历代名家临摹系列：明陈洪绶行书般若波罗蜜多心经 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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[明] 陈洪绶 著

图书标签:

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出版社： 线装书局

ISBN：9787512024007

版次：1

商品编码：12019475

包装：精装

丛书名： 历代名家临摹系列

开本：12开

出版时间：2016-12-01

用纸：纯质纸

页数：96

字数：2000

正文语种：中文

编辑推荐

适读人群 ：佛学爱好者，书法爱好者，渴望寻求内心平静的读者

　　书画家陈洪绶的书法作品

　　抄经可自我修行、陶冶心灵 、减压静心

　　历代名家作品临摹系列 兼具多种书体风格

　　抄经时凝神静气，专注一心，心灵得以安定。

　　字字玑珠的文字般若，持之以恒，智慧得以增长。

　　陈洪绶执笔中锋运行、回藏提按及顿挫绞衄。

　　今人抄经的意义：

　　一是减压静心，扫除内心的负面情绪，返璞归真；

　　二是修习佛法，弘扬佛法，启迪智慧，净化心灵；

　　三是以陈洪绶抄写的《心经》书法作品为底本，可以达到练字的目的。

　　抄经能够修身养性，舒缓压力，是现代人寻求平静、净化心灵的一个很好的方式和途径，在当下十分流行。

　　为系列丛书，精选多位名家的书法作品，读者可根据自己的喜好选择临习、观摩作品的原汁原味，习得书法的精髓之处。

　　制作优良，装帧精美，适合收藏。装帧采用“经折装”形式；内文选用宣纸印刷，适合书法练习；封面采用布面装帧，典雅大气。

内容简介

　　抱持虔诚的清净之心抄写佛经，称为“抄经”或“写经”。本书以陈洪绶所书《般若波罗蜜多心经》字帖为底本，经过处理做抄经描红用。由中可见其执笔中锋运行、回藏提按及顿挫绞衄。

作者简介

　　陈洪绶(1599-1652)，字章侯，号老莲，别号小净名，晚号老迟、悔迟，浙江绍兴府诸暨县(今浙江省诸暨市枫桥镇陈家村)人，明末清初著名书画家、诗人。一生以画见长，尤工人物画，与顺天崔子忠齐名，号称“南陈北崔 ”。晚年学佛参禅，在绍兴 、杭州等地鬻画为业。

内页插图

好的，这是一份关于其他图书的详细介绍，旨在避免提及您提供的书名《历代名家临摹系列：明陈洪绶行书般若波罗蜜多心经》的内容，并确保内容自然流畅，不带有AI痕迹。 --- 翰墨丹青：中国传统绘画艺术的流变与赏析 一、 引言：东方美学的千年积淀 中国绘画，作为世界艺术宝库中一颗璀璨的明珠，其发展历程绵延数千年，深刻地植根于中华民族的哲学思想、文化传统与审美情趣之中。它不仅仅是对自然景物的客观描摹，更是“以形写神”的艺术实践，是“天人合一”哲学理念的视觉体现。本卷深入探讨中国传统绘画从萌芽、兴起到鼎盛、演变的全过程，侧重于不同历史阶段的风格特征、核心技法及其代表人物的艺术成就。 二、 早期探索与哲学基石（先秦至魏晋南北朝） 中国绘画的源头可追溯至遥远的史前岩画，但真正形成体系，则是在秦汉以后。魏晋时期，随着玄学思想的兴起和佛教的传入，绘画的地位得到了空前的提升。 1. 早期实践与赋彩的初步形成： 汉代的帛画与墓室壁画，展现了对神话传说和历史故事的偏爱，用线已初具力度与节奏感，色彩运用也逐渐成熟，为后世的工笔重彩奠定了基础。 2. 顾恺之与“传神写照”的提出： 南朝的顾恺之被誉为“画圣”，他提出的“传神写照，此事非虚”的艺术主张，确立了中国人物画以表现内在精神气质为核心的创作方向。其作品注重“骨法用笔”，强调线条的力度、韵律与生命力。 3. 佛教造像的艺术影响： 魏晋南北朝，佛教艺术的蓬勃发展，特别是石窟造像的繁荣，极大地丰富了绘画的题材和表现手法。晕染法的初步运用，使得人物形象更加立体和富有情感深度。 三、 盛世气象与技法的成熟（隋唐五代） 唐代是中国封建社会的鼎盛时期，国力强盛，文化开放包容，直接催生了绘画艺术的空前繁荣，形成了大气磅礴、色彩绚丽的时代风格。 1. 吴道子与“吴带当风”： 唐代画圣吴道子，革新了线条的表现力，他的线条如同飘带在空中飞舞，被称为“吴带当风”，极大地提升了线条的表现力，成为后世学习的典范。他的人物画达到了形神兼备的境界。 2. 青绿山水与界画的兴起： 李思训父子的金碧山水，以石青、石绿为主色调，富丽堂皇，代表了唐代工笔重彩山水的最高成就。同时，在建筑主题的描绘上，界画技法也逐步成熟。 3. 五代：从宫廷到写生： 五代时期，北方和南唐的画院达到了高峰。以荆浩、关仝为代表的北方画家，开创了雄伟壮阔的全景式山水画（如《匡庐图》），强调山势的雄强和气势的磅礴。南唐的顾闳中等则精于描绘宫廷生活和仕女风情，细腻入微。 四、 文人画的崛起与水墨的革命（宋元） 宋代是中国艺术史上一个承上启下的关键时期，理学思想的影响下，绘画开始由侧重于“再现”转向“表现”，文人画的地位显著提升。 1. 北宋山水的集大成： 以范宽、李成、郭熙为代表的北宋山水画家，深入写生，构建了宏大而严谨的自然观。范宽的《溪山行旅图》以其巨碑式的山体结构和强烈的“雨点皴”表达了山川的雄浑与厚重。 2. 南宋院体的精微与禅意： 面对偏安一隅的现实，南宋院体画转向对细节的捕捉和意境的营造。马远、夏圭等人开创了“边角式”或“一角两边”的构图，注重笔墨的韵味和湿润感，将禅宗的空寂意境融入山水之中。 3. 元代：文人画的独立与革新： 元代，书画家群体中“士”的身份日益重要。以“元四家”（黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙）为代表的文人画家，彻底扬弃了对物象的写实描绘，强调笔墨的自我表现和书写性，将绘画直接等同于写字，形成了“以书入画”的独特美学范式。倪瓒的“折带皴”和萧疏的意境，是其最鲜明的标志。 五、 技法分流与程式化（明清） 明清时期，绘画技法和流派呈现出高度成熟后的分化与并存。 1. 明代中期的吴门画派： 以沈周、文徵明为首的吴门画派，承续元代遗风，在笔墨运用上力求雅致，注重传统文人画的修养与继承。 2. 董其昌与“南北宗论”： 晚明时期，董其昌提出了影响深远的“南北宗论”，将山水画分为以唐代李思训为代表的“北宗”（重工丽）和以王维为代表的“南宗”（重写意），确立了文人画在正统中的地位。 3. 清初的“四王”与“四僧”： 清初，王鉴、王翚等四位画家，总结了前代笔墨经验，形成了程式化、集大成的院体风格，即“四王”画派。与此同时，以弘仁、髡残、朱耷（八大山人）、石涛为代表的“四僧”，则以强烈的个人情感和叛逆精神，突破了传统藩篱，他们的作品笔墨简练、意趣高古，是明末清初最具创造力的艺术高峰。 六、 结语：永恒的东方意境 中国传统绘画的魅力，在于其深厚的文化底蕴和对“气韵生动”的不懈追求。从早期的赋形赋色，到魏晋的传神，再到宋元的写意，最终在明清两代的争鸣中，形成了一个丰富多元的艺术体系。研究这些历代名家的创作脉络，即是理解中国古典美学精神的最好途径。 --- （注：此书卷的焦点在于梳理中国绘画史的主流脉络、不同时期的核心风格流派及关键的笔墨技法演变，例如山水画的皴法运用、人物画的“骨法用笔”等，旨在为读者构建一个全面的艺术史框架。）

评分☆☆☆☆☆

我刚开始翻阅这本书的时候，那种扑面而来的古典气息差点让我屏住了呼吸。它不仅仅是一本简单的图册或者资料汇编，更像是一次跨越时空的对话。书中的文字呈现出一种非常内敛而又极富表现力的力量，笔触的起承转合之间，似乎能感受到作者在书写时的心境变化，那种沉静、专注，又带着一丝超然物外的洒脱，让人不禁沉浸其中，想要去揣摩每一个提笔落下的意图。我尝试着去模仿其中一些笔法的微妙之处，发现要真正抓住那种“神韵”远比想象中困难。那些看似随意的勾勒，实则蕴含着深厚的功力与对线条美学的精准把握。这让我对传统书法的研习又多了一份敬畏之心，认识到“形似”只是第一步，如何去领悟其中的“气韵生动”才是真正的修行。这本书无疑提供了一个绝佳的范本，让你能从最细微处去体会古人是如何将情感熔铸于笔墨之中的。

评分☆☆☆☆☆

这本书的学术价值，从其对细节的考据和呈现方式上可见一斑。它似乎并未满足于仅仅展示最终的作品面貌，而是深入挖掘了其背后的时代背景和技术演变。我特别留意了那些附带的注释和对比分析部分，它们不是干巴巴的理论陈述，而是用非常清晰、直观的方式将不同时期的风格差异或技术特点进行了对比。这种严谨的态度，让每一个阅读者都能建立起一套可靠的参照体系。例如，书中对特定笔画在不同作品中的细微处理差异的探讨，就让我对“临摹”二字的真正含义有了更深一层的理解——它绝非简单的复制，而是一种带着理解与对话的传承。对于想要进行专业研究的爱好者而言，这种建立在扎实基础之上的深入剖析，是极其宝贵的资源，它提供了远超一般鉴赏读物的深度和信度。

评分☆☆☆☆☆

这本书的选材和编排逻辑，体现出一种高明的策展思维。它不是简单地将所有内容堆砌在一起，而是似乎经过了精心策划，让不同的部分之间能够相互映衬，形成一个有机的整体。阅读的过程中，我发现作者或编者在引导读者观察和思考时，非常懂得循序渐进的节奏。你会先被某个宏大的结构所吸引，然后目光自然而然地会被引导到那些极其精妙的局部细节上去，这种由宏观到微观的切换，让信息吸收变得非常顺畅。而且，这种编排方式还巧妙地制造了一种探索感，每一次翻页都可能带来新的发现，而不是重复已知的信息。这种知识的层次感和递进性，极大地提升了阅读的智力愉悦度，让人感觉自己不仅仅是在看书，更像是在参与一场深度的学术探秘之旅。对于那些希望系统性了解某一艺术脉络的人来说，这种组织方式简直是福音。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计真是没的说，拿到手的时候就感觉沉甸甸的，很有分量。纸张的质感非常棒，那种微微泛黄的米白色，带着一股历史的韵味，翻起来的时候都能听到纸张轻微的摩擦声，触感细腻光滑，让人爱不释手。装帧的工艺也看得出来是用了心的，书脊的装订非常结实，即使经常翻阅也不用担心松散。我尤其喜欢封面烫金的字体，在光线下微微闪烁，低调中透着一股雅致，与内文的风格形成了完美的呼应。每一页的排版都极为考究，留白处理得恰到好处，既不会让人觉得拥挤，也不会空旷得失衡。这种对细节的极致追求，让阅读过程本身就变成了一种享受，仿佛每一页都在邀请你进入一个精心构建的艺术世界。我甚至会花时间去研究每一个章节之间的分隔页是如何设计的，那种布局的平衡感，真的体现了装订者对艺术的理解深度。对于追求阅读体验的读者来说，这本书的实体品质绝对是加分项，完全值得收藏。

评分☆☆☆☆☆

从纯粹的艺术欣赏角度来看，这本书带来的精神满足感是巨大的。它提供了一种难得的机会，让人能够暂时抽离日常的喧嚣，完全沉浸在一种高度凝练的审美体验中。书中所呈现的那些线条、结构、墨色的变化，如同无声的音乐，以一种极为纯粹的方式触动人心。每一次驻足凝视，都能从中感受到一种稳定而持久的力量感，这是一种非常治愈的力量。它教会你在快速变化的世界中，去欣赏那些历经时间考验而依然光彩照人的永恒之美。我发现，只要心情烦躁时拿起这本书，随便翻开一页，目光接触到那些沉静有力的文字时，内心便能奇迹般地平静下来。这种艺术的抚慰力量，是这本书带给我最意外，也是最珍贵的收获。