中国画基础教程/21世纪全国高职高专美术·艺术设计专业“十三五”精品课程规划教材 [The Chinese painting basic courses] pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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王春涛 著

图书标签:

• 中国画
• 绘画基础
• 艺术设计
• 高职高专
• 美术教材
• 技法
• 入门
• 教程
• 国画
• 艺术

出版社： 辽宁美术出版社

ISBN：9787531476313

版次：1

商品编码：12328185

包装：平装

丛书名： 21世纪全国高职高专美术·艺术设计专业“十三五”精品课程规划教材

外文名称：The Chinese painting basic courses

开本：16开

出版时间：2017-03-01

用纸：胶版纸

页数：94

内容简介

　　在坚持遵循中国传统基础教育与内涵和训练好扎实绘画（当然也包括设计摄影）基本功的同时，向国外先进国家学习借鉴科学的并且灵活的教学方法、教学理念以及对专业学科深入而精微的研究态度，辽宁美术出版社会同全国各院校组织专家学者和富有教学经验的精英教师联合编撰出版了《21世纪全国高职高专美术·艺术设计专业“十三五”精品课程规划教材》。

目录

序
第一章 中国画概述
一、中国画特点
二、中国画的工具材料及性能

第二章 中国画的学习方法和步骤
一、临摹
二、写生
三、创作

第三章 中国画的表现内容与形式
一、人物画
二、山水画
三、作品赏析
四、花鸟画
五、写意花鸟画
六、写意梅兰竹菊的绘画技法
画家简介
后记

笔墨生辉：中国画的艺术魅力与创作路径 中国画，一项古老而又充满活力的艺术形式，以其独特的审美追求、精湛的技法传承和深厚的文化底蕴，在世界艺术之林中独树一帜。它不仅仅是色彩与线条的组合，更是中国人精神世界、哲学思考和生活情趣的凝练与表达。本书旨在带领读者走进中国画的艺术殿堂，从基础入手，循序渐进地理解其精髓，掌握其创作方法，最终能够挥洒笔墨，抒发胸臆，创作出属于自己的中国画作品。 一、中国画的艺术基因：形神兼备的哲学意境 中国画的魅力，首先体现在其独特的艺术哲学上。“以形写神”，是中国画创作的核心理念。与西方绘画强调对客观物象的精确复刻不同，中国画更注重捕捉对象的内在精神气质，即“神”。“形”是“神”的载体，通过对形态的提炼与概括，以达到“神”的生动呈现。这背后蕴含着中国古代“天人合一”的哲学思想，认为人与自然、人与万物是相互联系、相互感应的，艺术创作便是对这种宇宙和谐的体悟与再现。 这种对“形神兼备”的追求，使得中国画作品具有一种独特的“气韵生动”的特质。一幅好的中国画，不仅仅是静态的画面，更蕴含着蓬勃的生命力，仿佛能与观者进行心灵的对话。无论是山水画中的云海翻腾，花鸟画中的鸟语虫鸣，还是人物画中的喜怒哀乐，都试图通过笔墨的韵律和色彩的和谐，传递出一种超越物质表象的精神力量。 二、笔墨的魔力：中国画的独特语言 如果说“形神兼备”是中国画的灵魂，那么“笔墨”便是其赖以生存的血肉。笔墨是中国画最基本、也是最核心的构成元素，它集造型、表现、象征于一体，拥有极其丰富的表现力。 1. 笔法：线条的生命力 中国画中的线条，绝非简单的勾勒。它讲究“十八描”，每一种描法都有其独特的形态和表现力，能够塑造出不同质感、不同精神的面貌。例如，“钉头鼠尾描”用于表现坚硬的物体，“游丝描”则适合描绘飘逸的丝绸或细长的枝蔓。每一笔的起承转合，都凝聚着书写者的功力与情感。 起笔与收笔： 起笔的力道、速度、角度，收笔的提、顿、拖，都决定了线条的生命力。一个苍劲有力的起笔，可以表现事物的坚实；一个轻盈飘逸的收笔，则能展现事物的灵动。 行笔： 在线条运行过程中，速度的变化、墨色的浓淡、笔锋的转折，都赋予了线条不同的质感。快则如疾风骤雨，慢则如行云流水，浓墨则厚重，淡墨则清雅。 笔势： 笔势是中国画线条的内在力量和走向，它决定了线条的韵律和动态。一笔下去，不仅是线条的连接，更是力量的传递和情感的抒发。 2. 墨法：层次与韵味 墨是中国画的“色彩”，其丰富性远超许多人的想象。“墨分五色”，并非指五种不同的颜色，而是指通过运用浓、淡、干、湿、焦等不同的墨色变化，在纸面上呈现出丰富的层次感和立体感。 浓墨： 表现事物的实体、力量感或强调重点。 淡墨： 表现事物的轻盈、空灵或远处的景物。 干墨： 表现事物的质感、苍劲或沧桑感。 湿墨： 表现事物的柔和、湿润或水汽。 焦墨： 笔墨枯焦，极具力量和张力，常用于表现嶙峋的山石或枯老的枝干。 墨法的运用，使得画面在黑白灰的统一中，展现出无穷的变化，营造出深邃的意境。 3. 用笔与用墨的结合： 笔法和墨法并非孤立存在，而是相互依存、相互促进的。用笔的力度、速度、转折，决定了墨的走向和形态；而墨的浓淡、干湿，又反过来影响着笔的质感和表现力。巧妙地结合使用，才能创造出气韵生动、生机勃勃的画面。例如，用浓墨勾勒山石的轮廓，再用淡墨皴擦出山体的纹理，便是笔墨结合的经典运用。 三、中国画的门类与题材：广阔的艺术天地 中国画的题材极其广泛，大致可以分为山水、花鸟、人物三大类，每一类又包含着丰富的表现内容和独特的艺术风格。 1. 山水画：自然的哲学与人文的寄托 山水画是中国画中最具代表性的画种之一，它描绘的是自然山川的景象，更寄托着画家对自然的热爱、对人生的思考以及对理想境界的追求。 全景山水： 描绘壮丽的山河景象，展现大自然的雄伟壮阔，如范宽的《溪山行旅图》。 意境山水： 侧重于表现山水的意境和诗情画意，追求“笔精墨妙，得之于心，应之于手”的艺术效果，如王蒙的《夏日山居图》。 写意山水： 以简练的笔墨写意，概括出山水的神韵，强调笔墨的自由挥洒和情感的抒发。 山水画不仅展现了自然之美，更体现了中国古代“隐逸文化”和“归隐山林”的情怀，是文人墨客寄情山水的理想载体。 2. 花鸟画：生命的赞歌与四时之韵 花鸟画以花卉、鸟兽、鱼虫等为描绘对象，是表现生命活力和四季变化的艺术形式。它以细腻的笔触和鲜明的色彩，捕捉了自然界生命的灵动与美好。 工笔花鸟： 笔法工整，色彩细腻，设色富丽，极尽描摹之能事，如赵佶的《芙蓉锦鸡图》。 写意花鸟： 以简练的笔墨写意，捕捉花鸟的姿态和神韵，笔墨淋漓，意趣盎然，如齐白石的虾蟹。 吉祥图案： 许多花鸟画题材都带有象征意义，如松鹤延年、兰桂腾芳等，寄托着人们对美好生活的祝愿。 花鸟画不仅展现了自然的生机，也体现了中国人对自然万物的热爱和尊重。 3. 人物画：社会万象与精神风貌 人物画是中国画中最早出现的画种之一，它描绘人物的形象、性格、情感和生活场景，是中国古代社会历史的生动写照。 历史人物画： 描绘历史故事中的人物，如顾恺之的《洛神赋图》。 肖像画： 描绘特定人物的形象，力求形神兼备，如阎立本的《步辇图》。 风俗画： 描绘社会生活场景和民间习俗，如张择端的《清明上河图》。 宗教人物画： 描绘佛教、道教等宗教中的神佛形象。 人物画通过对人物形象的塑造，展现了不同时代、不同阶层的人物精神风貌和社会百态。 四、创作的实践：从临摹到创作的飞跃 要掌握中国画的创作，离不开勤奋的练习和有意识的实践。 1. 临摹：打下坚实的基础 临摹是中国画学习的必经之路。通过临摹名家名作，可以学习其用笔、用墨、构图、色彩等技法，领略其艺术风格和创作理念。 选择经典作品： 从基础的线条、墨法的练习开始，逐渐过渡到临摹构图完整、技法成熟的作品。 深入理解： 临摹不仅仅是“照猫画虎”，更要理解作品的创作思路、笔墨的运用缘由、构图的巧妙之处。 勤加练习： 坚持不懈地临摹，是熟练掌握技法的关键。 2. 写生：捕捉生活中的美 写生是中国画创作的重要环节，它让画家走出画室，深入生活，观察自然，捕捉真实的美。 观察与提炼： 仔细观察对象，提炼其形体特征、色彩变化、光影关系。 写生工具： 熟悉各种纸张、颜料、毛笔的特性，并根据写生对象选择合适的工具。 技法实践： 在写生的过程中，尝试运用所学的笔墨技法，将观察到的形象转化为中国画语言。 速写： 培养快速捕捉对象动态和特征的能力，为创作积累素材。 3. 创作：情感与技法的融合 当积累了足够的技法和素材后，就可以尝试独立创作。创作是将个体的生活体验、情感表达与所学技法融为一体的过程。 立意构思： 确定画作的主题、内容和表达的情感，构思画面布局。 草稿绘制： 绘制草稿，反复推敲构图、线条、墨色、色彩的安排。 技法运用： 在正式创作中，灵活运用所学的笔墨技法，将心中的意象转化为画面。 反复修改： 创作是一个不断修改、完善的过程，要勇于调整和创新。 五、结语 中国画是一门博大精深的艺术，它承载着中华民族深厚的文化底蕴和独特的审美情趣。本书希望通过系统性的讲解和实用的指导，帮助读者建立起对中国画的初步认知，掌握其基本的创作方法。艺术的道路永无止境，希望本书能成为您走进中国画艺术殿堂的一扇窗，一份引子，在您挥洒笔墨的旅程中，发现无限的乐趣与可能。愿每一位热爱中国画的朋友，都能在这方寸纸上，绘出属于自己的精彩世界。

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我是一名高中生，一直对中国画有着浓厚的兴趣，但苦于没有合适的入门书籍。在一次偶然的机会，我发现了这本《中国画基础教程》，它就像是为我量身定做的。这本书的优点在于它的“循序渐进”，从最基础的“用笔”开始，到“用墨”，再到“用色”，一步一个脚印，让我觉得学习过程非常轻松。我最喜欢的部分是关于“用笔”的讲解，作者详细地介绍了各种笔法的特点，并用清晰的图示进行示范，让我能够准确地掌握每一种笔法的运用。例如，在画山水画的皴法时，书中列举了披麻皴、斧劈皴等多种皴法，并详细讲解了它们的特点和适用场景。我跟着书中的练习，尝试着去画不同的山石，虽然一开始画得不太好，但能明显感觉到自己在用笔上的进步。书中的“范画”也给我留下了深刻的印象，各种不同风格的中国画作品，让我领略到了中国画的博大精深。我尤其喜欢书中对花鸟画的讲解，作者用通俗易懂的语言，讲解了画花鸟的各种技巧，例如画叶子、画花瓣、画鸟的羽毛等等。这本书让我对中国画产生了浓厚的兴趣，也让我看到了自己成为一名中国画家的希望。

评分☆☆☆☆☆

这本书的编排方式非常巧妙，既有理论知识的讲解，又不乏实践操作的指导。我尤其喜欢书中关于“构图”的章节，它不仅仅是简单地介绍几种构图模式，而是深入地分析了不同构图方式所能传达的情感和视觉效果。作者通过分析大量的经典画作，讲解了如何运用“留白”、“虚实对比”、“散点透视”等手法来增强画面的表现力，让我对中国画的构图有了全新的认识。我曾经在画山水画时，总觉得画面显得拥挤，通过学习这本书，我才明白是我的构图方式有问题，需要更加注重画面的留白和空间的营造。此外，书中对“设色”的讲解也让我受益匪浅。不同于西方绘画的色彩理论，中国画的色彩更加注重“写意”和“象征”。作者通过分析大量的古代画作，讲解了如何运用矿物颜料和植物颜料，如何通过色彩的搭配来烘托主题、增强画面的感染力。我还特别欣赏书中对“题跋”和“印章”的讲解，这部分内容常常被初学者忽略，但它们却是中国画不可或缺的重要组成部分，能够提升画面的完整性和艺术性。作者细致地解释了题跋的内容选择、书写格式以及印章的盖法和意义，让我对中国画的整体构成有了更全面的认识。

评分☆☆☆☆☆

作为一个对中国传统文化深深着迷的爱好者，我一直渴望能够亲手创作出富有东方韵味的画作。在众多美术教程中，《中国画基础教程》以其独特的魅力吸引了我。它给我的第一感觉是“接地气”。很多教程讲到笔墨，会用很多专业术语，让人望而却步，但这本书不一样，它从最最基础的“执笔”就开始讲起，非常细致地讲解了握笔的姿势、力度，以及不同的握笔方式对线条的影响。我以前一直觉得笔墨的运用很神秘，以为需要天赋，但这本书让我明白，这其实是一个可以通过刻苦练习掌握的技艺。书中对“用墨”的讲解也让我受益匪浅，我第一次了解到“墨分五色”不仅仅是浓淡干湿，还包括墨的质感和表现力。通过书中大量的范例，我看到同样是画竹子，不同墨色的运用能产生截然不同的效果。书里还讲到了“皴法”和“点法”，这些是我以前只是听说过，但不太理解的技法。作者用生动的语言和清晰的图示，将这些抽象的概念变得具体可行。我跟着书中的步骤，尝试着去画山石的纹理，去点缀花草的枝叶，虽然一开始画得有些稚嫩，但能明显感觉到自己的进步。这本书让我不再害怕中国画，而是充满了学习的兴趣和动力。

评分☆☆☆☆☆

这本书简直就是我学习中国画的“宝藏”！我之前一直对中国画的线条和墨色情有独钟，但总觉得自己的作品缺乏神韵。这本《中国画基础教程》彻底改变了我的看法。它从最基础的“执笔”讲起，非常细致地讲解了各种握笔姿势对线条的影响，以及如何通过控制笔的力量和速度来表现不同的质感。我以前只是大概知道有“中锋”和“侧锋”，但这本书让我明白了它们各自的特点和在实际绘画中的应用。例如，在画梅花的枝干时，我学会了如何运用中锋的圆润来表现枝干的苍劲，如何运用侧锋的挺拔来表现枝条的生长。书中的“用墨”讲解也让我眼前一亮，我第一次了解到“墨分五色”不仅仅是浓淡干湿，还包括墨的质感和表现力。通过书中大量的范例，我看到同样是画竹子，不同墨色的运用能产生截然不同的效果。我跟着书中的步骤，尝试着去画不同的墨色层次，虽然一开始画得有些生涩，但能明显感觉到自己在用墨上的进步。这本书让我不再害怕中国画，而是充满了学习的兴趣和动力。

评分☆☆☆☆☆

这本书简直是为我这样的“小白”量身定做的！之前一直觉得中国画很神秘，总觉得是那些大师才能玩转的艺术。但自从拿了这本《中国画基础教程》之后，我彻底改观了。它不像我以前看过的某些教程，上来就讲“意境”、“神韵”，让人云里雾里。这本书的前期内容特别扎实，讲的都是最最基础的东西，比如怎么握笔，怎么调墨，怎么控制水分。作者用非常直观的方式，把复杂的笔墨技巧拆解成一个个小步骤，配上清晰的图例，一看就懂。我最喜欢的是它关于“墨法”的讲解，里面介绍了浓、淡、干、湿、枯五种墨色的变化，以及它们在画面中的不同作用。作者还特别强调了“墨分五色”的微妙之处，让我明白，中国画的墨色远不止黑白那么简单。通过书中提供的练习，我尝试着去表现不同层次的墨色，虽然一开始有些生涩，但慢慢地，我能感觉到墨色在纸上有了生命力，有了层次感。而且，书里不仅仅是枯燥的技巧讲解，还穿插了许多优秀的范画，比如古人的画作，让我能看到这些技法在实际创作中的应用。我经常对着范画，一遍遍地临摹，慢慢体会其中的韵味。这本书让我觉得，学习中国画，其实就是从最朴素的笔墨开始，一点点积累，最终达到“胸有成竹”。它给了我信心，让我觉得我也可以通过努力，画出属于自己的作品。

评分☆☆☆☆☆

作为一个刚开始接触中国画的学生，我之前对这门艺术充满了好奇，但又不知从何下手。市面上关于中国画的教程很多，我常常在琳琅满目的选择中感到迷茫。直到我偶然翻阅了这本《中国画基础教程》，才像是找到了指引方向的灯塔。书的装帧设计简洁大方，翻开第一页，就感受到一种沉静而雅致的东方韵味。让我印象深刻的是，它并没有上来就灌输艰深的理论，而是从最基本、最直观的笔墨技法讲起，从最简单的线条勾勒、墨色晕染到皴法、点法的运用，都有非常详尽的图文解析。我尤其喜欢它对于“用笔”的讲解，作者用非常形象的比喻，比如“如锥画沙”、“如屋漏痕”，让我对笔法的力度、速度、方向有了更深刻的理解。同时，书中穿插了大量的范画，从古代大师的经典之作到当代名家的作品，涵盖了山水、花鸟、人物等各个门类，这些范例不仅是技法的示范，更是艺术审美的启蒙。我常常对着这些范画反复琢磨，试图去理解创作者是如何运用寥寥几笔就勾勒出栩栩如生的意境。书中的讲解语言通俗易懂，没有过多的学术术语，即使是零基础的初学者也能轻松理解。每学习一个技法，书后都会配有相应的练习题，让我能够及时巩固所学，并发现自己的不足。这种循序渐进的学习方式，让我觉得学习中国画并没有想象中那么遥不可及，反而充满了乐趣和成就感。我迫不及待地想按照书中的指导，一步步探索中国画的奥秘。

评分☆☆☆☆☆

在我看来，《中国画基础教程》这本书最吸引人的地方在于它极富启发性的“创作理念”讲解。它没有把中国画仅仅当做一套僵化的技法体系来传授，而是深入浅出地引导读者去理解中国画背后所蕴含的哲学思想和审美情趣。例如，书中在讲到“写意”时，并没有停留在字面意思，而是通过对梅、兰、竹、菊等传统题材的解读，阐述了画家如何通过描绘物象来寄托情怀，抒发理想。作者强调，中国画的“写意”不仅仅是写形，更是写神，是将作者的情感和精神融入到画面之中。这一点对我来说是颠覆性的，让我意识到，学习中国画，不仅仅是学习如何画，更是学习如何“看”和如何“感受”。书中对于“笔墨意趣”的讲解也让我印象深刻，作者用生动的语言，描绘了不同笔墨在画面中产生的不同韵味，比如“飞白”的苍劲，“积墨”的浑厚，这些都让我对笔墨的表现力有了更深的体会。我曾经在创作时，总觉得画面缺少灵气，通过学习这本书，我明白了，原来是我的笔墨运用还不够深入，没有将情感融入其中。这本书让我看到了中国画的灵魂，也激发了我对中国画更深层次的探索欲望。

评分☆☆☆☆☆

作为一名长期在美术领域探索的人，我一直对中国画的独特魅力心驰神往。尽管我掌握了一些西画的技巧，但在面对中国画时，我总觉得隔了一层纱。这本《中国画基础教程》的出现，就像是为我拨开了迷雾。它并没有简单地照搬西方的绘画理论，而是从中国画的自身特点出发，系统地讲解了中国画的笔墨、构图、色彩等核心要素。我尤其欣赏书中关于“笔墨”的讲解，它不仅仅是技巧的罗列，更是对笔墨背后哲学意蕴的挖掘。作者将“用笔”上升到了“用神”的高度，阐述了如何通过笔墨的枯湿浓淡、刚柔曲直来表现物象的精神气韵。这让我明白，中国画的精髓在于“神似”，而不仅仅是“形似”。此外，书中对“意境”的阐释也让我受益匪浅。作者通过对山水画、花鸟画等作品的分析，讲解了如何通过构图、色彩、留白等手法来营造画面的意境，如何让画面充满诗意和哲理。这本书让我对中国画有了更深层次的理解，也为我今后的创作提供了新的方向。

评分☆☆☆☆☆

这本书的结构设计非常合理，让我这个对中国画了解甚少的人，能够循序渐进地学习。它并没有直接跳到复杂的创作，而是从最基础的“笔墨”入手，详细地讲解了毛笔的种类、墨的研磨、水的运用等等。我以前一直以为画画就是拿起笔来就能画，看了这本书才知道，原来对工具的了解和掌握，也是中国画学习的重要一环。书中对于“笔法”的讲解尤其细致，作者将不同的笔法，如中锋、侧锋、逆锋等，用图例和文字结合的方式进行阐述，并配以相应的练习，让我能够亲身感受到不同笔法带来的线条质感差异。我曾经在画山石时，总觉得线条生硬，通过学习这本书，我才明白是我的用笔方法不对，需要根据不同的对象调整笔法。除了技法，书中还穿插了大量的中国画史论知识，但这些知识并没有显得枯燥，而是以一种娓娓道来的方式呈现，让我对中国画的发展脉络有了初步的了解。我还喜欢书中对“意境”的探讨，作者并没有空泛地谈论意境，而是通过分析具体的画作，讲解了如何通过笔墨、构图、色彩来营造画面的意境。这对我来说是一个很大的启发，让我明白中国画不仅仅是技法的展示，更是情感和思想的表达。

评分☆☆☆☆☆

我是一位已经学习中国画一段时间的学生，对基础技法已经有了一些了解，但总感觉在画面表现力和意境营造上有所欠缺，缺乏系统性的指导。翻阅《中国画基础教程》后，我欣喜地发现这本书能够很好地弥补我现有的知识盲区。它不仅仅是对笔墨技巧的简单罗列，更注重于将技法与审美、创作理念相结合。书中关于“构图”的讲解，让我耳目一新。作者不仅仅提供了几种常见的构图模式，更深入分析了不同构图方式所能传达的情感和视觉效果，例如留白的处理、黄金分割的应用等，这些都极大地拓展了我对画面组织的理解。此外，书中对“色彩”的运用也有独到的见解。不同于西方绘画的色彩理论，中国画的色彩更加注重“写意”和“象征”，作者通过分析大量的古代画作，讲解了如何运用矿物颜料和植物颜料，如何通过色彩的搭配来烘托主题、增强画面的感染力。我还特别欣赏书中对“题跋”和“印章”的讲解，这部分内容常常被初学者忽略，但它们却是中国画不可或缺的重要组成部分，能够提升画面的完整性和艺术性。作者细致地解释了题跋的内容选择、书写格式以及印章的盖法和意义，让我对中国画的整体构成有了更全面的认识。这本书不仅在技术层面提供了指导，更在艺术修养和创作思维上给予了启发，让我对中国画的理解上升到了一个新的高度。