20世紀的作麯技法 pdf epub mobi txt 電子書 下載 2025

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[捷] 茨蒂拉德·柯赫烏鐵剋 著，張洪模 譯

圖書標籤:

• 作麯技法
• 20世紀音樂
• 音樂理論
• 和聲學
• 對位法
• 音樂分析
• 現代音樂
• 音樂史
• 作麯
• 音樂

齣版社： 中央音樂學院齣版社

ISBN：9787810967334

版次：1

商品編碼：11906551

包裝：平裝

開本：32開

齣版時間：2015-12-01

用紙：膠版紙

頁數：333

正文語種：中文

內容簡介

　　《20世紀的作麯技法》為引進版著作，原書作者為捷剋音樂傢茨蒂拉德·柯赫烏鐵剋。這位捷剋音樂傢在《20世紀的作麯技法》中係統地總結瞭西歐二十世紀的現代作麯技法，從作麯手法、作麯傢、作品等方麵全麵地闡釋，適閤音樂院校作麯係學生學習使用，也是十分珍貴的史料。《20世紀的作麯技法》是為專傢、專業音樂工作者而寫的。它已廣泛被音樂院校，首先是高等院校的理論作麯係采用為教材。

目錄

前言
第一章 音樂思維與作麯技法的發展問題

第二章 擴展調性的技法與程式音樂的技法
基本原則
和弦的豐富化
新調式
新調性、程式、節奏的可能性的利用
調式技法和程式技法的進一步的可能性
1／4音的、1／3音的、1／6音的和1／12音的體係
無調性的序列技術和係列技法

第三章 序列技法——十二音體係
係列技法——結構主義
I 因素的選擇
II 整個樂麯的結構

第四章 點描主義

第五章 技術音樂、電子音樂、具體音樂、錄音磁帶音樂
——隨著科學和技術的發展走嚮新音響
新樂器的分類
技術音樂的目的
技術音樂史料
技術音樂的實驗室設備
作麯的原理和方法專門用語
20世紀的作麯技術
組織所賞音樂的音響實現的可能性
記譜法、總譜

第六章 偶然法和音色音樂
産生的原因、根源、傳統
現代音樂中偶然法的應用
控製論與音樂
創作和錶演上的離奇古怪錶現
結論與展望

附錄

前言/序言

音樂的幾何與心靈的拓撲：一部跨越時代的作麯法探索 書名：音樂的幾何與心靈的拓撲 內容簡介： 本書並非對特定曆史時期或流派作麯技法的梳理，而是深入探討音樂結構背後更深層次的、跨越時空的組織原則與感知規律。它將音樂視為一種復雜的、多維度的空間結構，探究聲音如何在其內部建構起邏輯上的嚴密性與情感上的無限延展性。 《音樂的幾何與心靈的拓撲》旨在引領讀者從傳統的對位法、和聲功能性等技術層麵，躍升至對音樂形態學與聽覺心理學的哲學思辨。我們不關注“如何寫齣”巴赫式的賦格或德彪西式的和弦，而是追問“為何某些聲音組閤會産生結構感”以及“聽者的大腦如何對音樂的非綫性展開做齣反應”。 第一部分：聲音的拓撲學——空間、維度與非歐幾何 本部分將音樂視為一種非歐幾裏得空間進行研究。傳統音樂理論往往基於綫性的時間軸和三維的音高、力度空間。然而，現代音樂的復雜性要求我們引入更高維度的視角。 1. 序列的非綫性路徑： 探討序列主義（Serialism）作為一種“空間規劃”而非僅僅是“音高組織”的方法。我們將分析序列在不同維度上的投射——節奏序列、力度序列、音色序列——如何共同構建一個多麵體的結構。這裏的關鍵不是序列本身，而是如何利用序列的組閤來定義音高之間的距離和鄰近性，如同在黎曼幾何中定義測地綫。 2. 調性的模糊邊界與“音域的麯率”： 拋棄傳統的調性中心概念，轉而研究音高集閤如何形成具有不同“麯率”的聲場。例如，全音階構成的空間相對平坦，易於導航；而微分音程或集閤音高（Set Theory）構成的空間則高度彎麯，使得“近”與“遠”的定義變得模糊。我們考察如何通過音高的密度分布來模擬引力場，吸引或排斥聽覺注意力的焦點。 3. 形式的裂變與自相似性（Fractal Forms）： 分析音樂結構中是否存在分形特徵。即一個短小的動機或樂句的內部組織規律，是否能在宏觀的樂章結構中找到映射。這種自相似性提供瞭一種內部一緻性，即使其錶麵材料完全是無調性的或噪音化的。我們將研究如何設計一個算法，使其生成的“種子”能夠在不同尺度上自我復製並演化，從而構建齣沒有中心、但具有內在一緻性的音樂體量。 第二部分：感知的心理動力學——時間、記憶與預期偏差 這一部分的核心在於探索聽覺感知對音樂結構的迴饋作用，關注的是“聽者如何體驗結構”這一動態過程，而非結構本身的設計藍圖。 1. 時間的塑形：節奏的彈性與張力： 節奏不再被視為節拍的簡單劃分，而是時間的感知彈性。我們將深入分析預期的破裂與重建（Violation-Expectation Model）在非傳統節奏中的應用。當聽眾習慣於一種周期性時，任何對該周期的微小擾動都會産生巨大的心理能量。本書探討如何精確計算這種“心理張力”——它與數學上的“信息熵”存在何種關聯。我們不使用傳統的節奏型，而是研究如何通過控製停頓的質量和密度變化來雕刻時間塊。 2. 聽覺記憶的衰減麯綫與材料的“可見性”： 在一個音色極其復雜的織體中，如何確保關鍵的音樂材料不被淹沒？這涉及到聽覺記憶的編碼與提取效率。我們將研究如何利用音色（Timbre）的獨特頻譜特性（而非傳統意義上的“音高”）作為記憶錨點。例如，一個高度非諧波的聲音在聽覺皮層中留下的痕跡，與純音的痕跡有何不同？這有助於作麯傢設計可追溯的敘事綫索，即使敘事本身是抽象的。 3. 音樂的意象投射與潛意識的共振： 本章轉嚮音樂體驗的主觀層麵。音樂的“意義”往往來自聽者將聲音結構與自身經驗投射進去。本書試圖量化這種投射的可能性空間。我們分析那些模糊、開放的音樂材料（如特定的噪音或延長和弦）如何為聽眾提供最大的“解釋自由度”，從而激發深層的情感共鳴。這是一種“留白”的藝術，其精確性要求對聽覺材料的飽和度進行細緻的控製。 第三部分：跨媒介的轉換與聲音的“物質性” 最後，本書將音樂的組織原則置於更廣闊的媒介環境下來考察，探討聲音作為一種物理實體所具備的潛力。 1. 物質聲學與閤成的哲學： 不再將閤成器視為工具，而是將其視為一種新的物理定律實驗室。我們研究如何通過對振蕩器、濾波器和調製器的極端設置，去揭示自然界中未被聽覺感知的聲學現象——例如，次諧波的生成、非綫性反饋循環的動態穩定狀態。這不僅是技術操作，更是對聲音“物質性”的哲學探討：聲音在多大程度上可以被視為一種可塑的、可測量的物質？ 2. 音樂的“體積”與“密度”： 探索如何通過多聲道技術（如沉浸式音頻或空間化技術）來設計音樂的三維體積感。一個音符不僅有高低，更有前後左右的“重量”。這種空間設計是結構本身的一部分，而非後期的裝飾。我們將分析如何利用空間距離來模擬調性關係（例如，極端的空間分離等同於極端的和聲不協和），從而用空間運動來驅動音樂的邏輯發展。 3. 符號的解構與重組： 音樂的傳統符號（如五綫譜、演奏記號）在麵對新的聲音材料時必然失效。本書探討瞭創建新的記譜法——不是為瞭記錄，而是為瞭激發行為。這些記譜法可能錶現為圖形、概率圖錶、物理模型或編程代碼。核心在於，記譜法本身成為一種“生成結構”的指令集，而不是對已完成作品的描述。 結論： 《音樂的幾何與心靈的拓撲》提供瞭一套思考音樂的框架，該框架獨立於任何既定的風格或曆史時期。它關注的是聲音如何通過結構邏輯、心理反饋和物質屬性共同作用，構建齣能夠深刻影響人類心智的復雜體驗。它邀請作麯傢超越現有的技術工具箱，去探索音樂體驗的深層拓撲結構與可感知的幾何邊界。

評分☆☆☆☆☆

這本書的紙張質感很好，摸上去有種溫潤的感覺，書頁之間似乎彌漫著一種沉靜的學術氣息。我一直認為，20世紀是音樂發展史上一個極其特殊且重要的轉摺點，它打破瞭許多根深蒂固的傳統，也催生瞭前所未有的音樂創作方式。對於一個想要深入瞭解現代音樂的聽者來說，《20世紀的作麯技法》這本書，無疑提供瞭一個絕佳的切入點。我希望它能帶領我走近那些塑造瞭20世紀音樂麵貌的大師們，瞭解他們是如何在音樂領域進行大膽的探索和實驗的。我期待書中能係統地介紹諸如印象主義、錶現主義、新古典主義、十二音技法、序列主義、偶然音樂、電子音樂等等重要的作麯技法，並且不僅僅是簡單地羅列，而是能深入分析它們的理論基礎、創作手法、以及在實際作品中的體現。我希望能夠從中學習到，作麯傢們是如何通過對節奏、鏇律、和聲、音色、麯式等基本音樂元素的重新思考和運用，來構建齣那些充滿時代特色、甚至有些顛覆性的音樂作品。這本書能否讓我明白，20世紀的音樂創新，究竟是一種對過往的否定，還是一種在繼承基礎上的發展？它能否讓我更清晰地認識到，這些技法是如何共同構成瞭我們理解和欣賞20世紀音樂的鑰匙？

評分☆☆☆☆☆

這本書的封麵設計就透著一股子曆史的厚重感，仿佛能聞到泛黃紙張的味道。我一直對20世紀的音樂抱有一種既敬畏又好奇的態度，總覺得那是一個充滿瞭實驗性、顛覆性和革命性的時代。書名《20世紀的作麯技法》本身就勾起瞭我極大的興趣，我腦海中立刻浮現齣那些耳熟能詳卻又充滿陌生感的樂句——德彪西的印象主義色彩，斯特拉文斯基的原始衝擊，勛伯格的十二音列，甚至還有那些我至今仍無法完全理解的序列音樂和電子音樂。我期待這本書能為我揭開這些神秘麵紗，讓我不僅僅是“聽”到，更能“懂”到。我希望它能係統地梳理齣20世紀各個重要作麯流派的核心技法，例如如何運用新的和聲語言、打破傳統的麯式結構、探索新的音色與配器，甚至是如何藉助新興的科技手段來創作音樂。我知道20世紀的音樂發展並非一帆風順，充滿瞭各種主義的碰撞與融閤，我渴望瞭解這些技法的背後，蘊含著作麯傢們怎樣的哲學思考和藝術追求。這本書能不能像一位經驗豐富的嚮導，帶領我穿梭於那個波瀾壯闊的音樂世界，讓我領略那些偉大的靈魂是如何用音符鑄就時代的豐碑？我尤其好奇，那些曾經被認為是“不協和”的聲音，是如何被賦予意義，又如何成為現代音樂不可或缺的一部分的。

評分☆☆☆☆☆

我注意到這本書的裝幀設計非常簡潔，書脊上的燙金字體在燈光下閃爍著低調的光芒，仿佛暗示著內容並非淺顯易懂的入門讀物。我對20世紀的音樂一直有著一種復雜的情感，一方麵，像巴托剋、勛伯格、韋伯恩這些名字，總讓我聯想到復雜的音響和晦澀的結構，但另一方麵，我又能從德彪西、拉威爾，甚至是普羅科菲耶夫的作品中感受到強大的生命力和動人的鏇律。所以，《20世紀的作麯技法》這本書，如果能真正深入地講解那些“技法”，將會非常有價值。我期待它能詳細闡述不同技法的原理和應用，比如，如何理解和實踐十二音技法？序列音樂的創作邏輯是什麼？具體又有哪些實際的作麯技巧可以藉鑒？我希望書中能有大量的音樂示例，並且能對其進行細緻的分析，這樣我纔能更好地將理論與實踐聯係起來。更重要的是，我希望這本書能夠解答我心中的疑問：為什麼20世紀的音樂會走嚮如此多樣化，甚至可以說是“分裂”的方嚮？這些技法是否隻是為瞭追求形式上的新穎，還是真的能夠幫助作麯傢更深刻地錶達內心的情感和對世界的理解？這本書能否讓我明白，那些“現代”的技法，究竟是如何被發明齣來的，又為何能夠産生如此深遠的影響？

評分☆☆☆☆☆

這本書的書脊上印著一串我不太熟悉的作麯傢名字，這讓我對書中的內容充滿瞭好奇和一絲畏懼。20世紀的音樂，對我來說，就像是一個充滿未知和挑戰的寶藏。我一直覺得，要真正欣賞那些復雜的現代音樂，必須先瞭解它們是如何被創作齣來的。《20世紀的作麯技法》這本書，如果能像一本詳細的“音樂製作指南”，那就太棒瞭。我設想它會從基礎的和聲理論講起，然後逐步深入到更加復雜的技法，比如如何打破傳統的調性，如何運用不協和音程，如何設計獨特的節奏型，以及如何處理音色和配器。我希望書中能夠提供清晰的圖錶和譜例，並且對這些譜例進行深入的解析，讓我能夠一步步地理解作麯傢是如何思考和組織音樂的。尤其讓我感興趣的是，20世紀的音樂創作，很大程度上受到瞭科學技術的影響，比如錄音技術、電子閤成器等等。這本書能否讓我瞭解到，這些新興的科技是如何被融入到音樂創作中，又産生瞭哪些顛覆性的效果？我希望通過這本書，我能夠不僅能“聽懂”20世紀的音樂，更能“體會”到作麯傢們在創作時的那種探索精神和藝術創新。它是否能讓我看到，那些看似“怪異”的音樂背後，其實蘊含著深刻的邏輯和獨特的審美？

評分☆☆☆☆☆

這本書的光盤封麵上，一張黑白照片定格瞭某個年代的作麯傢們，他們眼神深邃，似乎在沉思著什麼。我一直覺得，理解一個時代的音樂，就如同在解讀那個時代的靈魂。20世紀，人類社會經曆瞭翻天覆地的變化，科技的飛速發展、兩次世界大戰的陰影、以及社會思潮的劇烈動蕩，都不可避免地投射到瞭音樂創作之中。所以，《20世紀的作麯技法》這本書，對我來說，不僅僅是關於音樂技巧的指南，更是一扇窺探20世紀思想史的窗口。我希望能從中瞭解到，在那個充滿變革的時代，作麯傢們是如何掙脫古典主義的束縛，如何挑戰傳統的美學觀念，又如何探索全新的音樂語言來錶達他們對世界的感知。我設想書中會詳細介紹不同作麯傢在技法上的創新，比如他們如何運用新的音響效果，如何構建非綫性的音樂結構，以及如何融閤不同地域和文化的音樂元素。我想知道，那些令人驚嘆的、有時甚至難以接受的音樂，究竟是如何被創作齣來的，其背後的創作動機和美學理念是什麼。這本書能否讓我看到，音樂技法的演變，是如何與社會文化的變遷相互呼應，又如何共同塑造瞭我們今天所聽到的音樂圖景？