全国音乐院系教学总谱系列：德彪西弦乐四重奏（Op.10） pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

[法国] 德彪西 著

图书标签:

• 德彪西
• 弦乐四重奏
• 古典音乐
• 音乐作品
• 乐谱
• 室内乐
• Op
• 10
• 法国音乐
• 印象主义音乐
• 音乐教学

出版社： 湖南文艺出版社

ISBN：9787540442095

版次：1

商品编码：10818011

包装：平装

开本：16开

出版时间：2008-10-01

页数：50

正文语种：中文

内容简介

《全国音乐院系教学总谱系列：德彪西弦乐四重奏（Op.10）》共介绍四部分，分别为：Anime et tres decide，Assez vif et bien rytme，Andantion，doucement expressif，Tres modere等内容。

作者简介

阿希尔·克劳德·德彪西，Achille-Claude Debussy，1862～1918法国作曲家，音乐评论家，在三十余年的创作生涯里，形成了一种被称为“印象主义”的音乐风格，对欧美各国的音乐产生了深远的影响。第一次世界大战期间，他写过一些对遭受苦难的人民寄予同情的作品，创作风格也有所改变。此时他已患癌症，于1918年德国进攻巴黎时去世。

目录

Ⅰ.Anime et tres decide
Ⅱ.Assez vif et bien rytme
Ⅲ.Andantion，doucement expressif
Ⅳ.Tres modere

全国音乐院校教学参考丛书：巴赫对位法精讲与实践 丛书主编： [此处可填写知名音乐教育家姓名] 本书作者： [此处可填写资深音乐理论家或作曲家姓名] 字数： 约 500 页 装帧： 精装，附赠数字资源包（包含所有乐谱示例的 MIDI 与音频文件） 定价： [请根据实际情况填写] --- 内容概述 《全国音乐院校教学参考丛书：巴赫对位法精讲与实践》是一部立足于严谨学术精神，同时充分考虑当代音乐教育需求的权威性教材。本书旨在为高等音乐院校的作曲、音乐学、音乐教育及相关专业的学生，提供一套系统、深入且高度实用的巴赫对位艺术学习路径。它不仅是对约翰·塞巴斯蒂安·巴赫（J.S. Bach）创作技法的一次全面梳理，更是一本将历史遗存的复调智慧转化为现代创作工具的实践手册。 本书的核心理念在于“理解与应用并重”。我们坚信，掌握对位法不仅是理解巴洛克音乐的关键，更是通向所有复调音乐（包括20世纪和当代音乐）创作的必经之路。因此，本书的结构设计力求逻辑清晰，从最基础的要素分析，逐步过渡到复杂的范例解析和创作实践。 第一部分：对位法的历史语境与基础要素 本部分首先将读者带入18世纪上半叶的欧洲音乐历史背景中，阐述对位法（Counterpoint）在文艺复兴晚期至巴洛克早期的演变轨迹，并重点分析了其在路德宗礼拜音乐和键盘作品中的核心地位。 1. 对位法的定义与历史脉络： 区分皮尔松（Fux）的理论框架与巴赫的实际应用差异。 2. 音高与节奏的精确控制： 详细讲解调式（教会调式与大小调体系的过渡）、音程的稳定性和不和谐音的解决机制。 3. 节奏的独立性与统一性： 深入探讨节奏型（Rhythmic Motives）的构建、对置（Anticipation/Delay）以及等值节奏的运用，强调巴赫作品中“节拍的律动感”的来源。 第二部分：严格对位：二、三、四声部对位技术 这是本书的理论核心，严格遵循古典对位法教学的经典结构，但结合了大量巴赫亲自创作的实例进行对照分析，确保理论与实践的无缝衔接。 1. 第一、二、三、四种作法（Species Counterpoint）： 详尽解析每种作法的规则、目标及在巴赫作品中的实际体现（例如，如何将严格的二部对位应用于《平均律键盘曲集》中的赋格主题）。 2. 不协和音的种类与处理： 系统归类巴赫常用的所有经过音、预付音、倚音和颤音（Suspensions），并提供专门练习，要求学生不仅要“解决”不协和音，更要“选择”最富表达力的不协和音。 3. 对题（Countersubject）与主题的发展： 重点分析如何从一个简单的旋律动机中衍生出具有对比性但又和谐统一的对题，这是三声部以上复调织体的基础。 第三部分：巴赫复调的精髓：卡农与赋格 本部分是本书价值的集中体现，直接面向巴赫最成熟的复调技法——卡农（Canon）与赋格（Fugue）——进行拆解与重构。 1. 卡农技巧的精深应用： 详细剖析各种卡农形式（如：同度卡农、转位卡农、逆行卡农、增值/减值卡农），以《音乐的奉献》（Musical Offering）中的复杂卡农为例，展示巴赫如何挑战并超越了当时所有的对位极限。 2. 赋格的结构解析： 主题（Subject）与呈示部（Exposition）： 分析主题的“可塑性”（Subject Flexibility）及其对位潜能。 应答（Answer）的类型与处理： 严格辨析真实应答（Real Answer）与移位应答（Tonal Answer）的理论依据和听觉效果。 间奏（Episode）的构建： 阐述间奏并非简单的“过渡”，而是通过主题片段（Motive）的序列和模进而实现的“结构性发展”。 中、后期的技巧： 深入探讨双赋格、三重赋格、倒影赋格（Stretto）的创作原理，特别是对位层级的叠加与穿插。 第四部分：实践与拓展：从理论到创作 本部分旨在将理论知识转化为作曲家的直觉和技能，指导学生进行创作性的应用。 1. 巴赫式的织体转换： 探讨如何将传统对位原则应用于非巴洛克风格的作品中，例如： 将二部对位应用于浪漫主义晚期的和声背景下。 将赋格主题应用于三拍子或自由节奏的音乐中。 2. 声部写作的平衡艺术： 讨论如何在保持对位清晰度的同时，实现不同声部（人声或器乐）的音域平衡与演奏可行性。 3. 创作练习集（附带详细的解题思路）： 提供一系列从简到繁的练习任务，要求学生模仿巴赫的特定风格片段进行创作，并附带作者提供的范例解析，解释其选择特定音型和解决不协和音的理由。 --- 本书特色与价值 深度溯源与现代结合： 本书不满足于复述皮尔松的《对位法教程》，而是以巴赫的全部管风琴、键盘、清唱剧及室内乐作品为主要分析蓝本，确保所学技法具有无可辩驳的“有效性”和“生命力”。 严谨的图表与可视化分析： 包含大量定制的图表，清晰标注了所有不协和音的位置、处理方式、主题的模进路径，以及卡农的转位关系，极大地辅助了视觉学习者。 创作导向： 相较于纯粹的历史分析，本书更侧重于“如何做”，强调对位技法是提升音乐想象力的工具，而非僵化的教条。 数字化配套资源： 随书附赠的数字包不仅包含所有乐谱示例的高质量打印版，还提供专业录音和MIDI文件，允许学习者实时听取不同声部是如何相互作用的，尤其对于复杂的四声部以上对位和倒影赋格的理解至关重要。 本书是每一位致力于掌握西方音乐复调传统精髓的音乐学生和教师不可或缺的案头工具书。通过系统学习，读者将能够真正掌握巴赫音乐的内在逻辑，并将其内化为自身独特的创作语言。

评分☆☆☆☆☆

对于德彪西的《G小调弦乐四重奏》（Op. 10）的研究，我一直抱持着一种既敬畏又好奇的态度。这部作品在我心目中，不仅仅是一首静态的乐谱，更是一个动态的、充满生命力的有机体。它的结构并非是传统意义上的僵硬框架，而是更加自由、流动，充满了偶然性与必然性的奇妙结合。从作品的整体把握上看，德彪西似乎打破了奏鸣曲式的惯性，将更注重色彩、氛围和情感的表达置于优先地位。他对于和声的运用，尤其是在色彩和声方面的探索，对后世产生了深远的影响。我特别喜欢作品中那些看似不经意，实则经过精心设计的动机发展，它们如同种子一般，在不同的乐章中以变幻莫测的形式重新出现，却又总能唤起熟悉的感觉，形成内在的统一性。这种“碎片化”的音乐语言，在当时无疑是革命性的，它预示着音乐表现力将更加趋向于主观感受和心理描绘。而对位法的处理，也并非是单纯的模仿或赋格，而是更加灵活，服务于整体的织体和音响效果。有时是巧妙的交织，有时是独立的平行，总之，每一种处理都恰到好处，赋予了乐器之间最完美的对话。这部作品的魅力，在于它能够在听众心中激起无限的遐想，它提供了一个开放的音乐空间，让每个人都能在其中找到属于自己的情感出口。

评分☆☆☆☆☆

一直以来，德彪西的《G小调弦乐四重奏》（Op. 10）都是我最为珍爱的室内乐作品之一。它就像一位来自梦境的精灵，用色彩斑斓的音符编织出令人心醉的法国印象派画卷。初次接触这部作品，便被其流畅的旋律、丰富的情感变化以及精妙的对位技法深深吸引。四部乐器如同四位舞者，时而翩翩起舞，时而深情对视，共同构建了一个充满想象力的音乐世界。第一乐章的“柔板”与“稍快板”的交织，仿佛是晨曦初露时，阳光穿透薄雾，勾勒出朦胧的山峦剪影；第二乐章的“活跃的快板”，充满生机与活力，犹如夏日午后，微风拂过麦浪，带来阵阵清爽；第三乐章的“如歌的慢板”，则是一首忧伤而宁静的夜曲，月光洒在平静的湖面上，荡漾起层层涟漪，思绪也随之飘远；而第四乐章的“非常活泼的快板”，则将整部作品推向高潮，热情奔放，充满着生命的张力，如同夏夜绽放的烟花，绚烂而短暂，却留下永恒的记忆。这部作品的编配非常巧妙，每个声部都既独立又相互依存，展现了德彪西在高超的配器技巧和音乐结构上的造诣。每一次聆听，都能发现新的细节，感受到新的情感共鸣，仿佛在与一位伟大的艺术家进行着跨越时空的对话。

评分☆☆☆☆☆

我曾有幸参加过一次由著名乐团演奏的《G小调弦乐四重奏》（Op. 10）的现场音乐会。那一晚的体验，至今仍让我难以忘怀。指挥家与演奏家们对这部作品的理解和演绎，堪称登峰造极。他们并非仅仅是将音符准确地演奏出来，而是将德彪西笔下的每一个乐句、每一个和弦都赋予了生命与灵魂。小提琴手细腻的情感处理，大提琴浑厚的共鸣，中提琴温暖的音色，小提琴中提琴之间若即若离的呼应，都如同画家笔下最生动的色彩。在第一乐章，他们捕捉到了德彪西那种朦胧而又充满诗意的开端，仿佛能闻到空气中弥漫的淡淡花香。第二乐章的活力被展现得淋漓尽致，每一个起伏都充满了自然的律动感。最令人震撼的是第三乐章，那种深沉的忧伤和内敛的思绪，被演奏得如此到位，仿佛能听到音乐家们内心深处的叹息。而最后的乐章，则是一场能量的爆发，充满了惊喜和对生命的热情。那晚，我感觉自己完全沉浸在了德彪西构建的音乐世界里，忘记了周围的一切，只是纯粹地感受着音乐带来的震撼。这种身临其境的体验，比任何录音都要来得真实和深刻，让我对这部作品有了更深层次的理解和喜爱。

评分☆☆☆☆☆

在学习声乐的过程中，我常常会回溯一些经典的室内乐作品，试图从中汲取养分，理解人声与器乐之间的微妙联系。德彪西的《G小调弦乐四重奏》（Op. 10）便是其中一部常被我参考的典范。这部作品的写作，充分体现了对乐器性能的深刻理解，以及如何通过乐器的组合来营造出丰富的音响层次和情感色彩。它给了我一个重要的启示：音乐的表达不仅仅在于旋律的优美，更在于音响的质感、色彩的变化以及不同声部之间的互动。在声乐演唱中，我们同样需要注重声音的色彩、情感的传递以及与伴奏乐器的默契配合。德彪西在处理弦乐四重奏时，那种细腻的触键、对音色的精妙控制，以及乐句之间的连贯性，都与声乐演唱中的呼吸、吐字、情感连接有着异曲同工之妙。例如，作品中那些飘忽不定的音高、模糊的界限，以及不断变化的节奏，都像是在模拟人声的情绪波动，传递着某种难以言喻的心境。这部作品就像一堂生动的音乐课，教会我如何在音乐的海洋中，捕捉那些最细微的、最动人的瞬间，并将其转化为最真挚的艺术表达。

评分☆☆☆☆☆

每次翻阅德彪西的《G小调弦乐四重奏》（Op. 10）的乐谱，总会有一种莫名的冲动，想要去理解作曲家创作这部作品时的心境。它不像巴赫那样严谨工整，也不像贝多芬那样充满戏剧性冲突，德彪西的作品更像是捕捉流动的光影，捕捉瞬间的情感，捕捉那些稍纵即逝的梦境。我特别着迷于作品中那些色彩斑斓的和声，它们并非是简单的协和或不协和，而是具有一种独特的、带有绘画感的特质，仿佛能看到色彩在乐谱上跳跃。而且，他对于音乐形式的突破，也让我看到了音乐发展的更多可能性。传统的奏鸣曲结构在他手中被赋予了新的生命，变得更加自由、更加灵活，更侧重于氛围的营造和情感的流动。我在学习和分析这部作品的过程中，逐渐理解到，音乐的魅力不在于其结构的复杂或技法的炫耀，而在于它能否触及人心，能否引发共鸣。德彪西的音乐，就是这样一种能够直抵灵魂的音乐，它不拘泥于形式，不刻意追求技巧，而是用最纯粹的音响，最真挚的情感，与听众进行着最深切的交流。这部作品，无疑是理解德彪西音乐语言和艺术风格的一把金钥匙。

评分☆☆☆☆☆

第四乐章：非常适度地

评分☆☆☆☆☆

他的音乐象浪漫主义一样集中于一些文学或自然题材。但与浪漫主义不同，他并不表现强烈的感情。有人便说：“他的音乐平淡”，但我觉得这不对，平淡即意味着有某种与强烈相对的东西，而他是连这个都没有的。他不表达特定的感情，或者说，感情并不是使他写下那些音乐的原因。他的音乐充满感官色彩，而非感情色彩。你不能说：这是雄伟，这是温柔，等等，因为凡是你这样说的地方，你就对音乐有某种预期，而这是德彪西要避免的。你不能带着“这就是大海”念头去想象他的“大海”，你甚至不能带着“这就是德彪西”的念头去听德彪西。他的音乐非常细腻，你不能放过细节，或者，更准确地应当说，在他的音乐里面没有细节与整体这类区分。他的音乐非常精确，他对音色极为敏锐，但效果却是朦胧、流动的，一切好象不期而遇，你不知道他为什么要把你带到这里，甚至不知道他为什么要结束，但这一切却又是丰盈而且真实的。

评分☆☆☆☆☆

德彪西：弦乐四重奏，G小调，作品10

评分☆☆☆☆☆

人们评价他对和声的运用时说：他更多地强调了和弦的色彩和感官上的特质，而忽略了功能性。所谓功能性是什么？即一个和弦本身会对音乐的进行提出某种要求，诸如不协和要求解决。这同样是德彪西要摆脱的。因此，当有人问他的和声遵循什么规律时，他说：“我的喜好”。

评分☆☆☆☆☆

第三乐章：富有表情的小行板，是三部分的歌曲曲式；

评分☆☆☆☆☆

好~~非常的棒~！！~

评分☆☆☆☆☆

赞

评分☆☆☆☆☆

商品的质量不错，买回来之后很喜欢！！！

评分☆☆☆☆☆

德彪西的室内乐作品不多，但贯穿他全部创作生涯的始未——属于初期作品的ｇ小调弦乐四重奏以及晚年的三首奏鸣曲（ｄ小调大提琴奏鸣曲，1915；为长笛或小提琴、中提琴和竖琴创作的ｇ小调奏鸣曲，1916；ｇ小调小提琴与钢琴奏鸣曲，1916～1917）。弦乐四重奏的诞生是作曲家才华崭露，取得了完全的成功，最后三首奏鸣曲——显示出他走向更为抽象，更为精炼的风格。