恒追求。 第四章：历史脉络——中国山水画的传承与演变 中国山水画的发展并非一成不变，而是经历了漫长的演变过程，每个时代都有其独特的风格与侧重点。 早期探索与萌芽： 在汉代，山水画已开始在青铜器、画像石上出现，但多以简单线条勾勒，尚未形成独立的画种。魏晋南北朝时期，随着玄学的发展，人们开始关注自然之美，山水画逐渐独立，出现了顾恺之、宗炳等早期山水画的先驱，他们开始注重表现山水的精神气韵。 北宋的黄金时代： 北宋是中国山水画的鼎盛时期。以范宽、郭熙、李唐等为代表的画家，开创了雄浑壮丽、气势磅礴的山水画风。他们精于写实，善于表现山水的宏伟气势与层次感，创作出如《溪山行旅图》、《早春图》等不朽名作。这一时期的山水画，强调“山水为画，而画有山水之意”，注重表现自然的客观真实与画师的主观感受。 南宋的文人情怀与简笔水墨： 南宋时期，面对国破家亡的现实，山水画风格转向含蓄、婉约，更加注重表现画师的个人情怀与意趣。马远、夏珪等画家创造了“一角山水”、“残山剩水”的画风，画面构图简洁，意境深远，富有诗意。这一时期的山水画，更侧重于笔墨的情感表达与意境的营造。 元代的尚意与写意： 元代，文人画兴盛，山水画更加强调“尚意”，即表现画师的个性和情趣。黄公望、倪瓒、王蒙等“元四家”的出现，使得山水画更具文人气质，风格多样。他们的作品，或清秀雅逸，或苍劲古朴，注重笔墨的自由挥洒与意境的表达，将山水画推向了一个新的高度。 明清的继承与创新： 明清时期的山水画，在前代的基础上，既有继承，也有创新。浙派、吴门画派、四王等流派纷纷涌现，风格各异。晚明时期，董其昌提出“南北宗”论，对山水画的发展产生了深远影响。明清山水画在继承古典传统的同时，也融入了更多的个人情感与时代特征，使得山水画的意境更加丰富多元。 结语： 中国古典山水画，是一部流动的史诗，一首无声的诗歌，是一面映照中国人心灵的镜子。它所蕴含的哲学智慧、艺术语言、审美情趣，至今仍闪耀着独特的光芒，为我们提供了理解自然、理解人生、理解中华民族精神的宝贵视角。在现代社会，重温这些山水画，不仅是对艺术的欣赏，更是对传统文化的传承与对内心世界的探寻。愿本书能引领读者走进那水墨淋漓、意境深远的中国山水世界，感受其永恒的艺术魅力与深刻的思想内涵。

评分☆☆☆☆☆

这是一次非常独特的感官体验，它挑战了我以往对艺术品鉴的认知。起初，我有些犹豫，黑白是否会显得过于单调？然而，当展现在我眼前的画面，完全打消了我的疑虑。费振钟先生的“黑白江南”，是一种极致的减法，却带来了无限的想象空间。他并非简单地将彩色世界剥离，而是通过对线条、光影、块面的精准把握，将江南的神韵提炼出来。画面中的每一处留白，都充满了呼吸感，仿佛能听到风吹过竹林的声音，感受到雨丝落在青石板上的清凉。我尤其欣赏那些对人物神态的捕捉，即使没有色彩，也能感受到他们的喜怒哀乐，他们的生活气息。这种“写意”的手法，既有东方的含蓄，又有现代的简洁。它让我意识到，真正的艺术，不在于多，而在于精；不在于彩，而在于韵。这本书，是一次对江南灵魂的深情致敬，也是一次对艺术本源的探索。

评分☆☆☆☆☆

这是一次极其意外的阅读体验，我本以为这会是一本描绘江南风光的写实画集，但当我真正沉浸其中，才发现它远不止于此。费振钟先生的“黑白江南”，更像是一种对生命、对过往的沉思与回响。那些黑白交织的画面，并不是简单地记录，而是充满了作者的情感投射和哲学思考。我仿佛能从那些模糊的线条和块面中，窥探到一种淡淡的忧伤，一种对逝去时光的眷恋，又或者是一种对永恒的追寻。这种意境的营造，非常深刻。它没有明确的叙事，却能触动我内心深处最柔软的部分。有时候，我会对着一幅画久久凝视，试图去理解画面背后的故事，去感受艺术家想要传达的那种情绪。这种“无声胜有声”的表达方式，正是这本书最迷人的地方。它鼓励我进行一种自我对话，在黑白的静默中，去寻找属于自己的答案，去感悟生命的真谛。读完之后，我感觉到一种平静，一种洗尽铅华后的清澈。

评分☆☆☆☆☆

这本书带给我的震撼，是一种完全颠覆性的。在此之前，我对于“江南”的理解，大多停留在文学作品中那些如诗如画的描绘，或者是相机镜头下那些色彩斑斓的现代景观。然而，费振钟先生用他独到的视角，将江南的灵魂剥离出来，呈现在我们面前。黑白，恰恰是剥离一切浮华，回归本质的最佳载体。他捕捉到的，是江南最原始、最纯粹的气质。那种江南，是关于时间的流动，是关于人与自然的和谐，是关于一种深沉而内敛的文化底蕴。我看到画面中那些若隐若现的远山，仿佛能听到岁月的低语；看到那些静止的水面，仿佛能感受到生命的力量在暗流涌动。每一个细节都经过了深思熟虑，每一个构图都充满了艺术的张力。这本书，让我看到了一个不一样的江南，一个超越了形色，直抵精神的江南。它让我意识到，真正的美，往往蕴藏在最简单、最纯粹的事物之中。

评分☆☆☆☆☆

初次翻开这本书，就如同置身于一个遥远而熟悉的梦境。扉页上那个熟悉的名字，带着一种沉淀已久的力量，缓缓展开了一幅令人心醉的画卷。我从未想过，黑白二色竟能如此淋漓尽致地描绘出江南的万种风情。那些细密的水纹，仿佛还能听到潺潺的流水声；那些飞檐翘角，似乎还能感受到古老建筑的呼吸。每一幅画面都如同精心打磨的玉石，温润而富有生命力。费振钟先生的笔触，说是寥寥几笔，却又饱含深情，勾勒出江南水乡特有的婉约与宁静。我尤其喜欢那些对光影的处理，即使是黑白，也分出了层次，有了深度，让整个画面有了立体感，仿佛真的能透过纸张，触摸到湿润的空气，闻到泥土和青草混合的气息。这是一次视觉的盛宴，更是一次心灵的洗礼。它让我重新审视了“江南”这个词的含义，不再仅仅是地理上的一个概念，而是一种情怀，一种意境，一种深深烙印在骨子里的温柔。这本书，与其说是一本画册，不如说是一本心灵的地图，指引着我回到那个最纯粹、最动人的江南。

评分☆☆☆☆☆

怀着一种朝圣般的心情，我翻开了这本书。费振钟先生的名字，本身就带着一种重量，而“典藏版”三个字，更是增添了几分期待。当我看到书中的每一幅作品时，我感到一种由衷的敬畏。这不仅仅是技艺的展现，更是一种情感的积淀，一种对生命的热爱。他用黑白两色，描绘出了江南的诗意，也描绘出了人生的况味。那些错落有致的建筑，那些蜿蜒曲折的河流，那些稀疏点缀的树影，都充满了故事感。我仿佛能听到吴侬软语，闻到桂花飘香，感受到那种“小桥流水人家”的闲适与安逸。但同时，我又从这些画面中读出了一种力量，一种坚韧，一种不屈。黑与白的碰撞，既是宁静的，又是充满张力的。它让我思考，在纷繁的世界里，如何才能保持内心的纯净与安宁。这本书，是艺术的瑰宝，也是人生的启迪。