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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787552312317

商品编码：29866864034

丛书名： 跳动的尼龙

规范与禁忌
关于双手
关于身体
关于持琴——三角形
左手
手指的放置与准确度
压弦与放松
压弦／放松练习
手指变换
上行圆滑奏(击弦)
下行圆滑奏(拨弦)
手指的独立性
**条
第2条
第3条——相向移动练习
第4条——水平方向练习
第5条——阿萨德*喜爱的练习
第6条——“蜘蛛练习”
横按
重量与压力
选择
总结
《十字路口的困惑》(安德鲁·约克的一首四声部左手练习曲)
《号曲》(布赖恩·海德的一首圆滑奏练习曲)
右手
声音的产生
指甲的长度与形状
指甲长度
指甲类型
修理指甲
角度与位置
靠弦奏法(阿波阳多奏法)
位置
动作
预置手指
压弦
放弦
不靠弦奏法(泰伦多奏法)
右指独立性练习
琴弦漫步、变体
塔雷加的琶音练习：综合技巧练习
拇指
修整指甲
开发拇指
弗拉门戈技巧
拇指还能做什么？
《索利亚列斯·佛雪踏》
拇指轮拨
《拇指轮拔·佛雪踏》
轮扫
一些实例
摘自图里纳的《塞维利亚娜》
摘自图里纳的《疾风》
摘自罗德里戈的《阿兰胡埃兹协奏曲》第二乐章
每日热身常规练习
左手漫步——**条、第2条和第3条
上行圆滑奏——第4条
下行圆滑奏——第5条
三连音——第6条
固定手指练习——第7条和第8条
右手漫步——第9条
两根手指的轮扫——**0条
颤音
心理认识
练习
不平衡的颤音
布赖恩的《圣歌》：颤音练习
音阶：控制和速度
关于速度的误解
右手速度
同步
右手换弦
各要素的综合
其他关于速度的辅助练习
节奏变体
速度爆发
音阶难题的解决
标注右手换弦
音阶的演化
音阶练习曲：《第二库朗特舞曲》
(改编自《**帕蒂塔》(BWV1002)之《库朗特舞曲》，J．S．巴赫)
琶音
整体预置琶音指法与分解预置琶音指法
朱利亚尼的《120条右手练习》
练习提示
安德鲁·约克的《教学随笔》
编后语
演出焦虑
练习
灵感
结语

......

 

·······

《指尖的咏叹调：现代吉他演奏技法与风格探索》 一部超越古典框架，直抵音乐灵魂的吉他进阶指南 本书并非对古典吉他传统教学体系的重复或变奏，而是一次对吉他艺术更广阔疆域的深入探索。它摒弃了传统教程中对基础指法和初级乐理的冗余叙述，将视角聚焦于现代吉他演奏的复杂技巧、跨流派的音乐融合，以及演奏者个人风格的深度塑造。如果你已经掌握了尼龙弦拨弦的基本功，渴望将吉他从“古典”的藩篱中解放出来，这本书将为你打开一扇通往无限可能的大门。 --- 第一部分：超越基础——现代演奏技艺的精深化（约400字） 本部分专注于将演奏者推向技术精湛的“演奏家”层面，而非仅仅是“熟练者”。我们不讨论如何按弦，而是探讨如何让每一次按弦都充满色彩和控制力。 1. 精确的触弦动力学与音色雕塑 传统教程关注音量和清晰度，本书则深入研究拨弦瞬间与指肉、指甲、琴弦的接触角度、力度曲线，如何直接影响音色的细微变化——从温暖如大提琴般的柔和低音，到清脆如钟声般的高音穿透力。我们将详细剖析“倾斜拨弦”（Slanting）与“垂直拨弦”（Perpendicular）在不同音阶和琶音中的应用，以及如何利用指甲的边缘角度实现更细腻的“扫弦”效果（Brush Stroke）。 2. 复杂的左手控制与现代和弦体系 抛开标准开放和弦，本书致力于现代爵士、融合音乐中常见的色彩和弦（Tension Chords）的精确把握。重点讲解无品记号（Fretless）推弦（Bending）在非传统曲目中的应用，以及如何在高把位实现无缝的连奏（Legato），包括精确控制左手指尖对琴弦的“微按摩”（Micro-vibrato）以增加音符的持续感。我们将提供一套系统化的多指模指法练习，旨在打破传统指法在快速半音阶或不规则音型中的局限性。 3. 节奏的解构与重构 现代音乐对节奏的精确性要求极高。本书提供了一套针对复合拍号（如5/4, 7/8）和不规则切分音的听觉训练方案。我们将使用复杂的多重节奏型（Polyrhythm）练习，教会演奏者如何在保持主体律动的同时，精确地在指尖制造出“错位”的律动感，这对于演奏拉丁爵士或前卫音乐至关重要。 --- 第二部分：风格的融合——跨界音乐语言的习得（约550字） 古典吉他技巧是基石，但真正的“吉他大师”必须掌握多种语言。本部分是本书的核心，旨在拓宽演奏者的音乐视野，打破风格壁垒。 1. 弗拉明戈的激情与即兴精髓 本书将弗拉明戈视为一种高能量的演奏技术体系。我们不教授传统的“Rumba”或“Soleá”套路，而是深入探讨“Golpe”（击板）技巧的力度控制，以及如何在“Picado”（快速轮指）中保持极高的清晰度和爆发力。重点在于分析如何利用“Tremolo”（轮指）来模仿人声的颤音和乐器的延音，并提供一套即兴填充（Fills）的“模态化”训练，用于快速切换情绪。 2. 爵士与布鲁斯的和声语汇 吉他在爵士乐中扮演着核心角色。我们将分析“Walking Bass Line”（行走贝斯线）在独奏中的实现方式，以及如何将和声色彩（如Add9, Maj75, Sus4b9）自然地融入指弹演奏中，使其听起来既复杂又流畅。书中收录了大量“Drop 2”与“Drop 3”和弦的指型在指板上的移动练习，确保演奏者能够在即兴时瞬间调用正确的和声结构。 3. 电声乐器的音色移植与指弹的“失真感” 如何用尼龙弦模拟出原声或电吉他的特定音色？我们将探讨琴弦材质与拾音器的互动关系，并教授特定的拨弦技巧，模拟电吉他的“延迟”（Delay）和“混响”（Reverb）效果，通过精准的闷音（Palm Muting）的力度变化，创造出类似“失真”（Distortion）的颗粒感，这在现代指弹（Modern Fingerstyle）中极为重要。 --- 第三部分：作品解析与个人化表达（约550字） 理论和技巧的终极目标，是创造出属于自己的声音。本部分引导演奏者从被动的模仿者，转变为主动的音乐阐释者。 1. 现代指弹大师的作品深度剖析 本书选取了几位非古典体系的指弹巨匠（如Michael Hedges, Andy McKee, Tommy Emmanuel等）的代表作，进行结构化、技术层面的拆解。我们不只是给出乐谱，而是分析他们如何运用“敲击”（Tapping）来制造多声部效果，如何利用“开放调弦”（Alternate Tunings）来解决传统调弦下的技术难题。重点在于理解他们“创作意图”背后的技术逻辑。 2. 开放调弦系统的系统性构建 标准调弦限制了许多音乐的可能性。本书提供了一套基于不同调弦目标（如低音延展、和声丰富性、特定打击乐效果）的调弦矩阵。我们将详细解释DADGAD、Open C、以及为特定曲目定制的非常规调弦的音高关系、指法调整和和声潜力，并教授如何快速适应新调弦下的演奏手感。 3. 声音的哲学：构建你的“指纹” 最后，本书探讨的是最难量化的部分——演奏的个性化。我们引导读者审视自己的技术习惯、对节奏的偏好以及情感表达的倾向。通过一套“自我反馈”练习（如录音后对比专业演奏者的音色差异分析），帮助演奏者有意识地选择保留哪些技术特点，舍弃哪些限制性习惯，最终形成无法被他人复制的独特演奏声音（Sonic Signature）。这本书不是要你弹得像某人，而是要你成为你自己的吉他声音。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版和纸张质量，虽然初步看起来还过得去，但在实际使用过程中暴露出了不少问题，尤其是在需要长时间阅读和对照指法时，体验感直线下降。首先是谱面空间感问题。很多地方的五线谱和六线谱（如果包含了和弦图的话）挤压得非常紧凑，尤其是一些复调作品，声部间的线条纠缠在一起，初学者很难快速捕捉到旋律的主次关系。更要命的是，使用的纸张似乎没有做很好的消光处理。在靠近窗户或者在室内灯光下翻阅时，纸张会产生明显的反光，导致我必须不断地调整角度才能看清那些细小的记号和快速移动的音符。对于吉他谱这种需要眼睛精确追踪的材料来说，这一点是致命的缺陷。一本好的教材应该考虑到长时间学习的视觉疲劳问题，采用哑光纸并保证充足的留白。这本书在这些细节上的疏忽，使得原本就具有挑战性的学习过程，又增加了一层物理上的障碍。我不得不经常用铅笔在旁边空白处记录自己的指法提示，以应对原谱面的信息密度过高。

评分☆☆☆☆☆

这本书拿到手里，首先映入眼帘的是那扎实的装帧和相对清晰的字体排版，看得出在实体制作上是下过一番功夫的。我本来是想找一本能系统梳理一下入门基础的教材，毕竟古典吉他这玩意儿，指法和持琴姿势的正确性决定了未来能走多远。然而，翻开目录后，我立刻感觉到一种强烈的“信息过载”感。它似乎想把所有能想到的东西都塞进来，从最基础的空弦音准校正，到巴赫赋格的指法分析，都被堆砌在一起。对于一个初学者来说，这种广度带来的不是全面，而是迷失。比如，关于右手拨弦技巧的讲解，理论部分写得非常晦涩，什么“指甲与指肉的接触角度最优解”之类的描述，读起来像是某种物理学论文，而不是一个音乐教学指南。我更希望看到的是清晰的、带有大量乐谱示例和慢速示范视频（虽然这本书是纸质的，但文字描述应该更具指导性）的循序渐进的步骤。特别是关于颤音的练习部分，仅仅给出了一个抽象的图示，完全没有提到如何逐步放松手腕肌肉来达到稳定而富有颗粒感的音色。这本书更像是一本“古典吉他知识大百科全书”，而不是一本“手把手带你学会弹奏”的教程。对于那些希望快速上手、建立扎实基础的爱好者来说，可能需要搭配其他更聚焦于初级实操的资料一起使用。

评分☆☆☆☆☆

这份资料的选曲部分，说是涵盖了初中级到中高级的曲目，但实际的难度梯度设置简直是断崖式的。我从第一个乐章开始练习，一些看似简单的练习曲，比如某位意大利作曲家的练习曲，它的节奏型和指法要求就已经超出了我预期中“初级”的范畴。当我好不容易攻克了前几首曲子，想进入所谓的“中级”篇章时，难度系数直接飙升到了一个令人望而生畏的水平。比如，其中收录的一首西班牙风格的小品，要求极高的左手大横按和快速的换把位技巧，这对于一个还在为清晰地拨出每一个音符而努力的琴手来说，无疑是泼了一盆冷水。更让我感到不解的是，很多曲谱后面并没有附带任何演奏提示或者指法标注。古典吉他的指法标记（如PIMA的运用、连奏、倚音的处理）至关重要，它们是作曲家意图的体现，也是演奏流畅性的关键。这本书似乎默认读者已经具备了相当的阅读能力，能够自行判断和解决这些技术难题。这使得它更像是一本“曲谱集”，而非“教学书”。如果出版社能在难度衔接处增加过渡性的练习，或者对高难度曲目提供更详尽的指法注释，这本书的实用价值会大大提升。

评分☆☆☆☆☆

谈到“跳动的尼龙”这个名字，我本以为这本书会着重体现古典吉他演奏中那种热情洋溢、富有生命力的特质，期待能找到一些关于音乐表现力（Expression）的深入探讨。但实际上，这本书更偏向于“机械性”的训练。关于音乐性的讲解，几乎全部被降格为对乐曲风格的简单介绍，比如“这是一首慢板，请慢速演奏”或者“此段需要热情”。真正关于如何通过拨弦的力度变化、音色的调整（比如从Sul Ponticello到Sul Tasto的变化），或者如何处理休止符来创造空间感和张力的描述，几乎找不到。它更关注“你能不能把这些音符弹对”，而不是“你弹出的这些音符如何打动人”。这对于那些希望通过吉他来表达情感的演奏者来说，是非常大的遗憾。这本书似乎将古典吉他视为一种需要精确执行的古典工艺，而非一种充满激情的艺术表达媒介。它提供了大量的“骨架”——指法和音符，但缺乏赋予这些骨架“血肉”——音乐灵魂的指导。因此，我感觉自己像是得到了一个非常详尽的建筑蓝图，但却没有学习如何去设计和美化内部装修的课程。

评分☆☆☆☆☆

我对这本书的“技术手册”定位感到十分困惑。我期待的是那种能够深入剖析特定演奏技巧的专著，比如关于音色控制的科学原理，或者不同历史时期演奏风格的演变。然而，这本书在这方面的论述显得非常浅尝辄止，甚至是互相矛盾。例如，在谈到持琴姿势时，它一方面强调了传统西班牙式坐姿的稳定性，另一方面又在后续的某一章节中暗示了现代辅助装置（如脚凳或支撑架）的必要性，但却没有深入对比这两种方式对音色、耐力和演奏效率的具体影响。更别提关于音准处理的篇幅了。古典吉他的有效音高控制是一个永恒的难题，需要依赖指尖的压力、按弦的位置以及耳朵的训练。这本书只是简单地提到了“确保按弦位置靠近品丝”，这种忠告对于任何一个学过乐理的人来说都是常识。我希望看到的是关于如何通过调整左手肌肉的细微变化来微调音高的具体训练方法，而不是停留在表面的口号式指导。它更像是一本拼凑起来的资料汇编，缺乏一个统一且深入的技术哲学指导内核。