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刘宁 编

图书标签:

• 话剧
• 戏剧
• 表演
• 语言训练
• 口语
• 发声
• 舞台表现
• 表演技巧
• 演员
• 教材

出版社： 文化艺术出版社

ISBN：9787503949845

版次：1

商品编码：10848682

包装：平装

开本：16开

出版时间：2011-06-01

用纸：胶版纸

页数：410

字数：300000

正文语种：中文

编辑推荐

《话剧语言训练教程》给供戏剧爱好者做参考使用。

目录

第一章 训练目的与要求
第一节 语言是一种符号系统
第二节 有声语言（台词）在话剧表演中的位置及作用
第三节 有声语言（台词）的训练要求

第二章 有声语言基本功训练
第一节 呼吸与发声
第二节 发音训练
附练习1：基本功训练

第三章 基本技能训练
第一节 语言的速度节奏训练
第二节 音量大小的训练
第三节 音调的高低训练
第四节 力度的强弱训练
附练习2：基本技能训练

第四章 有声语言表现力的训练
第一节 重音与停顿
第二节 语气语调
第三节 演员在创作中的"三点定位法"
第四节 台词处理中的"类比法"
附练习3：文学作品的朗读训练

第五章 话剧台词的处理
第一节 演员该如何分析剧本
第二节 语言表达过程中的三种形态（独白、对白、旁白）
第三节 话剧表演中语言的运用
附练习4：剧本台词训练

前言/序言

《舞台的呼吸：演员声音与肢体表达的深度探索》 导言： 在戏剧艺术的广阔天地中，演员是情感与思想的载体，而声音与肢体则是他们与世界对话的媒介。本教程并非专注于剧本的文本分析或台词的纯粹技巧打磨，而是将目光投向更为基础、更为内在的表演核心——演员如何调动自身生理潜能，实现声音的穿透力、情绪的真实性，以及身体的丰富表现力。我们相信，真正的舞台魅力源于对自我身体的精微感知和对空间环境的敏锐捕捉。 第一部分：声音的解构与重塑——超越“朗读”的声学境界 本部分旨在带领学习者超越传统声乐训练的框架，深入探索声音在舞台环境下的物理特性与心理影响。我们探讨的不是如何“唱出”优美的腔调，而是如何让声音成为精确的情绪传导器。 1. 呼吸的哲学：支撑与释放的平衡 我们将从基础的膈肌呼吸训练开始，但重点将放在“舞台呼吸”的构建上。这涉及对空气流动的精细控制，理解如何在紧张的戏剧冲突中维持稳定的气息支撑，以及如何在情感爆发点实现瞬间的气息释放而不失真。我们将引入“内部共鸣腔体”的激活练习，探讨如何利用口腔、鼻腔、胸腔的调整，在不增加音量负荷的情况下，拓宽声音的音域和质感，使其更具穿透力，能够有效覆盖不同尺寸的剧场空间。内容将详述如何通过特定的放松练习，消除因心理压力导致的声带紧张，恢复声音的自然弹性。 2. 音高、音量与音色的舞台策略 教程将摒弃绝对音高的追求，转而关注“相对音高”在角色塑造中的作用。例如，一个人物的长期心理压抑如何通过持续偏低的音高区间表现出来？特定情境下的音量控制，不再是简单的“大声”或“小声”，而是关于“情感强度”与“空间距离”的函数关系。音色的变化（如沙哑、清亮、浑厚）的源头，被界定为演员内心状态的外化，而非刻意的模仿。我们将通过一系列的听觉辨识练习，训练学员分辨不同音色对观众心理感知的影响。 3. 情感与发音的耦合：语言的生物学基础 本章深度剖析语言发音器官（舌、唇、齿、颚）在表达复杂情绪时的细微变化。例如，愤怒或恐惧如何瞬间改变舌位，从而使元音和辅音产生不易察觉的变形。教程将提供大量的即兴发音练习，要求学员在特定情绪驱动下，说出完全不具备语义的音节，以确保声音的“情感真实性”先于“文本准确性”。 第二部分：身体的语法——空间、能量与动作的生成 本部分的核心在于将身体视为一个多维度的信息发射器，研究演员如何通过非语言信号构建角色世界。我们关注的不是舞蹈动作，而是“具有内在动机的位移”。 1. 空间的感知与利用：剧场几何学 演员必须学会“阅读”舞台空间。本章详细阐述了舞台的“热点区域”、“冷点区域”及其对观众注意力的影响。我们探讨了演员在不同舞台尺度下的比例感训练，如何在空旷的舞台上展现“内在的充盈”，以及在拥挤的布景中如何保持清晰的“存在感”。关键的训练是“空间定位的心理地图”——学习如何在闭眼状态下精确感知与对手、道具、背景墙之间的距离，并将这种感知转化为流畅自然的移位。 2. 身体的能量流向与张力控制 我们将身体的运动划分为不同的“能量级别”。这并非指动作的速度，而是指动作内部的“动力储备”。通过深入的肌肉记忆训练，学员将学习识别并释放身体中不必要的冗余张力（如肩膀的耸起、下巴的紧绷），转而将能量聚焦于“动作的起始点与终结点”。大量的反身和平衡练习，旨在培养演员对自身重心的瞬间掌控力，确保每一个站立、转身、倾斜都内含着明确的戏剧动机。 3. 姿态与情绪的深度绑定：雕塑角色的形体代码 姿态是角色身份最直接的视觉表达。本部分强调姿态的“非对称性”与“惯性”。我们分析不同社会地位、职业背景、以及心理创伤如何固化为身体的特定倾向（如习惯性前倾、单肩略低等）。通过详细的肢体“解剖学”分析，学员将学习如何从角色的核心冲突出发，为其构建一套独一无二的形体“词汇表”，使角色的站姿本身就具有叙事功能。 第三部分：感官的交织——实现内在与外显的统一 本部分的整合训练，旨在打破声音训练与肢体训练之间的壁垒，实现表演的有机整体性。 1. 触觉与听觉的转化：被忽视的感官通道 我们探索如何利用触觉——与道具、地面、甚至空气的接触——来影响声音的输出。例如，感受地面带来的“重量感”如何影响呼吸的深度，进而影响台词的气息流速。我们将进行大量的“盲感”训练，要求演员在视觉受限的情况下，仅凭触觉和听觉完成复杂的调度和情绪表达。 2. 反应链的激活：即兴中的“真实在场” 本教程的最终目标是培养演员在舞台上“实时生成”的能力。我们将设计一系列高强度的情境反应练习，要求学员在接收到对手的非语言信号（如一个微小的眼神变化或身体的突然僵硬）后，必须在极短的时间内，用声音和肢体做出完全符合角色逻辑的反应。这要求演员不仅要“听见”对手的台词，更要“感受”对手身体的震动，从而实现超越文本预设的生命力。 结语： 本书提供了一套从生理机制出发，回归舞台实践的系统性训练方法。它要求学习者以极大的耐心和精确度，重新审视自己最原始的工具——身体和声音。完成本教程的学习，意味着演员将获得一种更深层次的自信，那份自信来源于对自身潜能的完全掌握，以及在舞台上随时随地、真实而有力地“活”出来的能力。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计虽然朴素，但内页的纸张质感却非常上乘，即便是长时间阅读也不会感到眼睛疲劳，这对于需要反复研读和做笔记的读者来说，是一个非常贴心的细节。我花了一个下午的时间研读了关于“方言融入与地域色彩的拿捏”这一章节。作者并没有简单地提供一些生硬的模仿技巧，而是从文化背景和人物心理动机的角度去解析为什么要使用这种特定的语言方式，这一点体现了极高的专业素养。书中的案例选择也非常精妙，涉及了从经典俄派戏剧到本土新剧的广泛范围，确保了训练内容的广度和适用性。读完这本书，我感觉自己不再仅仅是一个声音的操控者，而是一个能够驾驭复杂语言生态的“声音建筑师”。它给予我的，不仅仅是技巧上的提升，更是一种对待舞台语言的敬畏心和更深层次的理解，让我对未来的舞台尝试充满了期待和敬意。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我买过不少表演类的书籍，很多要么是泛泛而谈的“心灵鸡汤”，要么就是晦涩难懂的学术专著，真正能将理论与实践无缝衔接的凤毛麟角。然而，《话剧语言训练教程》给我的感觉完全不同，它简直就是一本为实战而生的手册。我试着做了书里第一个关于“口腔开合度与元音饱满度”的练习，那个详细的图解，连舌头在口腔里的具体位置都标注得清清楚楚，让我这个在镜子前练习了无数次都不得要领的人，一下子找到了方向。特别是它对不同剧本风格——比如古典悲剧和现代荒诞剧——在语言处理上的细微差别进行了深入剖析，这点真的太绝了。这不仅仅是教你怎么“说”，更是教你如何“听”懂角色和剧本的内在要求。我感觉自己不再是机械地背诵台词，而是开始真正地理解语言背后的情感脉络。这本书的排版也很舒服，留白恰到好处，阅读体验极佳，让人愿意沉下心来，一个章节一个章节地啃下去，生怕错过任何一个关键的技巧。

评分☆☆☆☆☆

这本《话剧语言训练教程》的厚度着实让人眼前一亮，拿到手里沉甸甸的，感觉就像是抱了一块经过精心打磨的璞玉。我一直对舞台上的表达有着浓厚的兴趣，但总觉得自己的台词功底欠缺火候，总是在关键时刻掉链子。这本书的封面设计非常简洁，没有过多花哨的图案，反而透出一种专业和严谨的气息，这点我很欣赏。迫不及待地翻开目录，发现内容编排得井井有条，从基础的发声练习到复杂的角色塑造，层层递进，逻辑性极强。我尤其关注到其中关于“气息控制与共鸣腔体运用”的那一章节，这对我这个总是在高音区容易气短的人来说，简直是雪中送炭。书中似乎还穿插了一些舞台实践的案例分析，这比单纯的理论讲解要生动得多，能让人立刻联想到自己在舞台上的表现，从而进行更直观的自我修正。我期待着通过这本书的指引，能够真正掌握舞台语言的精髓，让每一个字都能掷地有声，充满戏剧张力。它不仅仅是一本教程，更像是一位资深导师在耳边细心教导，让人充满信心去迎接每一次舞台挑战。

评分☆☆☆☆☆

坦白讲，我对这本《话剧语言训练教程》的期待值本来是中等的，毕竟市面上的同类书籍太多了，很容易审美疲劳。然而，当我接触到它关于“舞台韵律与节奏感”的篇章时，简直是醍醐灌顶。书中用了很多音乐术语来类比语言的节奏处理，比如将台词比作乐谱上的节拍和休止符，这种跨界的讲解方式，对于我这个音乐爱好者来说，接受起来格外快。书中给出的练习方法非常具有操作性，比如要求在特定的节拍点上强调某个字眼，或者故意拉长某个元音的持续时间，来模拟不同时期戏剧的语汇风格。这让我意识到，好的台词不仅仅是清晰的表达，更是一种音乐性的呈现。这种对表演艺术整体性的把握，使得这本书的价值远远超出了单纯的“语言训练”范畴，它更像是一部关于“舞台诗意”的探秘指南，引导读者去捕捉和重塑舞台上的时间感和流动性。

评分☆☆☆☆☆

我通常对工具书类的教材抱有一种审慎的态度，总担心内容过于刻板僵化，无法适应瞬息万变的舞台需求。但这本书在“即兴语言的构建与应对”部分展现出的灵活性，彻底打消了我的顾虑。它没有将语言的训练束缚在既定的范式里，而是鼓励探索和个性化表达。我特别欣赏其中关于“声音的色彩学”的探讨，它不仅仅停留在高低强弱这些基础层面，更深入到情绪如何通过声调的微小变化来投射到观众心理。那种对舞台语言细节的关注程度，简直令人叹为观止。它仿佛在告诉我，每一个停顿、每一次呼吸、甚至每一个气流的走向，都是角色情感的载体。这本书的作者显然是一位深谙舞台表演艺术的行家，他的文字中带着一种不容置疑的权威感，但同时又充满了启发性，激励你去打破常规，去创造属于你自己的舞台声音。读完这个部分，我感觉自己对“如何用声音演戏”有了全新的认知。

评分☆☆☆☆☆

可以的，不错，已经是第二册

评分☆☆☆☆☆

送给喜欢话剧表演的好友，希望他能在艺术表演的道路上取得收获。

评分☆☆☆☆☆

帮朋友购买，好好学习。

评分☆☆☆☆☆

看了之后还是很有帮助的

评分☆☆☆☆☆

特别好，喜欢

评分☆☆☆☆☆

非常喜欢，有所启发，有收获，京东的物流非常给力！

评分☆☆☆☆☆

好棒啊 好快速 简直么么哒

评分☆☆☆☆☆

很不错很满意

评分☆☆☆☆☆

嗯，上海戏剧学院，等我，我们三年后见，这本书不错