20世纪的作曲技法 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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[捷] 茨蒂拉德·柯赫乌铁克 著，张洪模 译

图书标签:

• 作曲技法
• 20世纪音乐
• 音乐理论
• 和声学
• 对位法
• 音乐分析
• 现代音乐
• 音乐史
• 作曲
• 音乐

出版社： 中央音乐学院出版社

ISBN：9787810967334

版次：1

商品编码：11906551

包装：平装

开本：32开

出版时间：2015-12-01

用纸：胶版纸

页数：333

正文语种：中文

内容简介

　　《20世纪的作曲技法》为引进版著作，原书作者为捷克音乐家茨蒂拉德·柯赫乌铁克。这位捷克音乐家在《20世纪的作曲技法》中系统地总结了西欧二十世纪的现代作曲技法，从作曲手法、作曲家、作品等方面全面地阐释，适合音乐院校作曲系学生学习使用，也是十分珍贵的史料。《20世纪的作曲技法》是为专家、专业音乐工作者而写的。它已广泛被音乐院校，首先是高等院校的理论作曲系采用为教材。

目录

前言
第一章 音乐思维与作曲技法的发展问题

第二章 扩展调性的技法与程式音乐的技法
基本原则
和弦的丰富化
新调式
新调性、程式、节奏的可能性的利用
调式技法和程式技法的进一步的可能性
1／4音的、1／3音的、1／6音的和1／12音的体系
无调性的序列技术和系列技法

第三章 序列技法——十二音体系
系列技法——结构主义
I 因素的选择
II 整个乐曲的结构

第四章 点描主义

第五章 技术音乐、电子音乐、具体音乐、录音磁带音乐
——随着科学和技术的发展走向新音响
新乐器的分类
技术音乐的目的
技术音乐史料
技术音乐的实验室设备
作曲的原理和方法专门用语
20世纪的作曲技术
组织所赏音乐的音响实现的可能性
记谱法、总谱

第六章 偶然法和音色音乐
产生的原因、根源、传统
现代音乐中偶然法的应用
控制论与音乐
创作和表演上的离奇古怪表现
结论与展望

附录

前言/序言

音乐的几何与心灵的拓扑：一部跨越时代的作曲法探索 书名：音乐的几何与心灵的拓扑 内容简介： 本书并非对特定历史时期或流派作曲技法的梳理，而是深入探讨音乐结构背后更深层次的、跨越时空的组织原则与感知规律。它将音乐视为一种复杂的、多维度的空间结构，探究声音如何在其内部建构起逻辑上的严密性与情感上的无限延展性。 《音乐的几何与心灵的拓扑》旨在引领读者从传统的对位法、和声功能性等技术层面，跃升至对音乐形态学与听觉心理学的哲学思辨。我们不关注“如何写出”巴赫式的赋格或德彪西式的和弦，而是追问“为何某些声音组合会产生结构感”以及“听者的大脑如何对音乐的非线性展开做出反应”。 第一部分：声音的拓扑学——空间、维度与非欧几何 本部分将音乐视为一种非欧几里得空间进行研究。传统音乐理论往往基于线性的时间轴和三维的音高、力度空间。然而，现代音乐的复杂性要求我们引入更高维度的视角。 1. 序列的非线性路径： 探讨序列主义（Serialism）作为一种“空间规划”而非仅仅是“音高组织”的方法。我们将分析序列在不同维度上的投射——节奏序列、力度序列、音色序列——如何共同构建一个多面体的结构。这里的关键不是序列本身，而是如何利用序列的组合来定义音高之间的距离和邻近性，如同在黎曼几何中定义测地线。 2. 调性的模糊边界与“音域的曲率”： 抛弃传统的调性中心概念，转而研究音高集合如何形成具有不同“曲率”的声场。例如，全音阶构成的空间相对平坦，易于导航；而微分音程或集合音高（Set Theory）构成的空间则高度弯曲，使得“近”与“远”的定义变得模糊。我们考察如何通过音高的密度分布来模拟引力场，吸引或排斥听觉注意力的焦点。 3. 形式的裂变与自相似性（Fractal Forms）： 分析音乐结构中是否存在分形特征。即一个短小的动机或乐句的内部组织规律，是否能在宏观的乐章结构中找到映射。这种自相似性提供了一种内部一致性，即使其表面材料完全是无调性的或噪音化的。我们将研究如何设计一个算法，使其生成的“种子”能够在不同尺度上自我复制并演化，从而构建出没有中心、但具有内在一致性的音乐体量。 第二部分：感知的心理动力学——时间、记忆与预期偏差 这一部分的核心在于探索听觉感知对音乐结构的回馈作用，关注的是“听者如何体验结构”这一动态过程，而非结构本身的设计蓝图。 1. 时间的塑形：节奏的弹性与张力： 节奏不再被视为节拍的简单划分，而是时间的感知弹性。我们将深入分析预期的破裂与重建（Violation-Expectation Model）在非传统节奏中的应用。当听众习惯于一种周期性时，任何对该周期的微小扰动都会产生巨大的心理能量。本书探讨如何精确计算这种“心理张力”——它与数学上的“信息熵”存在何种关联。我们不使用传统的节奏型，而是研究如何通过控制停顿的质量和密度变化来雕刻时间块。 2. 听觉记忆的衰减曲线与材料的“可见性”： 在一个音色极其复杂的织体中，如何确保关键的音乐材料不被淹没？这涉及到听觉记忆的编码与提取效率。我们将研究如何利用音色（Timbre）的独特频谱特性（而非传统意义上的“音高”）作为记忆锚点。例如，一个高度非谐波的声音在听觉皮层中留下的痕迹，与纯音的痕迹有何不同？这有助于作曲家设计可追溯的叙事线索，即使叙事本身是抽象的。 3. 音乐的意象投射与潜意识的共振： 本章转向音乐体验的主观层面。音乐的“意义”往往来自听者将声音结构与自身经验投射进去。本书试图量化这种投射的可能性空间。我们分析那些模糊、开放的音乐材料（如特定的噪音或延长和弦）如何为听众提供最大的“解释自由度”，从而激发深层的情感共鸣。这是一种“留白”的艺术，其精确性要求对听觉材料的饱和度进行细致的控制。 第三部分：跨媒介的转换与声音的“物质性” 最后，本书将音乐的组织原则置于更广阔的媒介环境下来考察，探讨声音作为一种物理实体所具备的潜力。 1. 物质声学与合成的哲学： 不再将合成器视为工具，而是将其视为一种新的物理定律实验室。我们研究如何通过对振荡器、滤波器和调制器的极端设置，去揭示自然界中未被听觉感知的声学现象——例如，次谐波的生成、非线性反馈循环的动态稳定状态。这不仅是技术操作，更是对声音“物质性”的哲学探讨：声音在多大程度上可以被视为一种可塑的、可测量的物质？ 2. 音乐的“体积”与“密度”： 探索如何通过多声道技术（如沉浸式音频或空间化技术）来设计音乐的三维体积感。一个音符不仅有高低，更有前后左右的“重量”。这种空间设计是结构本身的一部分，而非后期的装饰。我们将分析如何利用空间距离来模拟调性关系（例如，极端的空间分离等同于极端的和声不协和），从而用空间运动来驱动音乐的逻辑发展。 3. 符号的解构与重组： 音乐的传统符号（如五线谱、演奏记号）在面对新的声音材料时必然失效。本书探讨了创建新的记谱法——不是为了记录，而是为了激发行为。这些记谱法可能表现为图形、概率图表、物理模型或编程代码。核心在于，记谱法本身成为一种“生成结构”的指令集，而不是对已完成作品的描述。 结论： 《音乐的几何与心灵的拓扑》提供了一套思考音乐的框架，该框架独立于任何既定的风格或历史时期。它关注的是声音如何通过结构逻辑、心理反馈和物质属性共同作用，构建出能够深刻影响人类心智的复杂体验。它邀请作曲家超越现有的技术工具箱，去探索音乐体验的深层拓扑结构与可感知的几何边界。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计就透着一股子历史的厚重感，仿佛能闻到泛黄纸张的味道。我一直对20世纪的音乐抱有一种既敬畏又好奇的态度，总觉得那是一个充满了实验性、颠覆性和革命性的时代。书名《20世纪的作曲技法》本身就勾起了我极大的兴趣，我脑海中立刻浮现出那些耳熟能详却又充满陌生感的乐句——德彪西的印象主义色彩，斯特拉文斯基的原始冲击，勋伯格的十二音列，甚至还有那些我至今仍无法完全理解的序列音乐和电子音乐。我期待这本书能为我揭开这些神秘面纱，让我不仅仅是“听”到，更能“懂”到。我希望它能系统地梳理出20世纪各个重要作曲流派的核心技法，例如如何运用新的和声语言、打破传统的曲式结构、探索新的音色与配器，甚至是如何借助新兴的科技手段来创作音乐。我知道20世纪的音乐发展并非一帆风顺，充满了各种主义的碰撞与融合，我渴望了解这些技法的背后，蕴含着作曲家们怎样的哲学思考和艺术追求。这本书能不能像一位经验丰富的向导，带领我穿梭于那个波澜壮阔的音乐世界，让我领略那些伟大的灵魂是如何用音符铸就时代的丰碑？我尤其好奇，那些曾经被认为是“不协和”的声音，是如何被赋予意义，又如何成为现代音乐不可或缺的一部分的。

评分☆☆☆☆☆

这本书的光盘封面上，一张黑白照片定格了某个年代的作曲家们，他们眼神深邃，似乎在沉思着什么。我一直觉得，理解一个时代的音乐，就如同在解读那个时代的灵魂。20世纪，人类社会经历了翻天覆地的变化，科技的飞速发展、两次世界大战的阴影、以及社会思潮的剧烈动荡，都不可避免地投射到了音乐创作之中。所以，《20世纪的作曲技法》这本书，对我来说，不仅仅是关于音乐技巧的指南，更是一扇窥探20世纪思想史的窗口。我希望能从中了解到，在那个充满变革的时代，作曲家们是如何挣脱古典主义的束缚，如何挑战传统的美学观念，又如何探索全新的音乐语言来表达他们对世界的感知。我设想书中会详细介绍不同作曲家在技法上的创新，比如他们如何运用新的音响效果，如何构建非线性的音乐结构，以及如何融合不同地域和文化的音乐元素。我想知道，那些令人惊叹的、有时甚至难以接受的音乐，究竟是如何被创作出来的，其背后的创作动机和美学理念是什么。这本书能否让我看到，音乐技法的演变，是如何与社会文化的变迁相互呼应，又如何共同塑造了我们今天所听到的音乐图景？

评分☆☆☆☆☆

这本书的书脊上印着一串我不太熟悉的作曲家名字，这让我对书中的内容充满了好奇和一丝畏惧。20世纪的音乐，对我来说，就像是一个充满未知和挑战的宝藏。我一直觉得，要真正欣赏那些复杂的现代音乐，必须先了解它们是如何被创作出来的。《20世纪的作曲技法》这本书，如果能像一本详细的“音乐制作指南”，那就太棒了。我设想它会从基础的和声理论讲起，然后逐步深入到更加复杂的技法，比如如何打破传统的调性，如何运用不协和音程，如何设计独特的节奏型，以及如何处理音色和配器。我希望书中能够提供清晰的图表和谱例，并且对这些谱例进行深入的解析，让我能够一步步地理解作曲家是如何思考和组织音乐的。尤其让我感兴趣的是，20世纪的音乐创作，很大程度上受到了科学技术的影响，比如录音技术、电子合成器等等。这本书能否让我了解到，这些新兴的科技是如何被融入到音乐创作中，又产生了哪些颠覆性的效果？我希望通过这本书，我能够不仅能“听懂”20世纪的音乐，更能“体会”到作曲家们在创作时的那种探索精神和艺术创新。它是否能让我看到，那些看似“怪异”的音乐背后，其实蕴含着深刻的逻辑和独特的审美？

评分☆☆☆☆☆

我注意到这本书的装帧设计非常简洁，书脊上的烫金字体在灯光下闪烁着低调的光芒，仿佛暗示着内容并非浅显易懂的入门读物。我对20世纪的音乐一直有着一种复杂的情感，一方面，像巴托克、勋伯格、韦伯恩这些名字，总让我联想到复杂的音响和晦涩的结构，但另一方面，我又能从德彪西、拉威尔，甚至是普罗科菲耶夫的作品中感受到强大的生命力和动人的旋律。所以，《20世纪的作曲技法》这本书，如果能真正深入地讲解那些“技法”，将会非常有价值。我期待它能详细阐述不同技法的原理和应用，比如，如何理解和实践十二音技法？序列音乐的创作逻辑是什么？具体又有哪些实际的作曲技巧可以借鉴？我希望书中能有大量的音乐示例，并且能对其进行细致的分析，这样我才能更好地将理论与实践联系起来。更重要的是，我希望这本书能够解答我心中的疑问：为什么20世纪的音乐会走向如此多样化，甚至可以说是“分裂”的方向？这些技法是否只是为了追求形式上的新颖，还是真的能够帮助作曲家更深刻地表达内心的情感和对世界的理解？这本书能否让我明白，那些“现代”的技法，究竟是如何被发明出来的，又为何能够产生如此深远的影响？

评分☆☆☆☆☆

这本书的纸张质感很好，摸上去有种温润的感觉，书页之间似乎弥漫着一种沉静的学术气息。我一直认为，20世纪是音乐发展史上一个极其特殊且重要的转折点，它打破了许多根深蒂固的传统，也催生了前所未有的音乐创作方式。对于一个想要深入了解现代音乐的听者来说，《20世纪的作曲技法》这本书，无疑提供了一个绝佳的切入点。我希望它能带领我走近那些塑造了20世纪音乐面貌的大师们，了解他们是如何在音乐领域进行大胆的探索和实验的。我期待书中能系统地介绍诸如印象主义、表现主义、新古典主义、十二音技法、序列主义、偶然音乐、电子音乐等等重要的作曲技法，并且不仅仅是简单地罗列，而是能深入分析它们的理论基础、创作手法、以及在实际作品中的体现。我希望能够从中学习到，作曲家们是如何通过对节奏、旋律、和声、音色、曲式等基本音乐元素的重新思考和运用，来构建出那些充满时代特色、甚至有些颠覆性的音乐作品。这本书能否让我明白，20世纪的音乐创新，究竟是一种对过往的否定，还是一种在继承基础上的发展？它能否让我更清晰地认识到，这些技法是如何共同构成了我们理解和欣赏20世纪音乐的钥匙？