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清华大学出版社 著

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出版社： 清华大学出版社

ISBN：9787302093749

商品编码：11294232781

包装：平装

出版时间：2007-10-01

基本信息

书名：欧洲绘画大师技法和材料

：36.00元

作者：出版社:清华大学出版社

出版社：清华大学出版社

出版日期：2007-10-01

ISBN：9787302093749

字数：325000

页码：

版次：1

装帧：平装

开本：12k

商品重量：0.440kg

编辑推荐

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内容提要

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目录

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作者介绍

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文摘

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序言

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《妙笔生花：西方经典绘画材质与工艺探秘》 艺术的温度，流淌在指尖的色彩——一场跨越时空的技法与材料探索之旅 本书并非一本简单罗列大师名字的画册，更不是一本陈述枯燥化学公式的材料指南。它是一次深度的、沉浸式的艺术朝圣，一次对西方绘画艺术之所以成为经典的灵魂追问。我们将抛却浮光掠影，深入到那些流传千古的杰作背后，去探寻它们得以不朽的温度与质感，去理解艺术家们如何将天地万物、喜怒哀乐，化为画布之上永恒的瞬间。 第一章：肌肤的触感，生命的呼吸——油画颜料的奥秘与演变 油画，作为西方绘画最璀璨的明珠之一，其魅力离不开那赋予生命色彩的颜料。本章将带领读者穿越回古老的炼金术士和早期艺术家们的世界，揭示那些令人惊叹的色彩是如何被创造出来的。 自天然的馈赠：矿物、植物与昆虫的色彩传奇 从深邃如夜空的普鲁士蓝，到灼热如火焰的镉红，再到温润如玉的赭石、青金石，我们将逐一剖析这些经典色彩的天然来源。深入了解艺术家们如何从地球深处挖掘出珍贵的矿石，如何从大地上的植物提取出鲜活的色泽，甚至如何从微小的昆虫身上获取那惊艳世人的紫。这不仅是对色彩本身的认知，更是对人类早期如何理解和运用自然材料的智慧致敬。 例如，鈷蓝（Cobalt Blue）的发现，是如何一次偶然的提炼，最终为艺术家提供了前所未有的纯净、持久的蓝色，彻底改变了天空和海洋的表现力。赭石（Ochre）家族，从黄色、红色到棕色，它们朴实无华，却是文艺复兴时期画家们描绘肌肤、营造温暖光影不可或缺的基石。 我们将追溯提纯颜料的古老工艺，了解那些充满汗水与智慧的双手，如何将粗糙的矿石研磨成细腻的粉末，如何通过复杂的化学过程，稳定其色彩，使其能够经受岁月的洗礼。 画布上的化学反应：艺术家与颜料制造者的智慧结晶 油画颜料并非简单的色素堆砌，其核心在于“调色油”。我们将详细解析各种调色油的特性：亚麻籽油的韧性与光泽，核桃油的快干与微黄，罂粟油的透明与不易泛黄。了解不同油的特性如何影响颜料的流动性、干燥速度、光泽度和最终的画面效果。 艺术家们并非被动接受现成的颜料，他们是颜料的“使用者”，更是“改良者”。我们将探讨艺术家们如何根据自己的创作需求，对颜料进行微调。例如，如何通过加入不同比例的树脂来增强颜料的附着力与光泽，如何通过混合不同的干燥剂来控制颜料的干燥时间，从而实现创作中的“湿画法”或“干画法”的精妙运用。 我们将模拟大师们的实践，例如，分析提香（Titian）如何在厚涂的颜料中加入金箔，创造出令人惊叹的织物肌理；分析伦勃朗（Rembrandt）如何通过在颜料中加入大量的媒介剂（mediums），实现深邃的暗部层次和微妙的光线变化。 色彩的语言：颜料的持久性与艺术家的选择 色彩的生命力，在于其持久性。本章还将触及颜料的“光牢度”（lightfastness）概念，分析哪些颜料容易褪色，哪些颜料能够历经数百年依然鲜亮如初。这不仅仅是科学知识，更是理解艺术家们在创作时的深思熟虑。为什么有些大师偏爱使用成本高昂但持久性极佳的颜料，而有些大师则会冒险使用一些效果独特但稳定性较差的色彩？ 我们将以拉斐尔（Raphael）的《雅典学院》为例，分析其色彩的搭配如何与画面的宏大主题相得益彰，以及这些色彩在数百年后的保存状况，如何印证了当年颜料选择的智慧。 第二章：画布的骨骼，画面的灵魂——画布、基底与底层画的秘密 一块优质的画布，就如同建筑的钢筋骨架，为艺术品的永恒奠定了坚实的基础。基底的处理，则如同为建筑打磨地基，影响着色彩的附着与呈现。而那些隐藏在色彩之下的底层画，更是揭示了艺术家创作过程中的思想轨迹。 纤维的抉择：从亚麻到棉布，画布的选择与准备 我们不仅会介绍不同材质画布（如亚麻布、棉布）的优缺点，还会深入探讨它们的纹理、织法对画面质感的影响。例如，粗纹理的画布如何增强画面的力量感，细腻的画布又如何适合描绘精细的细节。 古代艺术家们并非直接在原始画布上作画，他们会经过复杂的“上浆”（sizing）和“打底”（priming）工艺。本章将详细解析这些工艺的目的：上浆是为了防止颜料渗透到纤维中，防止画布因油性颜料的侵蚀而过早老化；打底则是为了形成一个平滑、均匀、能够良好吸附颜料的表面。 我们将探究早期艺术家们如何使用动物胶、石膏（gesso）以及各种油脂混合物来制备画布。了解不同底料配方的细微差别，例如，铅白（lead white）在早期底料中的广泛应用，其带来的白色强度与良好的干燥性，以及它与现代材料的不同。 基底的温度：木板、石材与金属的艺术化身 在油画出现初期，木板是极为普遍的绘画基底。本章将带领读者走进文艺复兴时期，了解艺术家们如何选择不同种类的木材（如橡木、杨木），如何对其进行处理以防止变形和虫蛀。我们将分析木板基底的特性，如其带来的温暖质感和对色彩的独特表现。 除了木板，一些特殊的基底也曾被艺术家们运用，例如，在某些宗教绘画中，石板或铜板也被用作画布。我们将探讨这些特殊基底对绘画风格和材料选择的影响。 一层又一层的智慧：底层画（underpainting）的艺术功能 底层画，有时被称为“素描画”或“灰调画”，是油画创作过程中至关重要的一环。它不仅仅是色彩的初步铺陈，更是艺术家构思、造型、确定明暗关系、冷暖对比的“排练场”。 我们将分析不同时期的底层画风格：例如，早期画家们常用的“单色底层画”（grisaille），如何利用灰度来建立画面的立体感；以及后来出现的“套色底层画”（imprimatura），如何利用一层薄薄的着色底料来统一画面色调，并影响后续色彩的呈现。 我们将以达芬奇（Leonardo da Vinci）的《蒙娜丽莎》为例，解析其使用“晕涂法”（sfumato）技法时，底层画如何为其营造出朦胧、柔和的过渡效果。通过X光摄影等现代科技的辅助，我们将“看到”那些隐藏在画面之下的艺术家们的草稿、修改和初步色彩规划。 第三章：光影的雕刻家，笔触的灵魂——绘画工具的精妙与技法的演进 颜料与画布是身体，而画笔、画刀等工具，则是艺术家伸出的手，它们赋予了色彩生命，雕刻出光影的轮廓，诉说着无声的故事。技法，更是艺术家思想的外化，是情感的流淌。 毛发的秘密：从动物毛到合成纤维，画笔的演变与选择 画笔的选择，直接关系到笔触的细腻程度、色彩的堆叠效果以及艺术家对细节的控制力。本章将详细介绍不同动物毛（如貂毛、猪鬃、马毛）和合成纤维画笔的特性。 貂毛画笔的柔韧与弹性，如何适合绘制细腻的人物肌肤和飘逸的丝绸？猪鬃画笔的硬挺与粗犷，又如何在表现厚重质感和粗犷笔触时大显身手？合成纤维画笔又如何克服了传统材料的某些局限，提供了更多元的选择？ 我们将分析不同形状和尺寸的画笔（如圆头笔、平头笔、扇形笔）在不同绘画情境下的作用。例如，为何雷诺阿（Renoir）会钟情于使用小而圆的画笔来绘制朦胧的光斑？ 刀锋下的艺术：画刀在色彩表现中的独特作用 画刀，有时被视为油画的“另一只手”。它不仅可以用于颜料的混合，更可以用来直接在画布上塑造形体，制造出厚重、立体的笔触效果。 我们将探讨艺术家们如何运用画刀来表现肌肤的纹理、衣物的褶皱、甚至建筑的坚实质感。分析梵高（Vincent van Gogh）如何运用画刀制造出充满生命力的、仿佛要冲出画布的厚涂笔触，传递他内心的激情。 从细致入微到气势磅礴：经典绘画技法的深度解析 晕涂法（Sfumato）：它不是简单的模糊，而是一种基于微弱光影变化的、极度精妙的色彩过渡，使得物体边缘柔和，形象仿佛笼罩在一层薄雾之中。我们将分析其在达芬奇作品中的极致运用，以及它是如何营造出人物神秘而富有生命力的表情。 明暗对照法（Chiaroscuro）：它通过强烈的明暗对比，戏剧性地突出主体，制造出强烈的空间感和情感冲击力。我们将分析卡拉瓦乔（Caravaggio）如何运用“焦距式光线”（tenebrism），将画面中的人物从黑暗中“切割”出来，营造出震撼人心的戏剧效果。 罩染法（Glazing）：艺术家们在已干的颜料层上，用透明或半透明的媒介剂调和的薄层颜色进行覆盖。这种技法能够制造出色彩的深度、光泽和微妙的色彩变化。我们将分析凡·艾克（Jan van Eyck）如何通过数百次的精细罩染，创造出如宝石般璀璨、细节纤毫毕现的画面。 厚涂法（Impasto）：直接将厚重的颜料堆积在画布上，形成明显的笔触和肌理，赋予画面独特的质感和生命力。我们将再次提及梵高，分析其厚涂法如何成为他情感表达的有力载体。 湿画法（Alla Prima / Wet-on-Wet）：在底层颜料未干时进行绘制，使得色彩能够相互融合，笔触流畅。我们将探讨这种技法如何带来作品的生动性和即时性。 结语：跨越时空的对话 《妙笔生花：西方经典绘画材质与工艺探秘》旨在邀请读者走进一个充满智慧与创造力的世界。我们不再仅仅是欣赏者，而是通过对材料、工具与技法的深入理解，尝试去“理解”艺术家们的思考过程，去“感受”他们创作时的情感波动。每一笔，每一色，都凝聚着对自然的敬畏，对人类智慧的探索，以及对永恒之美的追求。本书希望能够成为您手中一把钥匙，开启通往西方绘画艺术更深层次理解的大门，让您在未来的每一次鉴赏中，都能体会到艺术那份独有的、穿越时空的温度与魅力。

评分☆☆☆☆☆

一直以来，我都对欧洲古典油画有着一种难以言喻的情感。那些作品，不仅仅是画布上的颜料，更是历史的沉淀，文化的结晶，以及无数艺术家们智慧与汗水的凝结。然而，作为一个非专业人士，我总是觉得，隔着一层看不见的屏障，无法真正触及到作品的灵魂。这本书的名字《包邮 欧洲绘画大师技法和材料》，就像是一把钥匙，为我打开了这扇神秘的门。 我希望这本书能够详细地解析欧洲绘画史上那些赫赫有名的大师们的创作技法。例如，我想知道，文艺复兴时期的大师们是如何运用透视法来创造出逼真的空间感的，巴洛克时期的大师们是如何通过戏剧性的光影对比来营造出强烈的视觉冲击力的，以及印象派大师们是如何捕捉光线在不同时间、不同环境下的色彩变化的。我期待的不仅仅是表面的介绍，更是对其背后原理的深入剖析，以及它们是如何影响最终作品的呈现效果的。

评分☆☆☆☆☆

我一直对绘画充满好奇，但我的动手能力实在有限，所以更多的时候，我只能通过阅读来“过过眼瘾”。这本书的出现，无疑是为我打开了一扇新的窗户。我原本以为，绘画技法会是那种非常枯燥的技术性描述，但这本书的解读方式却非常生动。它不仅仅是告诉你“怎么做”，更是告诉你“为什么这么做”，以及“这样做能带来什么效果”。 比如，书中对提香色彩运用的一段描述，让我印象深刻。它没有直接讲提香是如何混合颜料的，而是分析了提香是如何运用色彩来表现人物的情感和画面的氛围。那种温暖而又深邃的色彩，仿佛能将观者带入到画面的故事之中。此外，书中对不同材料的介绍也让我大开眼界。我之前只知道有油画颜料，但这本书详细介绍了不同品牌的油画颜料，它们在颜料颗粒、遮盖力、透明度等方面的差异，以及不同画笔的材质和形状对笔触的影响。这些细致的入微的分析，让我意识到，原来创作一幅画，背后有着如此多的讲究。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我购买这本书，很大程度上是出于一种“知识付费”的心态。在如今信息爆炸的时代，我希望能够获取到一些真正有价值、有深度的内容，而不是被碎片化的信息所淹没。这本书的题目《包邮 欧洲绘画大师技法和材料》，正是点明了我对艺术学习的真正需求。我一直认为，了解一门艺术，从其最基础的“技法”和“材料”入手，是最高效、最扎实的方式。 书中对于欧洲绘画大师的技法分析，让我看到了从简单的笔触到复杂的色彩运用，再到整体的构图和光影处理，是如何一步步构建出令人惊叹的艺术作品的。我希望书中能够详细解读，例如米开朗琪罗在雕塑感上的绘画处理，拉斐尔的色彩和谐与明晰的造型，以及印象派画家如何在色彩的碰撞中捕捉瞬间的光影。而对于“材料”的讲解，我也充满了期待，希望能了解到不同时期画家所使用的颜料、媒介、画布的特性，以及他们如何根据自己的创作意图来选择和运用这些材料，从而达到独特的艺术效果。

评分☆☆☆☆☆

我是一个对艺术充满热爱，但又缺乏实践经验的普通读者。我常常在想，那些伟大的欧洲绘画作品，究竟是如何诞生的？是天赋异禀，还是后天勤奋？这本书的名字《包邮 欧洲绘画大师技法和材料》，就像是为我打开了一扇通往艺术殿堂的秘密通道。我迫不及待地想知道，那些大师们究竟是如何运用他们的画笔，是如何选择和驾驭他们的绘画材料，从而创造出流传千古的杰作。 我尤其关注书中关于“技法”的部分。我希望它能够详细地解析不同时期、不同流派的绘画技法，例如文艺复兴时期精细的轮廓线和柔和的过渡，巴洛克时期强烈的明暗对比和动态的构图，以及印象派对光色瞬息万变的捕捉。不仅仅是“是什么”，更希望能够深入到“为什么”，以及“如何实现”。同时，对于“材料”的介绍，我也充满了期待。我好奇不同年代的颜料成分、画笔的材质、画布的种类，以及这些因素是如何影响最终的艺术效果的。

评分☆☆☆☆☆

老实说，我一开始是被“包邮”这两个字吸引的，毕竟现在网购方便，能包邮还是挺划算的。但真正让我下定决心购买的，还是书名中“欧洲绘画大师技法和材料”这几个字。我对欧洲古典绘画一直有着难以言喻的情感，那些画作，无论是文艺复兴时期的庄重，还是巴洛克时期的华丽，抑或是印象派的明快，都深深地吸引着我。我常常在美术馆里，对着一幅幅油画，想知道它们究竟是如何创作出来的。 这本书，恰恰满足了我这种窥探艺术秘密的欲望。它没有讲授那些晦涩难懂的理论，而是将焦点放在了最直观的“技法”和“材料”上。我特别喜欢书中对不同绘画材料的介绍，比如不同种类油画颜料的特性，它们如何影响画面的质感和色彩表现。还有画布的选择，不同纹理的画布对于最终画面效果的影响，这些细节，是我之前从未深入了解过的。我想，了解这些，就像是了解一个音乐家使用的乐器一样，能帮助我更深刻地理解作品的诞生过程。

评分☆☆☆☆☆

我对欧洲绘画一直有着浓厚的兴趣，但作为一个业余爱好者，我常常感到自己在欣赏艺术时，缺乏一些基础性的认知。我总觉得，想要真正理解一幅画，除了感受其美感，还需要了解它是如何被创作出来的。这本书的名字《包邮 欧洲绘画大师技法和材料》，恰好触及了我最想了解的方面。 我希望这本书能够详细地介绍不同时期、不同风格的欧洲绘画大师所使用的具体技法。例如，我想了解，如何运用不同的笔触来表现不同的纹理和情感，如何通过色彩的搭配来营造画面的氛围，以及如何运用光影来塑造人物的立体感和空间感。不仅仅是理论的阐述，我更期待能够有具体的案例分析，让我能够看到大师们是如何将这些技法运用于实际创作的。 同时，我也对书中关于“材料”的部分充满了期待。我希望能够了解到，不同时期、不同地域的画家所使用的颜料、画布、媒介等材料的特点，以及这些材料对作品最终呈现效果的影响。例如，我想知道，为什么某些古代颜料能够保持如此鲜艳的色彩，不同类型的画布又会带来怎样的质感差异。

评分☆☆☆☆☆

我是一个普通的上班族，平时工作之余最大的爱好就是欣赏艺术。我尤其痴迷于欧洲的古典绘画，那些历经岁月洗礼的杰作，总能带给我无限的宁静和启迪。然而，每次在美术馆欣赏作品时，我总会有一个疑问：这些作品究竟是如何创作出来的？是凭空想象，还是有章可循？这本书的名字《包邮 欧洲绘画大师技法和材料》，恰恰解答了我这个长久以来的困惑。 我希望这本书能够深入浅出地讲解欧洲绘画大师们所掌握的各种技法，比如达芬奇的晕涂法，伦勃朗的光影处理，以及印象派画家对色彩的运用。不仅仅是简单的介绍，更希望能够有详细的步骤和实例分析，让我能够理解这些技法背后的逻辑和原理。同时，我也对书中关于“材料”的介绍充满了好奇，我希望能够了解到不同时期画家所使用的颜料、媒介、画布的特点，以及这些材料如何影响画面的质感、色彩和持久性。

评分☆☆☆☆☆

《包邮 欧洲绘画大师技法和材料》这本书，我之前在网上偶然看到，当时就被这个名字吸引了。虽然我本身并非科班出身的画家，但一直对欧洲绘画，尤其是那些大师们留下的经典作品充满浓厚的兴趣。我总觉得，艺术这东西，不仅仅是眼睛看到的美，更是一种沉淀了历史、文化和匠心独运的智慧。这本书的题目，恰恰点出了我最想了解的两个核心——技法和材料。我一直好奇，为什么伦勃朗的油画能如此富有生命力，光影的处理简直是炉火纯青；为什么达芬奇的色彩能如此通透，人物的表情细腻入微；为什么梵高的笔触如此奔放，却又能传达出如此强烈的情感。这些问题，在我看来，都离不开他们对绘画技法和材料的极致运用。 我曾尝试过一些油画入门，但总是感觉不得要领，画出来的东西总是显得僵硬，缺乏灵气。我猜想，这很可能是在材料的选择和处理上存在问题。书名中“材料”二字，让我看到了解决这个困境的希望。我希望这本书能深入浅出地介绍不同时期、不同流派的欧洲画家所使用的颜料、画布、画笔等工具，以及他们如何根据自己的创作需求来选择和调配这些材料。比如，文艺复兴时期的画家是如何处理蛋彩和油画混合技法的？印象派画家又是如何运用新的颜料来捕捉光线的瞬息万变的？这些细节，对于一个爱好者来说，都具有极大的吸引力。

评分☆☆☆☆☆

这本书，绝对是为我这种“伪艺术爱好者”量身定做的。我不是画家，也没有打算成为画家，但我对欧洲绘画的历史和美学一直有着浓厚的兴趣。每次去美术馆，我都会被那些大师的作品所震撼，但总觉得隔着一层看不见的纱。我渴望了解，是什么让这些作品如此不朽，是什么让这些画作在时光的洗礼下依然闪耀光芒。 这本书的题目，直接点出了核心——“技法”和“材料”。我一直相信，艺术的精髓，往往体现在这些最基础、最实在的层面。书中对不同时期、不同画家的技法进行深入剖析，不仅仅是简单地罗列技巧，更是结合了他们所处的时代背景、个人风格以及对材料的理解。例如，书中对荷兰黄金时代画家如维米尔的光线处理技巧的解读，让我看到了光影如何在画面中叙事，如何塑造人物的性格。而对于材料的介绍，也让我明白了，为什么某些颜料能产生如此独特的色彩效果，为什么不同的画布会影响画面的质感。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计，我至今记忆犹新，那是一幅我非常熟悉的欧洲古典油画的局部，色彩浓郁，光影斑驳，带着一种历史的厚重感。翻开书页，我首先被书中精美的插图所震撼，那些大师的杰作以极高的清晰度呈现，仿佛可以直接触摸到画布的纹理。但这本书最打动我的，还是它对于“技法”的解读。我一直以为，绘画技法是枯燥的，是那些学院派人士才需要掌握的冰冷规则。然而，这本书却让我看到了技法背后蕴含的创造力和情感表达。 它没有仅仅停留在“如何调色”、“如何用笔”这样的表面文章，而是深入剖析了不同大师在运用色彩、光影、线条、构图等方面所体现出的独特思考。比如，书中对于鲁本斯那种充满动感的笔触和丰富的人物动态的分析，让我对“笔触”有了全新的认识。它不仅仅是一种绘画的工具，更是一种情绪的宣泄，一种能量的释放。再比如，对于卡拉瓦乔那种戏剧性的光影对比，书中将其称为“明暗对照法”，并详细解释了这种技法是如何营造出强烈的空间感和人物的立体感的。这让我意识到，即使是相同的颜料，不同的运用方式，也能产生截然不同的艺术效果。